39 résultat(s) recherche sur le mot-clé 'Robert Wise'    

Le cinéma "direct" / Guy Hennebelle

Public ISBD Titre : Le cinéma "direct" : Années 90 : où en est-il? Cinéma vérité? Cinéma du réel? Cinéma du vécu? Type de document : texte imprimé Auteurs : Guy Hennebelle, Directeur de publication, rédacteur en chef ; Collectif, Auteur Editeur : Colombelles [France] : Corlet Publications Année de publication : 1995 Collection : CinémAction num. 76 ISBN/ISSN/EAN : 978-2-85480-882-7 Note générale : Le cinéma direct est un courant du cinéma documentaire qui a vu le jour en Amérique du Nord, au Canada et aux États-Unis, entre 1958 et 1962. Si, dans son acception initiale, il se caractérise par un désir de capter directement le réel et d’en transmettre la vérité, il sera au cinéma, de façon plus durable, une manière de se poser le problème du réel, voire de tenter d'y agir par le cinéma. Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Frederick Wiseman  Ermanno Olmi  Vittorio De Seta  Raymond Depardon  Chris Marker  Robert Kramer  documentaire  Reality show  Romain Goupil  cinéma vérité  cinéma direct Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Le cinéma direct est à la fois genre et technique cinématographique. Il fit son apparition au début des années 60 alors qu'apparaissait de nouvelles techniques de prises de vues et de nouvelles exigences quant à la représentation de la réalité, encore marquée par la guerre. Les cinéastes du direct étaient en quelques sortes ce que les lumières étaient à leur siècle, les premiers pionniers d'une révolte grondante. Le cinéma "direct" : Années 90 : où en est-il? Cinéma vérité? Cinéma du réel? Cinéma du vécu? [texte imprimé] / Guy Hennebelle, Directeur de publication, rédacteur en chef ; Collectif, Auteur . - Corlet Publications, 1995. - (CinémAction; 76) . ISBN : 978-2-85480-882-7 Le cinéma direct est un courant du cinéma documentaire qui a vu le jour en Amérique du Nord, au Canada et aux États-Unis, entre 1958 et 1962. Si, dans son acception initiale, il se caractérise par un désir de capter directement le réel et d’en transmettre la vérité, il sera au cinéma, de façon plus durable, une manière de se poser le problème du réel, voire de tenter d'y agir par le cinéma. Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Frederick Wiseman  Ermanno Olmi  Vittorio De Seta  Raymond Depardon  Chris Marker  Robert Kramer  documentaire  Reality show  Romain Goupil  cinéma vérité  cinéma direct Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Le cinéma direct est à la fois genre et technique cinématographique. Il fit son apparition au début des années 60 alors qu'apparaissait de nouvelles techniques de prises de vues et de nouvelles exigences quant à la représentation de la réalité, encore marquée par la guerre. Les cinéastes du direct étaient en quelques sortes ce que les lumières étaient à leur siècle, les premiers pionniers d'une révolte grondante.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302330	17 H.1.01257	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Citizen Kane / Jean Roy

Public ISBD Accompagne Citizen Kane / Orson Welles Titre : Citizen Kane Type de document : texte imprimé Auteurs : Jean Roy, Auteur Editeur : Paris : Nathan Année de publication : 1989 ISBN/ISSN/EAN : 978-2-09-188622-0 Note générale : Citizen Kane est un film dramatique américain réalisé par Orson Welles sorti en 1941, considéré par l'American Film Institute comme le meilleur film de tous les temps et particulièrement vanté pour ses innovations cinématographiques, musicales et narratives. * Oscar du meilleur scénario original 1941 (décerné en 1942) * National Film Registry 1989 : Sélectionné et conservé à la Bibliothèque du Congrès américain. * Élu « Meilleur film de tous les temps » en 2002 par 108 réalisateurs et 144 critiques internationaux consultés par la revue britannique "Sight and Sound" du British Film Institute. * Élu « Meilleur film de tous les temps » en 1997 et 2007 par l'American Film Institute. Le film a été tourné aux studios de la RKO à Hollywood (Californie) du 29 juin au 23 octobre 1940. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Citizen Kane  Orson Welles  Herman J. Mankiewicz  Bernard Herrmann  Van Nest Polglase  Darrell Silvera  Edward Stevenson  Gregg Toland  Harry J. Wild  Vernon L. Walker  Bailey Fesler  James G. Stewart  Robert Wise  Orson Welles  Mercury Productions  RKO Pictures  Buddy Swan  Joseph Cotten  Dorothy Comingore  Agnes Moorehead  Harry Shannon  Sonny Bupp  Ruth Warrick  Ray Collins  Erskine Sanford  Everett Sloane  William Alland  Paul Stewart  George Coulouris  Fortunio Bonanova  Gus Schilling  Georgia Backus  Charles Bennett  Alan Ladd  Cinéma américain Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Au début des années 1940, Charles Foster Kane meurt dans son manoir de Xanadu, en prononçant dans un dernier souffle « Rosebud » en laissant échapper une « boule à neige ». Ce dernier mot énigmatique attise la curiosité de la presse. Le journaliste Thompson est chargé de percer le mystère et va rencontrer tous ceux qui l'ont connu. Ces rencontres au présent où l'on plonge dans ses souvenirs sont accompagnées à chaque fois de flashbacks qui lèvent toujours un peu plus le voile sur sa vie. Tout jeune, il a dû quitter sa mère, qui se trouvait par hasard héritière d’une mine d’or, pour être élevé par un financier dans la perspective de sa fortune à venir. Devenu un grand magnat de la presse, il épouse la nièce du président des États-Unis et espère faire une carrière politique, carrière qui s'interrompt lorsque l'on apprend qu'il trompe sa femme avec Susan, une pseudo-cantatrice. Sa femme demande le divorce et Kane épouse alors Susan, qui se sépare de lui par la suite. Kane finit par mourir seul dans son immense manoir inachevé. Chaque personne qui l'a côtoyé, comme Thatcher, Mr Bernstein, Jedediah Leland, Susan Alexander Kane et son majordome, a une perception bien particulière du personnage, souvent très différente de celle des autres : les récits, même entrecroisés, ne font donc qu'éclairer certains aspects ponctuels de Charles Foster Kane. * Il s'agit du premier film du réalisateur, et les acteurs proviennent pour la plupart de son groupe de théâtre : le Mercury Theatre. * Le titre initial devait être American. * Pour Kane, Orson Welles s'est inspiré d'un personnage réel : William Randolph Hearst (1863-1951), qui s'était réfugié dans un château, le Hearst Castle, à la fin de sa vie, comme Kane à Xanadu dans le film. Toutefois, d'autres sources, et certains auteurs comme Peter Harry Brown et Pat H. Broeske, ont fait valoir que le film devait être, à l'origine, une biographie plus ou moins fidèle du millionnaire Howard Hughes, alors autant connu pour ses entreprises cinématographiques (Les Anges de l'enfer, Scarface), pour ses records et ses activités dans l'aviation, que pour certaines de ses excentricités : il était victime de troubles obsessionnels compulsifs, lui faisant par exemple répéter plusieurs fois de suite la même phrase, et souffrait d'une phobie des microbes. L'ironie veut que Howard Hughes soit devenu quelques années plus tard le patron de la RKO qui a produit le film. * Les tentatives d'interdire le film par Hearst ont donné lieu à un documentaire télévisé intitulé The Battle Over Citizen Kane. * Rosebud, le fameux mot-clé prononcé par Kane, veut dire littéralement « bouton de rose ». On dit que ce mot était utilisé par William Randolph Hearst pour désigner le clitoris de sa maîtresse, Marion Davies (ce mot est également employé par La Mettrie pour désigner le clitoris, notamment dans L'Art de jouir). Certains estiment que c'est une des raisons pour lesquelles William Randolph Hearst a essayé d'interdire le film à sa sortie. * Orson Welles a dit à propos de son film : "Le public est seul juge. Kane est à la fois un idéaliste et un escroc, un très grand homme et un individu médiocre. Tout dépend de celui qui en parle. Il n'est jamais vu à travers l'œil objectif d'un auteur. Le but du film réside d'ailleurs plus dans la présentation du problème que dans sa solution." Note de contenu : La collection Synopsis présente à tous ceux qui s'intéressent au cinéma et à l'étude des films l'une des œuvres maîtresses de l'histoire du cinéma. Chaque étude comporte une biographie du réalisateur, un résumé du film, la description de sa structure dramatique et narrative, l'analyse de ses thèmes principaux, de ses personnages, de ses particularités esthétiques et de séquences illustrées. Extraits critiques et bibliographie permettent de prolonger la réflexion. Critique de cinéma, délégué général de la Semaine de la critique au festival de Cannes, Jean Roy est secrétaire général de la Fédération internationale de la presse cinématographique. Il est l'auteur de Pour John, Ford. Le narrateur de Citizen Kane est omniprésent et omnipotent. En attestent la première et la dernière scène du film. Ainsi, dès le début du film, la pancarte filmée en gros plan sur laquelle on lit « No trespassing » (« Défense d'entrer ») est immédiatement transgressée par la caméra qui franchit les grilles de Xanadu. Ensuite, la caméra finit par arriver devant la fenêtre de Kane, et par un champ-contrechamp, passe outre cette barrière de verre pour s’immiscer dans la vie du vieillard. De même, lors de la conclusion du film, la caméra décrit des arabesques au cœur des innombrables objets laissés par Kane pour aboutir simplement sur une luge dont se saisit un ouvrier ou un domestique pour la livrer aux flammes. L’œil de la caméra aura encore le temps de se rapprocher suffisamment de l’inscription que porte le jouet avant que l’action de la chaleur ne la fasse définitivement disparaître : « Rosebud », le mot qu’avait prononcé le mourant. Contrairement aux traditions de l’époque, Welles décide de raconter la vie de Charles Foster Kane sous la forme de flashbacks. Cependant, afin de ne pas perdre le spectateur, le réalisateur prend la peine de réaliser un « sommaire » grâce à la scène de la bande d’actualité, qui résume la vie de Kane. D’autre part, les flashbacks reprennent un ordre chronologique, avec dans le pire des cas des superpositions (par exemple entre le témoignage de Leland et celui de Susan). La rupture de Susan avec Kane est ainsi racontée successivement en flashback par deux protagonistes différents, Susan elle-même et le majordome de Xanadu. Kane et Susan connaissent leur dernière altercation, et Kane, impuissant, regarde Susan quitter la pièce et s’éloigner en franchissant différentes ouvertures. Le dernier plan cadrant Susan peut prendre toute sa dimension dans la mesure où c’est elle qui relate leur séparation. Thompson interroge ensuite le majordome dont les souvenirs font l’objet du flashback suivant, qui débute de manière abrupte (par un cri de cacatoès) au moment où le majordome voit Susan partir. Welles choisit ainsi de couvrir la fin de la liaison entre Kane et Susan Alexander par deux personnages différents. La construction en flashbacks remplit ici son office car elle autorise une variation sur ce qui avait déjà été dit auparavant en ménageant un nouveau point de vue. Plus précisément, la rupture était déjà connue lors du flashback précédent, mais est visible dans toute sa continuité grâce à la présence du majordome qui assure sa fluidité à la narration. Welles brise ainsi le style linéaire habituel des films et invente de nouveaux codes cinématographiques. Le recours à une longue profondeur de champ est omniprésent dans le film. Comme pour le flashback, c’est la systématisation du procédé plus que le procédé lui-même qui marque une date dans l’histoire du cinéma. Un plan devenu à ce titre exemplaire est celui de la découverte de la tentative de suicide de la femme de Kane. L’image montre en amorce le verre et la fiole tandis que Kane force la porte à l’arrière-plan, Susan respirant avec difficulté sur sa couche dans le plan intermédiaire. On sait que ce plan n’a pas été effectué en une seule prise mais que la mise au point a été successivement faite sur les différents composants du plan avant intégration dans une image unique. De même, l’enfance de Kane qui fait l’objet des mémoires de Thatcher est représentée grâce à cette technique. La séquence débute par des images du jeune Charlie Kane jouant dans la neige avec sa luge. Puis, un travelling arrière fait comprendre que le point de vue se situait à l’intérieur de la maison familiale. Les jeux du garçon sont ensuite perçus en arrière-plan, tandis que son proche avenir est débattu dans le foyer, les deux plans étant nets. De nombreux plans du film sont filmés en plongée, ou en contre-plongée. Si la contre-plongée traduit souvent l’exaltation, comme dans le discours de Kane contre Gettys, la plongée sert à illustrer les périodes de doute et d’échec, telles que la demande de mutation de Leland à Kane après la débâcle électorale, et la destruction de la chambre par Kane après le départ de Susan. Welles transgresse aussi les règles basiques des contre-plongées en les inversant. Car si cette même contre-plongée traduit généralement l'exaltation, la puissance écrase parfois Kane, comme dans la scène de la rupture avec sa seconde femme. Welles aime faire appel à des effets spéciaux pour enrichir son film. Ils sont dus pour la plupart au talent de Vernon L. Walker. On peut en citer six exemples, tous assez remarquables : * La scène où Leland parle à Thompson à l'hôpital a été jouée devant un mur blanc, des diapositives ayant ensuite été utilisées pour créer le fond. * Les vues extérieures de Xanadu et la foule du meeting politique sont des illusions : ce sont en réalité des toiles peintes. * La scène où Gettys surveille le discours de Kane depuis le poulailler possède une caractéristique très particulière : chaque moitié d'image a été filmée séparément puis rassemblée, ce qui permet de voir nettement les deux personnages. * Le départ de Susan a été filmé en trois fois, pour pouvoir avoir les trois plans nets. Seul un plan est éclairé et filmé, puis la bobine est rembobinée et le plan suivant est éclairé, et ainsi de suite. * Welles a employé le procédé d'impression optique à la Truca. Cela consiste à aligner une caméra avec un projecteur dont le fonctionnement est synchronisé. La pellicule peut ensuite être retravaillée en post-production. * Au début du film, dans la longue séquence de la bande d'actualités News on the March retraçant la carrière de Kane, est inséré un plan où Kane et Adolf Hitler sont côte à côte sur un balcon, ce qui est un habile montage. « Throw that junk », traduit en français par Jette ce machin , constitue l'ultime réplique du film. Elle survient lors de la séquence finale de l'inventaire dans le château de Kane, lorsque le majordome Raymond (interprété par Paul Stewart) passe devant une luge d'enfant et s'écrie ces mots « Throw that junk ». On jette la luge dans un brasier, puis la caméra sur la musique de Bernard Herrmann s'avance lentement en travelling, et le mot gravé sur le bois noirci par le feu apparaît soudain : "Rosebud", révélant peut-être que la seule chose à laquelle Kane restait encore attaché à la toute fin de sa vie était la luge avec laquelle il aimait à jouer lors des hivers neigeux de son enfance. La séquence de révélation concernant le mot "Rosebud" peut être rapprochée de la dernière scène du film d'Alfred Hitchcock, Rebecca, qui, un an plus tôt, se concluait sur la lettre "R" soigneusement cousue sur le coussin de la chambre de Rebecca, et qui brûlait en conclusion du film. Accompagne Citizen Kane / Orson Welles Citizen Kane [texte imprimé] / Jean Roy, Auteur . - Paris : Nathan, 1989. ISBN : 978-2-09-188622-0 Citizen Kane est un film dramatique américain réalisé par Orson Welles sorti en 1941, considéré par l'American Film Institute comme le meilleur film de tous les temps et particulièrement vanté pour ses innovations cinématographiques, musicales et narratives. * Oscar du meilleur scénario original 1941 (décerné en 1942) * National Film Registry 1989 : Sélectionné et conservé à la Bibliothèque du Congrès américain. * Élu « Meilleur film de tous les temps » en 2002 par 108 réalisateurs et 144 critiques internationaux consultés par la revue britannique "Sight and Sound" du British Film Institute. * Élu « Meilleur film de tous les temps » en 1997 et 2007 par l'American Film Institute. Le film a été tourné aux studios de la RKO à Hollywood (Californie) du 29 juin au 23 octobre 1940. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Citizen Kane  Orson Welles  Herman J. Mankiewicz  Bernard Herrmann  Van Nest Polglase  Darrell Silvera  Edward Stevenson  Gregg Toland  Harry J. Wild  Vernon L. Walker  Bailey Fesler  James G. Stewart  Robert Wise  Orson Welles  Mercury Productions  RKO Pictures  Buddy Swan  Joseph Cotten  Dorothy Comingore  Agnes Moorehead  Harry Shannon  Sonny Bupp  Ruth Warrick  Ray Collins  Erskine Sanford  Everett Sloane  William Alland  Paul Stewart  George Coulouris  Fortunio Bonanova  Gus Schilling  Georgia Backus  Charles Bennett  Alan Ladd  Cinéma américain Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Au début des années 1940, Charles Foster Kane meurt dans son manoir de Xanadu, en prononçant dans un dernier souffle « Rosebud » en laissant échapper une « boule à neige ». Ce dernier mot énigmatique attise la curiosité de la presse. Le journaliste Thompson est chargé de percer le mystère et va rencontrer tous ceux qui l'ont connu. Ces rencontres au présent où l'on plonge dans ses souvenirs sont accompagnées à chaque fois de flashbacks qui lèvent toujours un peu plus le voile sur sa vie. Tout jeune, il a dû quitter sa mère, qui se trouvait par hasard héritière d’une mine d’or, pour être élevé par un financier dans la perspective de sa fortune à venir. Devenu un grand magnat de la presse, il épouse la nièce du président des États-Unis et espère faire une carrière politique, carrière qui s'interrompt lorsque l'on apprend qu'il trompe sa femme avec Susan, une pseudo-cantatrice. Sa femme demande le divorce et Kane épouse alors Susan, qui se sépare de lui par la suite. Kane finit par mourir seul dans son immense manoir inachevé. Chaque personne qui l'a côtoyé, comme Thatcher, Mr Bernstein, Jedediah Leland, Susan Alexander Kane et son majordome, a une perception bien particulière du personnage, souvent très différente de celle des autres : les récits, même entrecroisés, ne font donc qu'éclairer certains aspects ponctuels de Charles Foster Kane. * Il s'agit du premier film du réalisateur, et les acteurs proviennent pour la plupart de son groupe de théâtre : le Mercury Theatre. * Le titre initial devait être American. * Pour Kane, Orson Welles s'est inspiré d'un personnage réel : William Randolph Hearst (1863-1951), qui s'était réfugié dans un château, le Hearst Castle, à la fin de sa vie, comme Kane à Xanadu dans le film. Toutefois, d'autres sources, et certains auteurs comme Peter Harry Brown et Pat H. Broeske, ont fait valoir que le film devait être, à l'origine, une biographie plus ou moins fidèle du millionnaire Howard Hughes, alors autant connu pour ses entreprises cinématographiques (Les Anges de l'enfer, Scarface), pour ses records et ses activités dans l'aviation, que pour certaines de ses excentricités : il était victime de troubles obsessionnels compulsifs, lui faisant par exemple répéter plusieurs fois de suite la même phrase, et souffrait d'une phobie des microbes. L'ironie veut que Howard Hughes soit devenu quelques années plus tard le patron de la RKO qui a produit le film. * Les tentatives d'interdire le film par Hearst ont donné lieu à un documentaire télévisé intitulé The Battle Over Citizen Kane. * Rosebud, le fameux mot-clé prononcé par Kane, veut dire littéralement « bouton de rose ». On dit que ce mot était utilisé par William Randolph Hearst pour désigner le clitoris de sa maîtresse, Marion Davies (ce mot est également employé par La Mettrie pour désigner le clitoris, notamment dans L'Art de jouir). Certains estiment que c'est une des raisons pour lesquelles William Randolph Hearst a essayé d'interdire le film à sa sortie. * Orson Welles a dit à propos de son film : "Le public est seul juge. Kane est à la fois un idéaliste et un escroc, un très grand homme et un individu médiocre. Tout dépend de celui qui en parle. Il n'est jamais vu à travers l'œil objectif d'un auteur. Le but du film réside d'ailleurs plus dans la présentation du problème que dans sa solution." Note de contenu : La collection Synopsis présente à tous ceux qui s'intéressent au cinéma et à l'étude des films l'une des œuvres maîtresses de l'histoire du cinéma. Chaque étude comporte une biographie du réalisateur, un résumé du film, la description de sa structure dramatique et narrative, l'analyse de ses thèmes principaux, de ses personnages, de ses particularités esthétiques et de séquences illustrées. Extraits critiques et bibliographie permettent de prolonger la réflexion. Critique de cinéma, délégué général de la Semaine de la critique au festival de Cannes, Jean Roy est secrétaire général de la Fédération internationale de la presse cinématographique. Il est l'auteur de Pour John, Ford. Le narrateur de Citizen Kane est omniprésent et omnipotent. En attestent la première et la dernière scène du film. Ainsi, dès le début du film, la pancarte filmée en gros plan sur laquelle on lit « No trespassing » (« Défense d'entrer ») est immédiatement transgressée par la caméra qui franchit les grilles de Xanadu. Ensuite, la caméra finit par arriver devant la fenêtre de Kane, et par un champ-contrechamp, passe outre cette barrière de verre pour s’immiscer dans la vie du vieillard. De même, lors de la conclusion du film, la caméra décrit des arabesques au cœur des innombrables objets laissés par Kane pour aboutir simplement sur une luge dont se saisit un ouvrier ou un domestique pour la livrer aux flammes. L’œil de la caméra aura encore le temps de se rapprocher suffisamment de l’inscription que porte le jouet avant que l’action de la chaleur ne la fasse définitivement disparaître : « Rosebud », le mot qu’avait prononcé le mourant. Contrairement aux traditions de l’époque, Welles décide de raconter la vie de Charles Foster Kane sous la forme de flashbacks. Cependant, afin de ne pas perdre le spectateur, le réalisateur prend la peine de réaliser un « sommaire » grâce à la scène de la bande d’actualité, qui résume la vie de Kane. D’autre part, les flashbacks reprennent un ordre chronologique, avec dans le pire des cas des superpositions (par exemple entre le témoignage de Leland et celui de Susan). La rupture de Susan avec Kane est ainsi racontée successivement en flashback par deux protagonistes différents, Susan elle-même et le majordome de Xanadu. Kane et Susan connaissent leur dernière altercation, et Kane, impuissant, regarde Susan quitter la pièce et s’éloigner en franchissant différentes ouvertures. Le dernier plan cadrant Susan peut prendre toute sa dimension dans la mesure où c’est elle qui relate leur séparation. Thompson interroge ensuite le majordome dont les souvenirs font l’objet du flashback suivant, qui débute de manière abrupte (par un cri de cacatoès) au moment où le majordome voit Susan partir. Welles choisit ainsi de couvrir la fin de la liaison entre Kane et Susan Alexander par deux personnages différents. La construction en flashbacks remplit ici son office car elle autorise une variation sur ce qui avait déjà été dit auparavant en ménageant un nouveau point de vue. Plus précisément, la rupture était déjà connue lors du flashback précédent, mais est visible dans toute sa continuité grâce à la présence du majordome qui assure sa fluidité à la narration. Welles brise ainsi le style linéaire habituel des films et invente de nouveaux codes cinématographiques. Le recours à une longue profondeur de champ est omniprésent dans le film. Comme pour le flashback, c’est la systématisation du procédé plus que le procédé lui-même qui marque une date dans l’histoire du cinéma. Un plan devenu à ce titre exemplaire est celui de la découverte de la tentative de suicide de la femme de Kane. L’image montre en amorce le verre et la fiole tandis que Kane force la porte à l’arrière-plan, Susan respirant avec difficulté sur sa couche dans le plan intermédiaire. On sait que ce plan n’a pas été effectué en une seule prise mais que la mise au point a été successivement faite sur les différents composants du plan avant intégration dans une image unique. De même, l’enfance de Kane qui fait l’objet des mémoires de Thatcher est représentée grâce à cette technique. La séquence débute par des images du jeune Charlie Kane jouant dans la neige avec sa luge. Puis, un travelling arrière fait comprendre que le point de vue se situait à l’intérieur de la maison familiale. Les jeux du garçon sont ensuite perçus en arrière-plan, tandis que son proche avenir est débattu dans le foyer, les deux plans étant nets. De nombreux plans du film sont filmés en plongée, ou en contre-plongée. Si la contre-plongée traduit souvent l’exaltation, comme dans le discours de Kane contre Gettys, la plongée sert à illustrer les périodes de doute et d’échec, telles que la demande de mutation de Leland à Kane après la débâcle électorale, et la destruction de la chambre par Kane après le départ de Susan. Welles transgresse aussi les règles basiques des contre-plongées en les inversant. Car si cette même contre-plongée traduit généralement l'exaltation, la puissance écrase parfois Kane, comme dans la scène de la rupture avec sa seconde femme. Welles aime faire appel à des effets spéciaux pour enrichir son film. Ils sont dus pour la plupart au talent de Vernon L. Walker. On peut en citer six exemples, tous assez remarquables : * La scène où Leland parle à Thompson à l'hôpital a été jouée devant un mur blanc, des diapositives ayant ensuite été utilisées pour créer le fond. * Les vues extérieures de Xanadu et la foule du meeting politique sont des illusions : ce sont en réalité des toiles peintes. * La scène où Gettys surveille le discours de Kane depuis le poulailler possède une caractéristique très particulière : chaque moitié d'image a été filmée séparément puis rassemblée, ce qui permet de voir nettement les deux personnages. * Le départ de Susan a été filmé en trois fois, pour pouvoir avoir les trois plans nets. Seul un plan est éclairé et filmé, puis la bobine est rembobinée et le plan suivant est éclairé, et ainsi de suite. * Welles a employé le procédé d'impression optique à la Truca. Cela consiste à aligner une caméra avec un projecteur dont le fonctionnement est synchronisé. La pellicule peut ensuite être retravaillée en post-production. * Au début du film, dans la longue séquence de la bande d'actualités News on the March retraçant la carrière de Kane, est inséré un plan où Kane et Adolf Hitler sont côte à côte sur un balcon, ce qui est un habile montage. « Throw that junk », traduit en français par Jette ce machin , constitue l'ultime réplique du film. Elle survient lors de la séquence finale de l'inventaire dans le château de Kane, lorsque le majordome Raymond (interprété par Paul Stewart) passe devant une luge d'enfant et s'écrie ces mots « Throw that junk ». On jette la luge dans un brasier, puis la caméra sur la musique de Bernard Herrmann s'avance lentement en travelling, et le mot gravé sur le bois noirci par le feu apparaît soudain : "Rosebud", révélant peut-être que la seule chose à laquelle Kane restait encore attaché à la toute fin de sa vie était la luge avec laquelle il aimait à jouer lors des hivers neigeux de son enfance. La séquence de révélation concernant le mot "Rosebud" peut être rapprochée de la dernière scène du film d'Alfred Hitchcock, Rebecca, qui, un an plus tôt, se concluait sur la lettre "R" soigneusement cousue sur le coussin de la chambre de Rebecca, et qui brûlait en conclusion du film.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302187	19 H.1.00820	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible
302229	19 H.1.02017	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Les classiques du cinéma fantastique / Jean-Marie Sabatier

Public ISBD Titre : Les classiques du cinéma fantastique Type de document : texte imprimé Auteurs : Jean-Marie Sabatier, Auteur Editeur : Balland Année de publication : 1973 Importance : 1 vol. ill. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : cinéma fantastique  Peter Chshing  Christopher Lee  Boris Karloff  Terence Fisher  John Carradine  Bud Abbott  Lou Costello  Robert Aldrich  Irving Allen  Samuel Z. Arkoff  Jack Arnold  Jack Asher  Roy Ashton  Lionel Atwill  Robert S. Baker  Monty Berman  Roy Ward Baker  Lex Barker  Mario Bava  William Beaudine  Ford L. Beebe  Spencer Gordon Bennet  Ingmar Bergman  James Bernard  Edward Bernds  Robert Bloch  Charles J. Bradin  John Brahm  Arthur Brauner  Tod Browning  Luis Bunuel  Edward L. Cahn  Mario Caino  Gianna Maria Canale  Richard Carlson  Michael Carreras  Henry Cass  William Castle  Lon Chaney  Lon Chaney Junior  Benjamin Christensen  René Clair  Jean Cocteau  Herman J. Cohen  Roger Corman  Vittorio Cottafavi  Hazel Court  Larry Crabbe  Arthur Crabtree  Flod Crosby  Michael Curtiz  Robert Day  Ennio de Concini  William Dieterle  Karin Dor  Gordon Douglas  Carl Theodor Dreyer  Arthur Edeson  Maurice Elvey  Giorgio Ferroni  Louis Feuillade  Robert Florey  Freddie Francis  Jesus Franco  Georges Franju  Riccardo Freda  Karl Freund  Dwight Frye  John P. Fulton  Henryk Galeen  Giacomo Gentilomo  John Gilling  Don Glut  Bert I. Gordon  Arthur Grant  Michael Gough  Nick Grinde  Val Guest  Daniel Haller  Victor Halperin  Ray Harryhausen  Byron Haskin  Sidney Hayers  Brigitte Helm  Gordon Hessler  Lambert Hillyer  Anthony Hinds  Alfred Hitchcock  Inoshiro Honda  Rupert Julian  Nathan Juran  Sam Katzman  Erle C. Kenton  Klaus Kinski  Masaki Kobayshi  Elsa Lanchester  Lew Landers  Fritz Lang  Charles Laughton  Reginald Le Borg  Rowland V. Lee  Paul Leni  Albert Lewin  Herschell Gordon Lewis  Val Lewton  Herbert Lom  Peter Lorre  Joseph Losey  Eugène Lourié  Arthur Lubin  Bela Lugosi  Antonio Margheriti  Richard Matheson  Georges Méliès  Fernando Mendez  William Cameron Menzies  Friedrich-Wilhem Murnau  John Carrol Naish  Roy William Neill  Kurt Newmann  Sam Newfield  William Nigh  Arch Oboler  Willis O'Brien  Warner Oland  Richard Oswald  George Pal  Domenico Paolla  David Peel  Irving Pichel  Harry Piel  Jack Pierce  Roman Polanski  Michael Powell  Wolfgang Preiss  Vincent Price  Claude Rains  Basil Rathbone  Oliver Reed  Steve Reeves  Harald Reinl  Wolf Rilla  Bernard Robinson  George Robinson  German Roblès  Mark Robson  Jean Rollin  George A. Roméro  Phil Rosen  Jimmy Sangster  Peter Sasdy  Ernest Beaumont Schoedsack  Max Schreck  Gordon Scott  Fred F. Sears  Don Sharp  Barbara Shelley  Curt Siomak  Robert Siodmak  Tod Slaughter  Edward van Sloan  Barbara Steele  Robert Stevenson  Glenn Strange  Erich von Stroheim  Milton Subotsky  Jeremy Summers  Duccio Tessari  Jacques Tourneur  Roger Vadim  Conrad Veidt  Howard Vernon  Alfred Vohrer  Hermann Warm  Paul Wegener  Jonny Weismuller  Bud Westmore  James Whale  Robert Wiene  Robert Wise  William Witney  Fay Wray  Jean Yarbrough  George Worthing Yates  George Zucco Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Voici un livre sur le cinéma qui, à bien des égards, peut être considéré comme un évènement. Cet ouvrage, par sa précision et sa clarté, ravira et étonnera les cinéphiles. Après une approche, ardente mais lucide, où l'auteur va aux racines mêmes d'un art méconnu, voire ignoré, suit la présentation de tous ceux qui contribuèrent à 'faire' le cinéma fantastique. Les classiques du cinéma fantastique [texte imprimé] / Jean-Marie Sabatier, Auteur . - [S.l.] : Balland, 1973 . - 1 vol. ill. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : cinéma fantastique  Peter Chshing  Christopher Lee  Boris Karloff  Terence Fisher  John Carradine  Bud Abbott  Lou Costello  Robert Aldrich  Irving Allen  Samuel Z. Arkoff  Jack Arnold  Jack Asher  Roy Ashton  Lionel Atwill  Robert S. Baker  Monty Berman  Roy Ward Baker  Lex Barker  Mario Bava  William Beaudine  Ford L. Beebe  Spencer Gordon Bennet  Ingmar Bergman  James Bernard  Edward Bernds  Robert Bloch  Charles J. Bradin  John Brahm  Arthur Brauner  Tod Browning  Luis Bunuel  Edward L. Cahn  Mario Caino  Gianna Maria Canale  Richard Carlson  Michael Carreras  Henry Cass  William Castle  Lon Chaney  Lon Chaney Junior  Benjamin Christensen  René Clair  Jean Cocteau  Herman J. Cohen  Roger Corman  Vittorio Cottafavi  Hazel Court  Larry Crabbe  Arthur Crabtree  Flod Crosby  Michael Curtiz  Robert Day  Ennio de Concini  William Dieterle  Karin Dor  Gordon Douglas  Carl Theodor Dreyer  Arthur Edeson  Maurice Elvey  Giorgio Ferroni  Louis Feuillade  Robert Florey  Freddie Francis  Jesus Franco  Georges Franju  Riccardo Freda  Karl Freund  Dwight Frye  John P. Fulton  Henryk Galeen  Giacomo Gentilomo  John Gilling  Don Glut  Bert I. Gordon  Arthur Grant  Michael Gough  Nick Grinde  Val Guest  Daniel Haller  Victor Halperin  Ray Harryhausen  Byron Haskin  Sidney Hayers  Brigitte Helm  Gordon Hessler  Lambert Hillyer  Anthony Hinds  Alfred Hitchcock  Inoshiro Honda  Rupert Julian  Nathan Juran  Sam Katzman  Erle C. Kenton  Klaus Kinski  Masaki Kobayshi  Elsa Lanchester  Lew Landers  Fritz Lang  Charles Laughton  Reginald Le Borg  Rowland V. Lee  Paul Leni  Albert Lewin  Herschell Gordon Lewis  Val Lewton  Herbert Lom  Peter Lorre  Joseph Losey  Eugène Lourié  Arthur Lubin  Bela Lugosi  Antonio Margheriti  Richard Matheson  Georges Méliès  Fernando Mendez  William Cameron Menzies  Friedrich-Wilhem Murnau  John Carrol Naish  Roy William Neill  Kurt Newmann  Sam Newfield  William Nigh  Arch Oboler  Willis O'Brien  Warner Oland  Richard Oswald  George Pal  Domenico Paolla  David Peel  Irving Pichel  Harry Piel  Jack Pierce  Roman Polanski  Michael Powell  Wolfgang Preiss  Vincent Price  Claude Rains  Basil Rathbone  Oliver Reed  Steve Reeves  Harald Reinl  Wolf Rilla  Bernard Robinson  George Robinson  German Roblès  Mark Robson  Jean Rollin  George A. Roméro  Phil Rosen  Jimmy Sangster  Peter Sasdy  Ernest Beaumont Schoedsack  Max Schreck  Gordon Scott  Fred F. Sears  Don Sharp  Barbara Shelley  Curt Siomak  Robert Siodmak  Tod Slaughter  Edward van Sloan  Barbara Steele  Robert Stevenson  Glenn Strange  Erich von Stroheim  Milton Subotsky  Jeremy Summers  Duccio Tessari  Jacques Tourneur  Roger Vadim  Conrad Veidt  Howard Vernon  Alfred Vohrer  Hermann Warm  Paul Wegener  Jonny Weismuller  Bud Westmore  James Whale  Robert Wiene  Robert Wise  William Witney  Fay Wray  Jean Yarbrough  George Worthing Yates  George Zucco Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Voici un livre sur le cinéma qui, à bien des égards, peut être considéré comme un évènement. Cet ouvrage, par sa précision et sa clarté, ravira et étonnera les cinéphiles. Après une approche, ardente mais lucide, où l'auteur va aux racines mêmes d'un art méconnu, voire ignoré, suit la présentation de tous ceux qui contribuèrent à 'faire' le cinéma fantastique.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
301152	17 H.1.03987	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Hollywood classique / Pierre Berthomieu 

Public ISBD Titre : Hollywood classique Type de document : texte imprimé Auteurs : Pierre Berthomieu, Auteur Editeur : Pertuis : Rouge profond Année de publication : 2009 Importance : 609 p. Présentation : Nombreuse reproductions de photogrammes ISBN/ISSN/EAN : 17 H.1.04175 Langues : Français (fre) Langues originales : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Cinéma hollywoodien  Michael Curtiz  Clarence Brown  David O. Selznick  John Ford  Henry King  Cecil B. De Mille  Howard Hawks  Alfred Hitchcock  George Stevens  King Vidor  Robert Wise Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Le cinéma d'Hollywood est un art de la plénitude : ses histoires embrassent le monde, ses images sidèrent et transportent, ses créateurs ne s'imposent aucune limite, tous les genres sont représentés et la démangeaison d'infini y est permanente. Ignorant la hiérarchie culturelle, Pierre Berthomieu propose dans ce premier volume, allant des origines aux années 1960, une histoire inédite de l'art hollywoodien : histoire des formes, des styles, histoire des artistes (acteurs, réalisateurs, scénaristes, décorateurs, musiciens). Hollvwood est à l'origine de codes et de genres précis (le film biblique, le film historique et romantique comme Autant en emporte le vent, les musicals...), d'esthétiques sans cesse enrichies, d'échanges artistiques (théâtre, opéra, musique, cinéma, animation, télévision), mais aussi d'icônes (King Kong, Marilyn Monroe...), d'inventions (le Technicolor, le Scope), d'oeuvres d'auteurs à part entière (Cecil B. DeMille, Michael Curtiz, Clarence Brown, John Ford, Alfred Hitchcock, Orson Welles, George Stevens, King Vidor, Robert Wise...). Feuilletoniste à sa façon, l'auteur reconstitue la saga hollywoodienne, avec ses familles et ses rituels, ses héritages et ses révolutions, alternant parcours chronologiques et approches transversales, privilégiant les filiations (échos, écarts), les transferts d'un cinéaste à l'autre, d'une forme à l'autre, les persistances ou infléchissements thématiques. Il saisit les liens de l'intérieur de la création, en remontant aux sources : il recourt à d'abondants documents visuels - près de trois mille illustrations -, à des propos d'artistes publiés pour la première fois en France. Pays : France Niveau : secondaire supérieur et + Hollywood classique [texte imprimé] / Pierre Berthomieu, Auteur . - Pertuis : Rouge profond, 2009 . - 609 p. : Nombreuse reproductions de photogrammes. ISSN : 17 H.1.04175 Langues : Français (fre) Langues originales : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Cinéma hollywoodien  Michael Curtiz  Clarence Brown  David O. Selznick  John Ford  Henry King  Cecil B. De Mille  Howard Hawks  Alfred Hitchcock  George Stevens  King Vidor  Robert Wise Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Le cinéma d'Hollywood est un art de la plénitude : ses histoires embrassent le monde, ses images sidèrent et transportent, ses créateurs ne s'imposent aucune limite, tous les genres sont représentés et la démangeaison d'infini y est permanente. Ignorant la hiérarchie culturelle, Pierre Berthomieu propose dans ce premier volume, allant des origines aux années 1960, une histoire inédite de l'art hollywoodien : histoire des formes, des styles, histoire des artistes (acteurs, réalisateurs, scénaristes, décorateurs, musiciens). Hollvwood est à l'origine de codes et de genres précis (le film biblique, le film historique et romantique comme Autant en emporte le vent, les musicals...), d'esthétiques sans cesse enrichies, d'échanges artistiques (théâtre, opéra, musique, cinéma, animation, télévision), mais aussi d'icônes (King Kong, Marilyn Monroe...), d'inventions (le Technicolor, le Scope), d'oeuvres d'auteurs à part entière (Cecil B. DeMille, Michael Curtiz, Clarence Brown, John Ford, Alfred Hitchcock, Orson Welles, George Stevens, King Vidor, Robert Wise...). Feuilletoniste à sa façon, l'auteur reconstitue la saga hollywoodienne, avec ses familles et ses rituels, ses héritages et ses révolutions, alternant parcours chronologiques et approches transversales, privilégiant les filiations (échos, écarts), les transferts d'un cinéaste à l'autre, d'une forme à l'autre, les persistances ou infléchissements thématiques. Il saisit les liens de l'intérieur de la création, en remontant aux sources : il recourt à d'abondants documents visuels - près de trois mille illustrations -, à des propos d'artistes publiés pour la première fois en France. Pays : France Niveau : secondaire supérieur et +

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
301628	17 H.1.04175	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Documents numériques

301628 URL

294 - Juin 1983 - Cinéma 294 - Spécial Robert Bresson (Bulletin de Cinéma) / Gaston Haustrate

Public ISBD [n° ou bulletin]  est un bulletin de Cinéma / Fédération Française des Ciné-club (1946-....; Paris, France) Titre : 294 - Juin 1983 - Cinéma 294 - Spécial Robert Bresson Type de document : texte imprimé Auteurs : Gaston Haustrate, Directeur de publication, rédacteur en chef ; Joël Magny, Directeur de publication, rédacteur en chef Année de publication : 1983 Importance : 1 vol. (70 p.) Présentation : ill. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma Mots-clés : Robert Bresson Résumé : Éditorial - Entre nous soit dit (autre) Auteur : HAUSTRATE Gaston Dossier BRESSON Robert (article d'ensemble) BRESSON Robert (autre) Auteur : MAGNY Joël BRESSON Robert Bresson et son temps (article d'ensemble) Auteur : PRÉDAL René BRESSON Robert Bresson et Bernanos (autre) Auteur : ESTÈVE Michel Affaires publiques (Les) (autre) Auteur : AMENGUAL Barthélemy BRESSON Robert L'expérience intérieure de Robert Bresson (article d'ensemble) Auteur : MAGNY Joël Argent (L') (critique, article sur un film) Auteur : SÉMOLUÉ Jean BRESSON Robert (filmographie) Auteur : ESTÈVE Michel BERRY Richard (entretien) Auteur : AMIEL Mireille BERRY Richard (filmographie) Furyo (critique, article sur un film) Auteur : MAGNY Joël Mort de Mario Ricci (La) (critique, article sur un film) Auteur : AMIEL Mireille Palombière (La) (critique, article sur un film) Auteur : HAUSTRATE Gaston Dialogo di Roma (Il) (critique, article sur un film) Auteur : TARQUI Anne Sarah (critique, article sur un film) Auteur : RABOURDIN Dominique Bancals (critique, article sur un film) Auteur : RABOURDIN Dominique Zig zag story (critique, article sur un film) Auteur : RABOURDIN Dominique Vie est un roman (La) (critique, article sur un film) Auteur : CLUNY Claude-Michel Nuit de l'iguane (La) (critique, article sur un film) Auteur : TARQUI Anne Belle de Saïgon (La) (critique, article sur un film) Auteur : BLANCHET Christian Derrière la porte (critique, article sur un film) Auteur : BORKER Pierre Derniers monstres (Les) (critique, article sur un film) Auteur : BLANCHET Christian Aventuriers du bout du monde (Les) (critique, article sur un film) Auteur : BORKER Pierre Xueiv (critique, article sur un film) Auteur : AMIEL Mireille Surprise party (critique, article sur un film) Auteur : BLANCHET Christian Prostitute (critique, article sur un film) Auteur : RENARD Marie Piège mortel (critique, article sur un film) Auteur : RABOURDIN Dominique Dernière cène (La) (critique, article sur un film) Auteur : TARQUI Anne Barrière blanche (La) (critique, article sur un film) Auteur : AMIEL Mireille Othello (critique, article sur un film) Auteur : NAVAILH Françoise Hamlet (critique, article sur un film) Auteur : NAVAILH Françoise Roi Lear (Le) (critique, article sur un film) Auteur : NAVAILH Françoise Jeune marié (Le) (critique, article sur un film) Auteur : BLANCHET Christian Été meurtrier (L') (critique, article sur un film) Auteur : MAGNY Joël Creepshow (critique, article sur un film) Auteur : CARON Évelyne Ténèbres (critique, article sur un film) Auteur : CARON Évelyne Édith et Marcel (critique, article sur un film) Auteur : GÉVAUDAN Frantz Carbone 14, le film (critique, article sur un film) Auteur : CARBONNIER Alain Circulez, y'a rien à voir (critique, article sur un film) Auteur : RENARD Colette-Marie Dar l'invincible (critique, article sur un film) Auteur : DUMONT Pascal Gaijin, les chemins de la liberté (critique, article sur un film) Auteur : GUERRINI Pierre BEAUSOLEIL Claude (nécrologie) Auteur : JOMY Alain Son Voix au cinéma (La) (Michel Chion) (livre) Auteur : MAGNY Joël Tout va bien (autre) Auteur : MAGNY Joël Une chante, l'autre pas (L') (autre) Auteur : NACACHE Jacqueline Comment ça va (autre) Auteur : MAGNY Joël Second souffle (Un) (autre) Auteur : HAUSTRATE Gaston Temps de la colère (Le) (autre) Auteur : DUMONT Pascal BERNARD Raymond Raymond Bernard, un directeur à l'américaine (article d'ensemble) Auteur : SELLIER Geneviève Genre : Revue Pays : France Niveau : Etudes secondaires inférieur et supérieur, études supérieur [n° ou bulletin]  est un bulletin de Cinéma / Fédération Française des Ciné-club (1946-....; Paris, France) 294 - Juin 1983 - Cinéma 294 - Spécial Robert Bresson [texte imprimé] / Gaston Haustrate, Directeur de publication, rédacteur en chef ; Joël Magny, Directeur de publication, rédacteur en chef . - 1983 . - 1 vol. (70 p.) : ill. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma Mots-clés : Robert Bresson Résumé : Éditorial - Entre nous soit dit (autre) Auteur : HAUSTRATE Gaston Dossier BRESSON Robert (article d'ensemble) BRESSON Robert (autre) Auteur : MAGNY Joël BRESSON Robert Bresson et son temps (article d'ensemble) Auteur : PRÉDAL René BRESSON Robert Bresson et Bernanos (autre) Auteur : ESTÈVE Michel Affaires publiques (Les) (autre) Auteur : AMENGUAL Barthélemy BRESSON Robert L'expérience intérieure de Robert Bresson (article d'ensemble) Auteur : MAGNY Joël Argent (L') (critique, article sur un film) Auteur : SÉMOLUÉ Jean BRESSON Robert (filmographie) Auteur : ESTÈVE Michel BERRY Richard (entretien) Auteur : AMIEL Mireille BERRY Richard (filmographie) Furyo (critique, article sur un film) Auteur : MAGNY Joël Mort de Mario Ricci (La) (critique, article sur un film) Auteur : AMIEL Mireille Palombière (La) (critique, article sur un film) Auteur : HAUSTRATE Gaston Dialogo di Roma (Il) (critique, article sur un film) Auteur : TARQUI Anne Sarah (critique, article sur un film) Auteur : RABOURDIN Dominique Bancals (critique, article sur un film) Auteur : RABOURDIN Dominique Zig zag story (critique, article sur un film) Auteur : RABOURDIN Dominique Vie est un roman (La) (critique, article sur un film) Auteur : CLUNY Claude-Michel Nuit de l'iguane (La) (critique, article sur un film) Auteur : TARQUI Anne Belle de Saïgon (La) (critique, article sur un film) Auteur : BLANCHET Christian Derrière la porte (critique, article sur un film) Auteur : BORKER Pierre Derniers monstres (Les) (critique, article sur un film) Auteur : BLANCHET Christian Aventuriers du bout du monde (Les) (critique, article sur un film) Auteur : BORKER Pierre Xueiv (critique, article sur un film) Auteur : AMIEL Mireille Surprise party (critique, article sur un film) Auteur : BLANCHET Christian Prostitute (critique, article sur un film) Auteur : RENARD Marie Piège mortel (critique, article sur un film) Auteur : RABOURDIN Dominique Dernière cène (La) (critique, article sur un film) Auteur : TARQUI Anne Barrière blanche (La) (critique, article sur un film) Auteur : AMIEL Mireille Othello (critique, article sur un film) Auteur : NAVAILH Françoise Hamlet (critique, article sur un film) Auteur : NAVAILH Françoise Roi Lear (Le) (critique, article sur un film) Auteur : NAVAILH Françoise Jeune marié (Le) (critique, article sur un film) Auteur : BLANCHET Christian Été meurtrier (L') (critique, article sur un film) Auteur : MAGNY Joël Creepshow (critique, article sur un film) Auteur : CARON Évelyne Ténèbres (critique, article sur un film) Auteur : CARON Évelyne Édith et Marcel (critique, article sur un film) Auteur : GÉVAUDAN Frantz Carbone 14, le film (critique, article sur un film) Auteur : CARBONNIER Alain Circulez, y'a rien à voir (critique, article sur un film) Auteur : RENARD Colette-Marie Dar l'invincible (critique, article sur un film) Auteur : DUMONT Pascal Gaijin, les chemins de la liberté (critique, article sur un film) Auteur : GUERRINI Pierre BEAUSOLEIL Claude (nécrologie) Auteur : JOMY Alain Son Voix au cinéma (La) (Michel Chion) (livre) Auteur : MAGNY Joël Tout va bien (autre) Auteur : MAGNY Joël Une chante, l'autre pas (L') (autre) Auteur : NACACHE Jacqueline Comment ça va (autre) Auteur : MAGNY Joël Second souffle (Un) (autre) Auteur : HAUSTRATE Gaston Temps de la colère (Le) (autre) Auteur : DUMONT Pascal BERNARD Raymond Raymond Bernard, un directeur à l'américaine (article d'ensemble) Auteur : SELLIER Geneviève Genre : Revue Pays : France Niveau : Etudes secondaires inférieur et supérieur, études supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
400906	294	Périodique	Médiathèque CAV Liège	Rayon revues	Disponible

36 - Avril 1964 - L'avant-scène cinéma 36 - Le journal d'une femme de chambre (Bulletin de L'avant-scène : Cinéma) / Jeanne Moreau

Public ISBD [n° ou bulletin]  est un bulletin de L'avant-scène : Cinéma / Jacques G. Perret Titre : 36 - Avril 1964 - L'avant-scène cinéma 36 - Le journal d'une femme de chambre Type de document : texte imprimé Auteurs : Jeanne Moreau (1928-....), Auteur Année de publication : 1964 Importance : 1 vol. (64 p.) Présentation : ill. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Le Journal d'une femme de chambre  Luis Buñuel  Jean-Claude Carrière  Octave Mirbeau  Juan Luis Buñuel  Pierre Lary  Roger Fellous  Adolphe Charlet  René Schneider  Agathe Beaumont  Antoine Petitjean  Robert Cambourakis  Louisette Hautecoeur  Arlette Lalande  Georges Wakhevitch  René Calviera  Charles Mérangel  Georges Wakhevitch  Jacqueline Moreau  Maguy Vernadet  Simone Knapp  Suzanne Durrenberger  Jean-Louis Castelli  André Ratbi  Jean Van Praag  Robert Demolière  cinéma français  Jeanne Moreau  Georges Géret  Michel Piccoli  Françoise Lugagne  Jean Ozenne  Daniel Ivernel Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Dans les années 1930, Célestine, une femme de chambre de 32 ans, arrive de Paris pour entrer au service d'une famille de notables résidents au Prieuré, leur vaste domaine provincial. La maîtresse de maison, hautaine et dédaigneuse avec sa domesticité, est une puritaine frigide, maniaque du rangement et obsédée par la propreté. Célestine doit affronter les avances du mari sexuellement frustré, et elle gère avec toute la sérénité possible le fétichisme étrange du patriarche, un ancien cordonnier qui lui demande fréquemment de porter des bottines qu'il tient jalousement enfermées dans un placard. Malgré sa répugnance, Célestine est contrainte de côtoyer Joseph, le palefrenier de ses patrons, un rustre aux tendances sadiques, raciste et activiste d'extrême droite qui a des vues sur elle, l'associant à son projet de s'établir bistrotier. Une petite fille pour laquelle Célestine s'est prise d'affection est violée et assassinée. Célestine est persuadée de la culpabilité de Joseph et feint d'accepter de devenir sa femme pour obtenir ses aveux. Devant son mutisme, elle fabrique de faux indices pour le confondre, tout cela en pure perte, car il est finalement innocenté et s'en ira ouvrir son bistro avec une autre femme. Parallèlement, Célestine a entrepris de se faire épouser par un voisin de ses patrons, l'ex-capitaine Mauger, un retraité aisé, autoritaire et tonitruant qu'elle domine cependant en exerçant subtilement son pouvoir de séduction. Elle l'asservira une fois devenue sa femme. Note de contenu : Satire féroce d'une bourgeoisie provinciale dont l'hypocrisie de façade est démantelée (et exploitée) par une femme de chambre intelligente et subversive. Du choix d'un noir et blanc austère et de l'absence de musique résulte un portrait froid et quasiment clinique, mais néanmoins jouissif, des mœurs d'une bourgeoisie des années 1930. Du grand Buñuel, et une interprétation de Jeanne Moreau justement récompensée par le prix de la meilleure actrice au Festival international du film de Karlovy Vary.1. Article de Marcel Martin : "Cela s'appelle le crépuscule" 2. Texte intégral du "Journal d'une femme de chambre" de Luis Buñuel 3. Article de Marcel Martin : "L'oeuvre de Luis Buñuel" 4. Article de Marcel Oms : "Une seule certitude, la mort" 5. Texte intégral de "Las hurdes" (= "Terre sans pain") de Luis Buñuel 6. Becket, Peter Glenville (supplément photos) Genre : Revue Pays : France Niveau : Etudes secondaires inférieur et supérieur, études supérieur [n° ou bulletin]  est un bulletin de L'avant-scène : Cinéma / Jacques G. Perret 36 - Avril 1964 - L'avant-scène cinéma 36 - Le journal d'une femme de chambre [texte imprimé] / Jeanne Moreau (1928-....), Auteur . - 1964 . - 1 vol. (64 p.) : ill. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Le Journal d'une femme de chambre  Luis Buñuel  Jean-Claude Carrière  Octave Mirbeau  Juan Luis Buñuel  Pierre Lary  Roger Fellous  Adolphe Charlet  René Schneider  Agathe Beaumont  Antoine Petitjean  Robert Cambourakis  Louisette Hautecoeur  Arlette Lalande  Georges Wakhevitch  René Calviera  Charles Mérangel  Georges Wakhevitch  Jacqueline Moreau  Maguy Vernadet  Simone Knapp  Suzanne Durrenberger  Jean-Louis Castelli  André Ratbi  Jean Van Praag  Robert Demolière  cinéma français  Jeanne Moreau  Georges Géret  Michel Piccoli  Françoise Lugagne  Jean Ozenne  Daniel Ivernel Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Dans les années 1930, Célestine, une femme de chambre de 32 ans, arrive de Paris pour entrer au service d'une famille de notables résidents au Prieuré, leur vaste domaine provincial. La maîtresse de maison, hautaine et dédaigneuse avec sa domesticité, est une puritaine frigide, maniaque du rangement et obsédée par la propreté. Célestine doit affronter les avances du mari sexuellement frustré, et elle gère avec toute la sérénité possible le fétichisme étrange du patriarche, un ancien cordonnier qui lui demande fréquemment de porter des bottines qu'il tient jalousement enfermées dans un placard. Malgré sa répugnance, Célestine est contrainte de côtoyer Joseph, le palefrenier de ses patrons, un rustre aux tendances sadiques, raciste et activiste d'extrême droite qui a des vues sur elle, l'associant à son projet de s'établir bistrotier. Une petite fille pour laquelle Célestine s'est prise d'affection est violée et assassinée. Célestine est persuadée de la culpabilité de Joseph et feint d'accepter de devenir sa femme pour obtenir ses aveux. Devant son mutisme, elle fabrique de faux indices pour le confondre, tout cela en pure perte, car il est finalement innocenté et s'en ira ouvrir son bistro avec une autre femme. Parallèlement, Célestine a entrepris de se faire épouser par un voisin de ses patrons, l'ex-capitaine Mauger, un retraité aisé, autoritaire et tonitruant qu'elle domine cependant en exerçant subtilement son pouvoir de séduction. Elle l'asservira une fois devenue sa femme. Note de contenu : Satire féroce d'une bourgeoisie provinciale dont l'hypocrisie de façade est démantelée (et exploitée) par une femme de chambre intelligente et subversive. Du choix d'un noir et blanc austère et de l'absence de musique résulte un portrait froid et quasiment clinique, mais néanmoins jouissif, des mœurs d'une bourgeoisie des années 1930. Du grand Buñuel, et une interprétation de Jeanne Moreau justement récompensée par le prix de la meilleure actrice au Festival international du film de Karlovy Vary.1. Article de Marcel Martin : "Cela s'appelle le crépuscule" 2. Texte intégral du "Journal d'une femme de chambre" de Luis Buñuel 3. Article de Marcel Martin : "L'oeuvre de Luis Buñuel" 4. Article de Marcel Oms : "Une seule certitude, la mort" 5. Texte intégral de "Las hurdes" (= "Terre sans pain") de Luis Buñuel 6. Becket, Peter Glenville (supplément photos) Genre : Revue Pays : France Niveau : Etudes secondaires inférieur et supérieur, études supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
301687	19 H.1.01420	Périodique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

426 - Décembre 1989 - Robert Kramer: Route one. Cinéma français: l'énergie des minorité. Chabrol à Berlin: sur les traces de Mabuse. (Bulletin de Cahiers du Cinéma) / Collectif 

Public ISBD [n° ou bulletin]  est un bulletin de Cahiers du Cinéma / Collectif  Titre : 426 - Décembre 1989 - Robert Kramer: Route one. Cinéma français: l'énergie des minorité. Chabrol à Berlin: sur les traces de Mabuse. Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Année de publication : 2011 Importance : 90 p. Note générale : Le sommaire est disponible sur http://www.archives-cahiersducinema.com/ Langues : Français (fre) Langues originales : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Education aux médias:Revues Education aux médias:Revues:Cahiers du Cinéma Mots-clés : Robert Kramer  cinéma français  Claude Chabrol Pays : France Niveau : secondaire supérieur, enseignement supérieur et universitaire En ligne : http://www.cahiersducinema.com/ [n° ou bulletin]  est un bulletin de Cahiers du Cinéma / Collectif  426 - Décembre 1989 - Robert Kramer: Route one. Cinéma français: l'énergie des minorité. Chabrol à Berlin: sur les traces de Mabuse. [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - 2011 . - 90 p. Le sommaire est disponible sur http://www.archives-cahiersducinema.com/ Langues : Français (fre) Langues originales : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Education aux médias:Revues Education aux médias:Revues:Cahiers du Cinéma Mots-clés : Robert Kramer  cinéma français  Claude Chabrol Pays : France Niveau : secondaire supérieur, enseignement supérieur et universitaire En ligne : http://www.cahiersducinema.com/

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
400480	70 Archives n°3	Périodique	Médiathèque CAV Liège	Rayon revues	Disponible

556 - Avril 2001 - 50 ans - Numéro anniversaire (Bulletin de Cahiers du Cinéma)

Public ISBD [n° ou bulletin]  est un bulletin de Cahiers du Cinéma / Collectif  Titre : 556 - Avril 2001 - 50 ans - Numéro anniversaire Type de document : texte imprimé Année de publication : 2013 Langues : Français (fre) Mots-clés : cinéma brésilien  François Ozon  Derrida  L'utopie télévisée de Roberto Rossellini [n° ou bulletin]  est un bulletin de Cahiers du Cinéma / Collectif  556 - Avril 2001 - 50 ans - Numéro anniversaire [texte imprimé] . - 2013. Langues : Français (fre) Mots-clés : cinéma brésilien  François Ozon  Derrida  L'utopie télévisée de Roberto Rossellini

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
400695	70 Archives revues	Périodique	Médiathèque CAV Liège	Rayon revues	Disponible

637 - Mars 2014 - Dossier Berlin au cinéma (Bulletin de Positif) 

Public ISBD [n° ou bulletin]  est un bulletin de Positif / Collectif  Titre : 637 - Mars 2014 - Dossier Berlin au cinéma Type de document : texte imprimé Année de publication : 2014 Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Revues:Positif Mots-clés : Her de Spike Jonze (dont entretien avec le réalisateur)  Niels Arestrup  Frederick Wiseman (cours magistral et entretien avec le réalisateur) Index. décimale : 75 Positif Note de contenu : Berlin et le cinéma 90 Walter Ruttmann : Berlin, symphonie d’une grande ville, Philippe-Alain Michaud 92 Allemagne année zéro : Des ruines ou un tas de pierres, Vincent Amiel 94 Rendez-vous avec l’histoire : “Ich bin ein Berliner”, Michael Henry 98 Ça commence à Vienne… Berlin d’après guerre chez les cinéastes britanniques, Christian Viviani 100 R.W. Fassbinder : Berlin Alexanderplatz, géographie de la douleur, Yannick Lemarié 104 Berlin 1986, le ciel et le monde, Michel Chion 106 Retombées fictionnelles de la chute du Mur, Pierre Eisenreich 109 Entretien avec Volker Schlöndorff : Vouloir continuer à accueillir de grands films, Michel Ciment et Pierre Eisenreich [n° ou bulletin]  est un bulletin de Positif / Collectif  637 - Mars 2014 - Dossier Berlin au cinéma [texte imprimé] . - 2014. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Revues:Positif Mots-clés : Her de Spike Jonze (dont entretien avec le réalisateur)  Niels Arestrup  Frederick Wiseman (cours magistral et entretien avec le réalisateur) Index. décimale : 75 Positif Note de contenu : Berlin et le cinéma 90 Walter Ruttmann : Berlin, symphonie d’une grande ville, Philippe-Alain Michaud 92 Allemagne année zéro : Des ruines ou un tas de pierres, Vincent Amiel 94 Rendez-vous avec l’histoire : “Ich bin ein Berliner”, Michael Henry 98 Ça commence à Vienne… Berlin d’après guerre chez les cinéastes britanniques, Christian Viviani 100 R.W. Fassbinder : Berlin Alexanderplatz, géographie de la douleur, Yannick Lemarié 104 Berlin 1986, le ciel et le monde, Michel Chion 106 Retombées fictionnelles de la chute du Mur, Pierre Eisenreich 109 Entretien avec Volker Schlöndorff : Vouloir continuer à accueillir de grands films, Michel Ciment et Pierre Eisenreich

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
400772	Rayon revues	Périodique	Médiathèque CAV Liège	Rayon revues	Disponible

Documents numériques

400772.jpeg Image Jpeg

L'Amérique de John Ford / Luc Vancheri

Public ISBD Accompagne La prisonnière du désert La prisonnière du désert Titre : L'Amérique de John Ford : Autour de "La prisonnière du désert" Type de document : texte imprimé Auteurs : Luc Vancheri, Auteur ; John Ford (1894-1973), Personne honorée Editeur : Editions du Céfal Année de publication : 2007 ISBN/ISSN/EAN : 978-2-87130-236-0 Note générale : La Prisonnière du désert (The Searchers) est un film américain de John Ford, sorti en 1956. Il est généralement considéré comme son chef d'oeuvre et l'American Film Institute l'a désigné en 2008 comme le plus grand western de tous les temps. Texas, 1868. Des Comanches attaquent le ranch d'Aaron Edwards, qui est tué ainsi que sa femme et son plus jeune fils. Ethan, le frère d'Aaron, apprenant le drame, part à la recherche de Lucy et Debbie, ses deux nièces disparues au cours de l'attaque. Bientôt, il n'est plus accompagné dans sa quête que de Martin Pawley (fils adoptif d'Aaron Edwards et donc neveu d'Ethan) et de Brad Jorgensen, le fiancé de Lucy. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Mots-clés : The Searchers  La prisonnière du désert  John Ford  Frank S. Nugent  Alan Le May  Warner Bros Pictures  Alan Le May  Max Steiner  Victor Gangelin  Frank Beetson  Winton C. Hoch  Alfred Gilks  Merian C. Cooper  Patrick Ford  C. W. Whitney  John Wayne  Jeffrey Hunter  Vera Miles  Ward Bond  Natalie Wood  John Qualen  Olive Carey  Olive Golden  Harry Carey Jr.  Henry Brandon  Ken Curtis  Antonio Moreno  Hank Worden  Lana Wood  Patrick Wayne  Dorothy Jordan  Walter Coy  Pippa Scott  Robert Lyden  Peter Mamakos  Western  Cinéma américain Index. décimale : 18 Monographies : réalisateurs Résumé : Il y a trois ans que la guerre de Sécession a pris fin. Ethan Edwards, ancien soldat confédéré ne rentre que maintenant au pays, c'est-à-dire au ranch de son frère Aaron. Celui-ci y vit avec sa femme et leurs quatre enfants : deux filles : Lucy et Debbie et deux fils dont un adoptif : Martin Pawley un gaillard de 18-20 ans (avec un huitième de sang Cherokee dans les veines). Au souper, les propos d'Ethan trahissent son animosité vis à vis des indiens. Le lendemain, les voisins, menés par le révérend et capitaine Samuel Clayton, viennent chercher du renfort pour rechercher du bétail volé par les Comanches. Ethan et Martin se joignent à la petite troupe menée par Clayton. Mais ce vol de bétail n'est qu'une manoeuvre de diversion des Comanches pour éloigner les hommes de leurs fermes. Pendant qu'ils le sont, le ranch Edwards est attaqué, les parents et leur jeune fils tués, et les deux filles enlevées. Ethan Edwards part à la recherche de ses nièces ; Martin Pawley, leur frère d'adoption, et Brad Jorgensen, le fiancé de Lucy, l'accompagnent. Ils retrouvent assez rapidement le cadavre de Lucy. Fou de douleur, Brad attaque seul le campement des rebelles comanches et meurt. Pour récupérer la jeune Debbie (12 ans au moment de son enlèvement), Ethan et Martin Pawley se lancent dans une longue quête à travers l'Ouest, qui durera plusieurs années et durant laquelle ils ne reviendront qu'une fois à la ferme Jorgensen. Au cours de ce bref séjour, l'amour qui existait depuis toujours entre Laurie, la fille Jorgensen, et Martin Pawley se renforce. Mais Ethan et Martin sont très vite obligés de repartir, toujours en quête de Debbie, leur nièce et soeur respective. Après quelques péripéties, les deux pisteurs (Searchers) parviennent enfin jusque Debbie qu'ils reconnaissent dans la tente même du chef Comanche "le Balafré" (Scar dans la VO) : elle est devenue une de ses squaws. Il est impossible de la libérer sur le champ. Ethan et Martin repartent et campent non loin de là. Debbie les rejoint en catimini et dit à Martin de partir car elle est devenue une indienne. Ethan arrive sur ces entrefaites et lève son pistolet pour tuer l'indienne qu'elle semble être devenue, mais Martin s'interpose. Le "Balafré" intervient aussi et blesse Ethan au bras, puis ses hommes mettent Ethan et Martin en fuite, sans parvenir à les tuer. Fin du premier contact direct entre Debbie devenue jeune femme et ses oncle et frère. Revenant chez les Jorgensen, Ethan et Martin arrivent en pleine célébration du mariage de Laurie - qui avait fini par renoncer à Martin, n'ayant reçu de lui en cinq ans qu'une seule lettre écrite en termes réservés - avec le brave Charlie McCorry, mariage sur le point d'être scellé par le révérend Clayton. Martin et Charlie mettent les choses au point entre eux en se battant dans la cour et finalement, la cérémonie de mariage est annulée. Edwards, Martin et Clayton repartent peu après attaquer le campement indien du chef Comanche "le Balafré" repéré non loin de là par un régiment de cavalerie. Martin va sauver Debbie juste avant l'attaque et tue "le Balafré". Finalement, chez Ethan l'instinct familial est plus fort que son animosité pour les indiens : il ne voit plus en Debbie la Comanche qu'elle a été contrainte de devenir mais sa nièce, la prend dans ses bras et la ramène chez les Jorgensen (où Laurie retrouve enfin Martin et cette fois pour de bon), puis repart seul vers le désert et son destin. Note de contenu : * Le film a été tourné en août 1955 en extérieur à Monument Valley, Edmonton, Gunnison et Aspen (Colorado) et dans l'Utah. * Les plans qui ouvrent et ferment le film (la caméra se trouve à l'intérieur de la maison et par un subtil plan séquence Ford sort de celle-ci et embrasse avec sa caméra Ethan Edwards et l'impressionnant paysage de Monument Valley), sont considérés parmi les meilleurs du cinéma de Ford. * Ford aborde de nouveau le problème des guerres indiennes et des prisonnières dans Les Deux Cavaliers (Two rode together) en 1961. * Le film rompt avec les westerns manichéens : le personnage d'Ethan s'acharne sur des causes perdues, il n'hésite pas non plus à abattre des bisons pour accélérer le déclin du peuple indien. Celui-ci est abordé avec beaucoup de dignité. Dans le John Ford de Peter Bogdanovich, Ford déclare : « C'est un peuple très digne — même lorsqu'il a été battu. Naturellement, ce n'est pas très populaire aux États-Unis. Le public aime voir les Indiens être tués. Il ne les considère pas comme des êtres humains, possédant une culture profonde, différente de la nôtre. Si vous regardez les choses en détail, vous découvrez pourtant que leur religion ressemble en beaucoup de points à la nôtre. » * Ford a demandé à Wayne de s'inspirer de l'acteur Harry Carey qui était un ami de Ford. * John Wayne a appelé l'un de ses fils Ethan en souvenir du film. * L'histoire s'inspire d'un fait réel : une petite fille est kidnappée en 1836 au Texas. Plus tard elle deviendra la femme d'un chef Comanche, elle sera retrouvée plusieurs années plus tard, et ramenée de force dans la communauté blanche malgré ses protestations. Cet événement a inspiré le livre d'Alan Le May, duquel s'inspire John Ford. * Le groupe britannique The Searchers doit son nom au film. * C'est le prototype de l'homme du Far West qui ne vit que pour l'aventure (il a fait la guerre de sécession, c'est lui qui a trouvé Martin Pawley après le massacre de ses parents), les chevaux, les Indiens (il reconnaît leurs lances). Il est aguerri et sait conserver son sang-froid dans l'action : pour conserver son efficacité il ménage son cheval et refuse de se précipiter au secours de sa famille comme Martin Pawley qui, lui, finira l'équipée à pied et en portant sa selle. * Toutes les scènes le présentent comme un marginal. Il a perdu sa guerre aux côtés des confédérés, sa « famille » est en fait celle de son frère, il refuse de prêter serment aux rangers. Qu'a-t-il fait durant les trois années qui séparent le début du film de la fin de la guerre de sécession ? Son neveu lui pose la question mais il n'y répond pas. Quelques instants plus tard, il sort des pièces d'or qui n'ont jamais servi (elles ne présentent pas la moindre usure) : de l'aveu même de Ford cela signifie qu'il a été un soldat perdu, qu'il a participé aux aventures mexicaines des rebelles sudistes. Autrement dit, c'est un hors-la-loi. Il n'hésite pas à tuer les bandits qui veulent l'assassiner et il le fait de façon impitoyable puisqu'il en tue trois alors même qu'ils sont en fuite, si bien qu'il finit par être recherché par les rangers afin qu'il s'explique sur les circonstances de leur mort. * Tout au long du film, il s'oppose aux hommes qui l'entourent, il n'est jamais d'accord avec la stratégie à adopter, il exige de donner les ordres, il refuse toute familiarité avec Pawley. Il déshérite sa nièce au profit de Martin Pawley, parce qu'aux liens du sang, il privilégie le mérite (Martin vient de lui sauver la vie ou quasiment). C'est un homme qui ne renonce jamais et ne pardonne pas à ses ennemis. * Ethan est animé d'un esprit de vengeance à l'égard des Indiens, en tout cas des Comanches (qu'il connaît bien puisqu'il parle leur langue). S'il tue les bisons, c'est qu'ils représentent un moyen de subsistance pour ces Comanches. S'il tire sur le cadavre d'un Comanche pour lui crever les yeux, c'est qu'il sait que ce guerrier sera ainsi, selon les croyances de son peuple, incapable de retrouver le chemin du paradis de ses ancêtres. Plus loin dans le film, quand Ethan réalise que sa nièce prisonnière est devenue une squaw du "Balafré", son affection pour elle disparaît, en tout cas momentanément : il est tout près de la tuer comme si elle n'était plus qu'un objet souillé et de honte pour lui. Enfin, pour vaincre les Comanches, il ne craint pas d'adopter leurs pratiques guerrières les plus sauvages : il finit par scalper le cadavre du "Balafré" (qui était lui-même fier d'avoir scalpé de nombreux blancs des deux sexes). * Mais le film se conclut par toute une séquence de rédemption : en prenant la jeune femme dans ses bras et en la transportant jusqu'à la ferme des Jorgensen, il la reconnaît comme sa nièce, lui sauve la vie et la rend à la civilisation des pionniers blancs américains. * On peut néanmoins noter qu'à la toute fin du film, il n'entre pas, lui, dans la maison des Jorgensen (parallélisme avec la première scène où il entrait chez son frère Aaron Edwards). Il ne se reconnaît plus vraiment de famille. Il repart, tel un justicier solitaire, vers le désert, sa patrie. Comme souvent chez Ford ils sont nombreux. Ils permettent d'humaniser le film, de présenter la vie des pionniers, d'introduire une touche d'humour en contrepoint de la quête d'Ethan et Martin. Le pasteur est aussi le chef des rangers : il résume toute la vision sociale de Ford : une loi sévère mais conforme à la morale biblique (Ford est d'origine irlandaise). Cette morale est aussi celle des fiancés qui s'aiment platoniquement et se restent fidèles malgré cinq ans de séparation - réminiscence certaine de l'Odyssée et de Pénélope. La maladresse de la lettre de Pawley témoigne de son innocence des choses de l'amour. Les pionniers sont pauvres mais ils se soutiennent face à l'adversité : ils ont leur propre milice de rangers ; ils font une grande fête pour le mariage ; leur solidarité et sens de l'hospitalité n'ont pas de limites : Martin Pawley a été adopté tout gamin par Aaron Edwards (après que ses parents aient été tués par les Comanches) ; il se met pendant cinq ans aux ordres de son oncle adoptif Ethan (sans être rebuté par la dureté première de celui-ci à son égard) pour retrouver Debbie sa soeur adoptive ; celle-ci est accueillie à bras ouverts par les Jorgensen malgré sa longue captivité chez les Comanches et son "indiennisation" de fait ; le vieil aventurier Moïse finit par avoir son rocking-chair près de l'âtre chez les Jorgensen, etc ... Accompagne La prisonnière du désert La prisonnière du désert L'Amérique de John Ford : Autour de "La prisonnière du désert" [texte imprimé] / Luc Vancheri, Auteur ; John Ford (1894-1973), Personne honorée . - [S.l.] : Editions du Céfal, 2007. ISBN : 978-2-87130-236-0 La Prisonnière du désert (The Searchers) est un film américain de John Ford, sorti en 1956. Il est généralement considéré comme son chef d'oeuvre et l'American Film Institute l'a désigné en 2008 comme le plus grand western de tous les temps. Texas, 1868. Des Comanches attaquent le ranch d'Aaron Edwards, qui est tué ainsi que sa femme et son plus jeune fils. Ethan, le frère d'Aaron, apprenant le drame, part à la recherche de Lucy et Debbie, ses deux nièces disparues au cours de l'attaque. Bientôt, il n'est plus accompagné dans sa quête que de Martin Pawley (fils adoptif d'Aaron Edwards et donc neveu d'Ethan) et de Brad Jorgensen, le fiancé de Lucy. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Mots-clés : The Searchers  La prisonnière du désert  John Ford  Frank S. Nugent  Alan Le May  Warner Bros Pictures  Alan Le May  Max Steiner  Victor Gangelin  Frank Beetson  Winton C. Hoch  Alfred Gilks  Merian C. Cooper  Patrick Ford  C. W. Whitney  John Wayne  Jeffrey Hunter  Vera Miles  Ward Bond  Natalie Wood  John Qualen  Olive Carey  Olive Golden  Harry Carey Jr.  Henry Brandon  Ken Curtis  Antonio Moreno  Hank Worden  Lana Wood  Patrick Wayne  Dorothy Jordan  Walter Coy  Pippa Scott  Robert Lyden  Peter Mamakos  Western  Cinéma américain Index. décimale : 18 Monographies : réalisateurs Résumé : Il y a trois ans que la guerre de Sécession a pris fin. Ethan Edwards, ancien soldat confédéré ne rentre que maintenant au pays, c'est-à-dire au ranch de son frère Aaron. Celui-ci y vit avec sa femme et leurs quatre enfants : deux filles : Lucy et Debbie et deux fils dont un adoptif : Martin Pawley un gaillard de 18-20 ans (avec un huitième de sang Cherokee dans les veines). Au souper, les propos d'Ethan trahissent son animosité vis à vis des indiens. Le lendemain, les voisins, menés par le révérend et capitaine Samuel Clayton, viennent chercher du renfort pour rechercher du bétail volé par les Comanches. Ethan et Martin se joignent à la petite troupe menée par Clayton. Mais ce vol de bétail n'est qu'une manoeuvre de diversion des Comanches pour éloigner les hommes de leurs fermes. Pendant qu'ils le sont, le ranch Edwards est attaqué, les parents et leur jeune fils tués, et les deux filles enlevées. Ethan Edwards part à la recherche de ses nièces ; Martin Pawley, leur frère d'adoption, et Brad Jorgensen, le fiancé de Lucy, l'accompagnent. Ils retrouvent assez rapidement le cadavre de Lucy. Fou de douleur, Brad attaque seul le campement des rebelles comanches et meurt. Pour récupérer la jeune Debbie (12 ans au moment de son enlèvement), Ethan et Martin Pawley se lancent dans une longue quête à travers l'Ouest, qui durera plusieurs années et durant laquelle ils ne reviendront qu'une fois à la ferme Jorgensen. Au cours de ce bref séjour, l'amour qui existait depuis toujours entre Laurie, la fille Jorgensen, et Martin Pawley se renforce. Mais Ethan et Martin sont très vite obligés de repartir, toujours en quête de Debbie, leur nièce et soeur respective. Après quelques péripéties, les deux pisteurs (Searchers) parviennent enfin jusque Debbie qu'ils reconnaissent dans la tente même du chef Comanche "le Balafré" (Scar dans la VO) : elle est devenue une de ses squaws. Il est impossible de la libérer sur le champ. Ethan et Martin repartent et campent non loin de là. Debbie les rejoint en catimini et dit à Martin de partir car elle est devenue une indienne. Ethan arrive sur ces entrefaites et lève son pistolet pour tuer l'indienne qu'elle semble être devenue, mais Martin s'interpose. Le "Balafré" intervient aussi et blesse Ethan au bras, puis ses hommes mettent Ethan et Martin en fuite, sans parvenir à les tuer. Fin du premier contact direct entre Debbie devenue jeune femme et ses oncle et frère. Revenant chez les Jorgensen, Ethan et Martin arrivent en pleine célébration du mariage de Laurie - qui avait fini par renoncer à Martin, n'ayant reçu de lui en cinq ans qu'une seule lettre écrite en termes réservés - avec le brave Charlie McCorry, mariage sur le point d'être scellé par le révérend Clayton. Martin et Charlie mettent les choses au point entre eux en se battant dans la cour et finalement, la cérémonie de mariage est annulée. Edwards, Martin et Clayton repartent peu après attaquer le campement indien du chef Comanche "le Balafré" repéré non loin de là par un régiment de cavalerie. Martin va sauver Debbie juste avant l'attaque et tue "le Balafré". Finalement, chez Ethan l'instinct familial est plus fort que son animosité pour les indiens : il ne voit plus en Debbie la Comanche qu'elle a été contrainte de devenir mais sa nièce, la prend dans ses bras et la ramène chez les Jorgensen (où Laurie retrouve enfin Martin et cette fois pour de bon), puis repart seul vers le désert et son destin. Note de contenu : * Le film a été tourné en août 1955 en extérieur à Monument Valley, Edmonton, Gunnison et Aspen (Colorado) et dans l'Utah. * Les plans qui ouvrent et ferment le film (la caméra se trouve à l'intérieur de la maison et par un subtil plan séquence Ford sort de celle-ci et embrasse avec sa caméra Ethan Edwards et l'impressionnant paysage de Monument Valley), sont considérés parmi les meilleurs du cinéma de Ford. * Ford aborde de nouveau le problème des guerres indiennes et des prisonnières dans Les Deux Cavaliers (Two rode together) en 1961. * Le film rompt avec les westerns manichéens : le personnage d'Ethan s'acharne sur des causes perdues, il n'hésite pas non plus à abattre des bisons pour accélérer le déclin du peuple indien. Celui-ci est abordé avec beaucoup de dignité. Dans le John Ford de Peter Bogdanovich, Ford déclare : « C'est un peuple très digne — même lorsqu'il a été battu. Naturellement, ce n'est pas très populaire aux États-Unis. Le public aime voir les Indiens être tués. Il ne les considère pas comme des êtres humains, possédant une culture profonde, différente de la nôtre. Si vous regardez les choses en détail, vous découvrez pourtant que leur religion ressemble en beaucoup de points à la nôtre. » * Ford a demandé à Wayne de s'inspirer de l'acteur Harry Carey qui était un ami de Ford. * John Wayne a appelé l'un de ses fils Ethan en souvenir du film. * L'histoire s'inspire d'un fait réel : une petite fille est kidnappée en 1836 au Texas. Plus tard elle deviendra la femme d'un chef Comanche, elle sera retrouvée plusieurs années plus tard, et ramenée de force dans la communauté blanche malgré ses protestations. Cet événement a inspiré le livre d'Alan Le May, duquel s'inspire John Ford. * Le groupe britannique The Searchers doit son nom au film. * C'est le prototype de l'homme du Far West qui ne vit que pour l'aventure (il a fait la guerre de sécession, c'est lui qui a trouvé Martin Pawley après le massacre de ses parents), les chevaux, les Indiens (il reconnaît leurs lances). Il est aguerri et sait conserver son sang-froid dans l'action : pour conserver son efficacité il ménage son cheval et refuse de se précipiter au secours de sa famille comme Martin Pawley qui, lui, finira l'équipée à pied et en portant sa selle. * Toutes les scènes le présentent comme un marginal. Il a perdu sa guerre aux côtés des confédérés, sa « famille » est en fait celle de son frère, il refuse de prêter serment aux rangers. Qu'a-t-il fait durant les trois années qui séparent le début du film de la fin de la guerre de sécession ? Son neveu lui pose la question mais il n'y répond pas. Quelques instants plus tard, il sort des pièces d'or qui n'ont jamais servi (elles ne présentent pas la moindre usure) : de l'aveu même de Ford cela signifie qu'il a été un soldat perdu, qu'il a participé aux aventures mexicaines des rebelles sudistes. Autrement dit, c'est un hors-la-loi. Il n'hésite pas à tuer les bandits qui veulent l'assassiner et il le fait de façon impitoyable puisqu'il en tue trois alors même qu'ils sont en fuite, si bien qu'il finit par être recherché par les rangers afin qu'il s'explique sur les circonstances de leur mort. * Tout au long du film, il s'oppose aux hommes qui l'entourent, il n'est jamais d'accord avec la stratégie à adopter, il exige de donner les ordres, il refuse toute familiarité avec Pawley. Il déshérite sa nièce au profit de Martin Pawley, parce qu'aux liens du sang, il privilégie le mérite (Martin vient de lui sauver la vie ou quasiment). C'est un homme qui ne renonce jamais et ne pardonne pas à ses ennemis. * Ethan est animé d'un esprit de vengeance à l'égard des Indiens, en tout cas des Comanches (qu'il connaît bien puisqu'il parle leur langue). S'il tue les bisons, c'est qu'ils représentent un moyen de subsistance pour ces Comanches. S'il tire sur le cadavre d'un Comanche pour lui crever les yeux, c'est qu'il sait que ce guerrier sera ainsi, selon les croyances de son peuple, incapable de retrouver le chemin du paradis de ses ancêtres. Plus loin dans le film, quand Ethan réalise que sa nièce prisonnière est devenue une squaw du "Balafré", son affection pour elle disparaît, en tout cas momentanément : il est tout près de la tuer comme si elle n'était plus qu'un objet souillé et de honte pour lui. Enfin, pour vaincre les Comanches, il ne craint pas d'adopter leurs pratiques guerrières les plus sauvages : il finit par scalper le cadavre du "Balafré" (qui était lui-même fier d'avoir scalpé de nombreux blancs des deux sexes). * Mais le film se conclut par toute une séquence de rédemption : en prenant la jeune femme dans ses bras et en la transportant jusqu'à la ferme des Jorgensen, il la reconnaît comme sa nièce, lui sauve la vie et la rend à la civilisation des pionniers blancs américains. * On peut néanmoins noter qu'à la toute fin du film, il n'entre pas, lui, dans la maison des Jorgensen (parallélisme avec la première scène où il entrait chez son frère Aaron Edwards). Il ne se reconnaît plus vraiment de famille. Il repart, tel un justicier solitaire, vers le désert, sa patrie. Comme souvent chez Ford ils sont nombreux. Ils permettent d'humaniser le film, de présenter la vie des pionniers, d'introduire une touche d'humour en contrepoint de la quête d'Ethan et Martin. Le pasteur est aussi le chef des rangers : il résume toute la vision sociale de Ford : une loi sévère mais conforme à la morale biblique (Ford est d'origine irlandaise). Cette morale est aussi celle des fiancés qui s'aiment platoniquement et se restent fidèles malgré cinq ans de séparation - réminiscence certaine de l'Odyssée et de Pénélope. La maladresse de la lettre de Pawley témoigne de son innocence des choses de l'amour. Les pionniers sont pauvres mais ils se soutiennent face à l'adversité : ils ont leur propre milice de rangers ; ils font une grande fête pour le mariage ; leur solidarité et sens de l'hospitalité n'ont pas de limites : Martin Pawley a été adopté tout gamin par Aaron Edwards (après que ses parents aient été tués par les Comanches) ; il se met pendant cinq ans aux ordres de son oncle adoptif Ethan (sans être rebuté par la dureté première de celui-ci à son égard) pour retrouver Debbie sa soeur adoptive ; celle-ci est accueillie à bras ouverts par les Jorgensen malgré sa longue captivité chez les Comanches et son "indiennisation" de fait ; le vieil aventurier Moïse finit par avoir son rocking-chair près de l'âtre chez les Jorgensen, etc ...

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302226	18 H.1.03109	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Architectures volume 2 / Collectif

Public ISBD contenu dans Coffret Architectures / Collectif Titre : Architectures volume 2 Type de document : document projeté ou vidéo Auteurs : Collectif, Metteur en scène, réalisateur Editeur : arte vidéo Année de publication : 1995-2000 Importance : 1 DVD Présentation : 130 min (5 fois 26 min) Langues : Français (fre) Langues originales : Français (fre) Catégories : Education par les médias:Arts et médias:Architecture (constructions et jardins) Education par les médias:Arts et médias:Télévision :Emissions / Reportages Mots-clés : ARCHITECTURE / CENTRE COMMERCIAL / INDUSTRIE / SAINT-CLOUD / NAPLES / PARIS / URBANISME / AMENAGEMENT DE L’ESPACE / ARCHITECTURE CIVILE / ARCHITECTURE MODERNE / BASSIN DE NATATION / GRISONS / CONSTRUCTION / ESPACE RURAL / ESPACE URBAIN / GARE / INNOVATION TECHNOLOGIQUE / TECHNOLOGIE / HISTOIRE DE L’ART / T.G.V. / WISCONSIN / HABITATION / LYON / DEPARTEMENT RHONE / WRIGHT FRANK LLOYD / KOOLHAAS REM / *DVD VIDEO / FRANK ROBERT / ROCCO EMANUELLE / CALATRAVA SANTIAGO / ZUMTHOR PETER / DUBAN FELIX Index. décimale : 96 Architecture (constructions et jardins) Note de contenu : 1. "La Villa Dall'Ava", Rem Koolhaas. (R. Copans) - 2. "Le Bâtiment Johnson", Frank Lloyd Wright. (F. Compain) - 3. "La Galleria Umberto Ier", Emmanuele Rocco. (S. Neumann) - 4. "Satolas-TGV, un monument à la campagne", Santiago Calatrava. (C. Adda) - 5. "Les thermes de pierre", Peter Zumthor. (R. Copans) - 6. "L'Ecole des Beaux-Arts de Paris", Félix Duban. (C. Adda) Genre : Reportage Pays : France Niveau : secondaire supérieur et + contenu dans Coffret Architectures / Collectif Architectures volume 2 [document projeté ou vidéo] / Collectif, Metteur en scène, réalisateur . - [S.l.] : arte vidéo, 1995-2000 . - 1 DVD : 130 min (5 fois 26 min). Langues : Français (fre) Langues originales : Français (fre) Catégories : Education par les médias:Arts et médias:Architecture (constructions et jardins) Education par les médias:Arts et médias:Télévision :Emissions / Reportages Mots-clés : ARCHITECTURE / CENTRE COMMERCIAL / INDUSTRIE / SAINT-CLOUD / NAPLES / PARIS / URBANISME / AMENAGEMENT DE L’ESPACE / ARCHITECTURE CIVILE / ARCHITECTURE MODERNE / BASSIN DE NATATION / GRISONS / CONSTRUCTION / ESPACE RURAL / ESPACE URBAIN / GARE / INNOVATION TECHNOLOGIQUE / TECHNOLOGIE / HISTOIRE DE L’ART / T.G.V. / WISCONSIN / HABITATION / LYON / DEPARTEMENT RHONE / WRIGHT FRANK LLOYD / KOOLHAAS REM / *DVD VIDEO / FRANK ROBERT / ROCCO EMANUELLE / CALATRAVA SANTIAGO / ZUMTHOR PETER / DUBAN FELIX Index. décimale : 96 Architecture (constructions et jardins) Note de contenu : 1. "La Villa Dall'Ava", Rem Koolhaas. (R. Copans) - 2. "Le Bâtiment Johnson", Frank Lloyd Wright. (F. Compain) - 3. "La Galleria Umberto Ier", Emmanuele Rocco. (S. Neumann) - 4. "Satolas-TGV, un monument à la campagne", Santiago Calatrava. (C. Adda) - 5. "Les thermes de pierre", Peter Zumthor. (R. Copans) - 6. "L'Ecole des Beaux-Arts de Paris", Félix Duban. (C. Adda) Genre : Reportage Pays : France Niveau : secondaire supérieur et +

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
102704	96 N.1.1390/2	DVD	Médiathèque CAV Liège	Rayon DVD	Disponible

Le cinéma vers son deuxième siècle / Collectif

Public ISBD Titre : Le cinéma vers son deuxième siècle Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : [Paris] : Le Monde Année de publication : 1995 Collection : Rencontres ISBN/ISSN/EAN : 978-2-87899-115-4 Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Centenaire du cinéma  1995  Marc Ferro  Paolo et Vittorio Taviani  Pascal Ory  Gaston Kaboré  Alain Tanner  Claire Denis  Shiguehiko Hasumi  Abbas Kiarostami  Alain Rémond  Jean Douchet  Claude Lanzmann  Robert Kramer  Raoul Peck  Alain Renaud-Alain  Dominique Païni  Merzak Allouache  Hubert Damisch  Alain Fleischer  Marin Karmitz  Reiner E. Moritz  Andrei Smirnov  Judt Elek  Olivier Assayas  Bernard Sobel  Serge Toubiana  Daniel Sibony  Theodore Zeldin  Lars von Trier  Jerry Schatzberg  Alain Bergala  Jean-Michel Frodon  Youssef Chahine  Michel Cantal-Dupart  Gérard Miller  Manoël de Olivera Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Les 20 et 21 mars 1995, eu lieu un colloque international sur le début du deuxième siècle du cinéma, sous la direction de Jean-Michel Frodon, Marc Nicolas et serge Toubiana. Interrogations en cette fin du premier siècle du cinéma sur les rapports du Septième Art avec le réel et le futur. Le cinéma vers son deuxième siècle [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - Le Monde, 1995. - (Rencontres) . ISBN : 978-2-87899-115-4 Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Centenaire du cinéma  1995  Marc Ferro  Paolo et Vittorio Taviani  Pascal Ory  Gaston Kaboré  Alain Tanner  Claire Denis  Shiguehiko Hasumi  Abbas Kiarostami  Alain Rémond  Jean Douchet  Claude Lanzmann  Robert Kramer  Raoul Peck  Alain Renaud-Alain  Dominique Païni  Merzak Allouache  Hubert Damisch  Alain Fleischer  Marin Karmitz  Reiner E. Moritz  Andrei Smirnov  Judt Elek  Olivier Assayas  Bernard Sobel  Serge Toubiana  Daniel Sibony  Theodore Zeldin  Lars von Trier  Jerry Schatzberg  Alain Bergala  Jean-Michel Frodon  Youssef Chahine  Michel Cantal-Dupart  Gérard Miller  Manoël de Olivera Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Les 20 et 21 mars 1995, eu lieu un colloque international sur le début du deuxième siècle du cinéma, sous la direction de Jean-Michel Frodon, Marc Nicolas et serge Toubiana. Interrogations en cette fin du premier siècle du cinéma sur les rapports du Septième Art avec le réel et le futur.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302328	17 H.1.01261	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Dossier pédagogique de "Certains l'aiment chaud" / Charlotte Garson

Public ISBD Supplément de Certains l'aiment chaud / Billy Wilder Titre : Dossier pédagogique de "Certains l'aiment chaud" Type de document : texte imprimé Auteurs : Charlotte Garson, Auteur Editeur : Paris : CNC Année de publication : 2008 Autre Editeur : Paris : Cahiers du Cinéma Importance : 22 pp. Note générale : Certains l'aiment chaud (Some Like it Hot) est un film américain de Billy Wilder sorti en 1959. Il est classé premier par l'AFI dans la liste des films américains les plus drôles du XXe siècle, devant Tootsie et Dr Folamour. Le film est considéré comme un remake du film allemand sorti en 1951 Fanfaren der Liebe réalisé par Kurt Hoffmann et écrit par Michael Logan qu'il a lui même ensuite réécrit en adaptation américaine en y ajoutant quelques changements. L'hôtel utilisé comme décor pour évoquer la Floride est le Del Coronado Hotel de San Diego (Californie). Une remarque, que Tony Curtis aurait faite en aparté lors du visionnement de rushes, a fait le tour du monde. Exaspéré par les retards incessants de Marilyn Monroe ainsi que son manque de sûreté dans le travail et les nombreuses prises à effectuer, Curtis aurait commenté qu' « embrasser Marilyn Monroe, c'était comme embrasser Hitler ». Il a à plusieurs reprises démenti cela, notamment dans un reportage sur le film tourné en 2001 pour les besoins de sa sortie DVD. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Some Like it Hot  Certains l’aiment chaud  Billy Wilder  I. A. L. Diamond  Robert Thoeren  Michael Logan  Adolph Deutsch  Ted Haworth  Edward G. Boyle  Bert Henrikson  Orry-Kelly  Alice Monte  Agnes Flanagan  Emile LaVigne  Charles Lang Jr.  Milt Rice  Fred Lau  Arthur P. Schmidt  Eve Newman  Doane Harrison  I. A. L. Diamond  Ashton Productions Inc.  Mirisch Company  United Artists Corporation  Marilyn Monroe  Claire Guibert  Alouette  Tony Curtis  Jean-Claude Michel  Jack Lemmon  Roger Carel  George Raft  Jean Martinelli  Joe E. Brown  Fred Pasquali  Barbara Drew  Raymonde Devarennes  Cinéma américain  comédie Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Un corbillard est poursuivi par un véhicule de police. Des tirs s'échangent. Il arrive à s'échapper afin d'aller livrer son précieux chargement d'alcool de contrebande. C'est le Chicago de 1929, en pleine prohibition. La police fait une descente dans le tripot clandestin, dont deux musiciens, Joe le saxophoniste et Jerry le contrebassiste, arrivent à s'enfuir. Le lendemain, ils courent le cachet. Alors qu'ils vont chercher une voiture pour se rendre à leur nouvel engagement, ils sont témoins d'une tuerie entre bandes rivales de la Mafia. Afin d'échapper aux représailles, ils se font enrôler dans un orchestre composé uniquement de femmes et doivent donc se travestir en conséquence. Elles, puisque désormais ils se nomment Joséphine et Daphné, partent en train pour la Floride. Elles font la connaissance de Sugar Kane, la chanteuse de la troupe Sweet Sue and her society syncopators. Pendant le trajet, une petite sauterie improvisée autour de quelques verres rend sympathiques les deux nouvelles arrivées. Joe - alias Joséphine - est très attiré par Sugar, qui lui raconte ses déboires amoureux avec les saxophonistes : en Floride, elle souhaite se trouver un millionnaire pour l'épouser. La Floride, un hôtel de luxe où elles vont se produire et de nombreux millionnaires les accueillent chaleureusement. Daphné éblouit l'un d'entre eux, Osgood Fielding, et se fait inviter à dîner sur son yacht le soir même. Joséphine ourdit d'autres plans et, dans ce but, a subtilisé la valise du directeur et seul homme de la troupe. Ainsi Joséphine peut se transformer en jeune millionnaire pendant que toutes les musiciennes vont à la plage. Sugar y fait la connaissance de Junior, jeune héritier à millions, qui n'est autre que Joe. Junior lui demande : "Does that mean you play that very fast music... jazz ? " Sugar dans une moue troublante : "Yeah. Real hot ! " Junior : "I guess some like it hot..." (– Ça signifie que vous jouez cette musique très rapide... du jazz ? – Ouais. Et c'est très chaud ! – J'imagine que certains l'aiment chaud...) Junior lui fixe un rendez-vous... sur le bateau de Osgood. Le soir, l'orchestre joue et Sugar chante. À la fin du spectacle, elle se dépêche de se rendre au port de plaisance pendant que Joséphine doit se métamorphoser en Junior. Alors que Daphné passe une soirée dansante et chaude avec Osgood, un Junior stratège fait croire à Sugar qu'il est insensible à toute démarche féminine. Elle se fait donc un devoir de lui démontrer le contraire : "Let's throw another log on the fire" lui dit-elle même (– On va mettre le feu à une autre bûche ! ). Tout ce petit monde rentre chez soi. Une Daphné euphorique annonce à Joséphine qu'elle est fiancée. "Why would a guy wanna marry a guy ? " demande celle-ci. "Security ! " répond la future mariée (– Pourquoi est-ce qu'un homme épouserait un autre homme ? – Pour la sécurité ! ). Le lendemain, les meurtriers mafieux de Chicago débarquent à l'hôtel sous couvert d'une conférence des Amis de l'opéra italien. Un commissaire veille (incognito, il lit la Gazette de la police ! ). Tous discutent de et recherchent les deux témoins échappés. Passant par la réception, Joséphine et Daphné aperçoivent les bandits et prennent peur et leurs jambes à leur cou. Comme il pense avant tout à sauver sa peau, Junior alias Joséphine lance un dernier coup de fil à Sugar pour rompre. Une course-poursuite s'engage entre la pègre et les deux travestis qui ont été reconnus. Cela se termine dans un bain de sang, en l'occurrence un règlement de compte entre italiens de différentes factions. Joséphine retransformée en Joe, Sugar et Daphné ont le temps de rejoindre Osgood qui attend sa fiancée pour se rendre sur le yacht. Joe avoue tout à Sugar et celle-ci lui pardonne : l'amour est plus fort que tout. Un dernier dialogue entre Daphné et Osgood clôt de manière mémorable le film : Daphné : "We can't get married at all" Osgood : "Why not ? " Daphné : "Well, in the first place, I'm not a natural blonde ! ". Osgood : "Doesn't matter..." Daphné : "I smoke. I smoke all the time. ". Osgood : "I don't care. " Daphné : "I have a terrible past. For three years now, I've been living with a saxophone player. ". Osgood : "I forgive you. " Daphné : "I can never have children". Osgood : "We can adopt some" Daphné en ôtant sa perruque : "You don't understand, Osgood, I'm a man ! ". Osgood : "Well.. nobody's perfect ! " (– Nous ne pouvons pas nous marier. – Pourquoi pas ? – Ben, premièrement parce que je ne suis pas une vraie blonde. – M'est égal... – Je fume. Je fume tout le temps. – Je m'en fiche. – Je traîne un horrible passé. Je viens de vivre trois ans avec un joueur de saxophone. – Je te pardonne. – Je ne peux pas avoir d'enfants. – On peut en adopter. – Tu ne comprends pas, Osgood, je suis un homme ! – Eh bien... personne n'est parfait ! ) Note de contenu : * Pour le rôle finalement tenu par Jack Lemmon, Billy Wilder avait initialement choisi Frank Sinatra; mais ce dernier ne souhaitait pas être « Daphné », un homme travesti en femme. Quant au rôle de Marilyn Monroe, le premier choix était celui de Mitzi Gaynor : la distribution finale ne correspond donc guère aux choix originaux du réalisateur. * L'adaptation française des dialogues est due à Raymond Queneau. * 1re au générique de son 27e film, Marilyn Monroe interprète le rôle d'une chanteuse et musicienne dans un orchestre de femmes, Sugar Cane, de son vrai nom - polonais - Kowalczyk. Ses séquences sont très nombreuses : o Chez l'impresario Poliakoff, on peut subrepticement apercevoir Marilyn sur une photo de l'orchestre accrochée au mur (14e minute). o Sur le quai de la gare, une Marilyn fabuleusement belle apparaît à la 24e minute, arrivant évidemment la dernière pour prendre le train. o Dans le train : Marilyn se fait surprendre par Tony Curtis et Jack Lemmon dans les WC en train de boire de l'alcool. Puis l'orchestre répète et Marilyn joue du ukulélé et chante. La bouteille de Marilyn tombe et Lemmon ment en prétendant que c'est la sienne. Puis Marilyn se couche, dévoilant un beau décolleté à Lemmon. Quelques instants plus tard, Marilyn rejoint Lemmon pour "la" remercier. Elles ne vont pas rester seules longtemps... Marilyn et Curtis peuvent discuter un moment entre elles. o En Floride, à l'hôtel : arrivant à l'hôtel avec Curtis et Lemmon, à la réception et dans la chambre de ces derniers. À la plage en maillot de bain. Quelques instants plus tard, elle fait connaissance et tombe sous le charme d'un Tony Curtis grimé en millionnaire. Retour rapide à l'hôtel avec Lemmon qui désire confondre Curtis. o La soirée : Marilyn interprète une chanson. Puis elle se rend à son rendez-vous en robe moulante et quelque peu transparente. Sur le bateau, une longue scène de séduction entre Marilyn et Curtis, agrémentée de nombreux baisers. Avant d'aller se coucher, elle rend visite à Curtis et Lemmon. o Le lendemain matin, une Marilyn triste reçoit un appel de Curtis. Pour noyer son chagrin, elle va chercher de l'alcool chez ses deux copines. o Marilyn chante une dernière fois sur scène avant de se faire embrasser par... Joséphine ! Elle prend la fuite et rejoint Tony Curtis en Joe sur la vedette du millionnaire. * Marilyn interprète les chansons suivantes : Running Wild, I'm Through With Love et I Wanna Be Loved By You. * Les références aux films de gangsters des années trente sont nombreuses, par exemple à propos du massacre de la Saint Valentin dans un garage, ou de George Raft qui fait sauter une piécette comme en 1932, mais l’effet choisi est plutôt burlesque et caricatural. On relève aussi « Les amis de l'opéra italien » qui s'offrent un monumental gâteau d'anniversaire, contenant un tueur et une mitraillette Thompson. * Ce film fait partie de la Liste du BFI des 50 films à voir avant d'avoir 14 ans établie en 2005 par le British Film Institute. Niveau : Secondaire supérieur Supplément de Certains l'aiment chaud / Billy Wilder Dossier pédagogique de "Certains l'aiment chaud" [texte imprimé] / Charlotte Garson, Auteur . - Paris : CNC : Paris : Cahiers du Cinéma, 2008 . - 22 pp. Certains l'aiment chaud (Some Like it Hot) est un film américain de Billy Wilder sorti en 1959. Il est classé premier par l'AFI dans la liste des films américains les plus drôles du XXe siècle, devant Tootsie et Dr Folamour. Le film est considéré comme un remake du film allemand sorti en 1951 Fanfaren der Liebe réalisé par Kurt Hoffmann et écrit par Michael Logan qu'il a lui même ensuite réécrit en adaptation américaine en y ajoutant quelques changements. L'hôtel utilisé comme décor pour évoquer la Floride est le Del Coronado Hotel de San Diego (Californie). Une remarque, que Tony Curtis aurait faite en aparté lors du visionnement de rushes, a fait le tour du monde. Exaspéré par les retards incessants de Marilyn Monroe ainsi que son manque de sûreté dans le travail et les nombreuses prises à effectuer, Curtis aurait commenté qu' « embrasser Marilyn Monroe, c'était comme embrasser Hitler ». Il a à plusieurs reprises démenti cela, notamment dans un reportage sur le film tourné en 2001 pour les besoins de sa sortie DVD. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Some Like it Hot  Certains l’aiment chaud  Billy Wilder  I. A. L. Diamond  Robert Thoeren  Michael Logan  Adolph Deutsch  Ted Haworth  Edward G. Boyle  Bert Henrikson  Orry-Kelly  Alice Monte  Agnes Flanagan  Emile LaVigne  Charles Lang Jr.  Milt Rice  Fred Lau  Arthur P. Schmidt  Eve Newman  Doane Harrison  I. A. L. Diamond  Ashton Productions Inc.  Mirisch Company  United Artists Corporation  Marilyn Monroe  Claire Guibert  Alouette  Tony Curtis  Jean-Claude Michel  Jack Lemmon  Roger Carel  George Raft  Jean Martinelli  Joe E. Brown  Fred Pasquali  Barbara Drew  Raymonde Devarennes  Cinéma américain  comédie Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Un corbillard est poursuivi par un véhicule de police. Des tirs s'échangent. Il arrive à s'échapper afin d'aller livrer son précieux chargement d'alcool de contrebande. C'est le Chicago de 1929, en pleine prohibition. La police fait une descente dans le tripot clandestin, dont deux musiciens, Joe le saxophoniste et Jerry le contrebassiste, arrivent à s'enfuir. Le lendemain, ils courent le cachet. Alors qu'ils vont chercher une voiture pour se rendre à leur nouvel engagement, ils sont témoins d'une tuerie entre bandes rivales de la Mafia. Afin d'échapper aux représailles, ils se font enrôler dans un orchestre composé uniquement de femmes et doivent donc se travestir en conséquence. Elles, puisque désormais ils se nomment Joséphine et Daphné, partent en train pour la Floride. Elles font la connaissance de Sugar Kane, la chanteuse de la troupe Sweet Sue and her society syncopators. Pendant le trajet, une petite sauterie improvisée autour de quelques verres rend sympathiques les deux nouvelles arrivées. Joe - alias Joséphine - est très attiré par Sugar, qui lui raconte ses déboires amoureux avec les saxophonistes : en Floride, elle souhaite se trouver un millionnaire pour l'épouser. La Floride, un hôtel de luxe où elles vont se produire et de nombreux millionnaires les accueillent chaleureusement. Daphné éblouit l'un d'entre eux, Osgood Fielding, et se fait inviter à dîner sur son yacht le soir même. Joséphine ourdit d'autres plans et, dans ce but, a subtilisé la valise du directeur et seul homme de la troupe. Ainsi Joséphine peut se transformer en jeune millionnaire pendant que toutes les musiciennes vont à la plage. Sugar y fait la connaissance de Junior, jeune héritier à millions, qui n'est autre que Joe. Junior lui demande : "Does that mean you play that very fast music... jazz ? " Sugar dans une moue troublante : "Yeah. Real hot ! " Junior : "I guess some like it hot..." (– Ça signifie que vous jouez cette musique très rapide... du jazz ? – Ouais. Et c'est très chaud ! – J'imagine que certains l'aiment chaud...) Junior lui fixe un rendez-vous... sur le bateau de Osgood. Le soir, l'orchestre joue et Sugar chante. À la fin du spectacle, elle se dépêche de se rendre au port de plaisance pendant que Joséphine doit se métamorphoser en Junior. Alors que Daphné passe une soirée dansante et chaude avec Osgood, un Junior stratège fait croire à Sugar qu'il est insensible à toute démarche féminine. Elle se fait donc un devoir de lui démontrer le contraire : "Let's throw another log on the fire" lui dit-elle même (– On va mettre le feu à une autre bûche ! ). Tout ce petit monde rentre chez soi. Une Daphné euphorique annonce à Joséphine qu'elle est fiancée. "Why would a guy wanna marry a guy ? " demande celle-ci. "Security ! " répond la future mariée (– Pourquoi est-ce qu'un homme épouserait un autre homme ? – Pour la sécurité ! ). Le lendemain, les meurtriers mafieux de Chicago débarquent à l'hôtel sous couvert d'une conférence des Amis de l'opéra italien. Un commissaire veille (incognito, il lit la Gazette de la police ! ). Tous discutent de et recherchent les deux témoins échappés. Passant par la réception, Joséphine et Daphné aperçoivent les bandits et prennent peur et leurs jambes à leur cou. Comme il pense avant tout à sauver sa peau, Junior alias Joséphine lance un dernier coup de fil à Sugar pour rompre. Une course-poursuite s'engage entre la pègre et les deux travestis qui ont été reconnus. Cela se termine dans un bain de sang, en l'occurrence un règlement de compte entre italiens de différentes factions. Joséphine retransformée en Joe, Sugar et Daphné ont le temps de rejoindre Osgood qui attend sa fiancée pour se rendre sur le yacht. Joe avoue tout à Sugar et celle-ci lui pardonne : l'amour est plus fort que tout. Un dernier dialogue entre Daphné et Osgood clôt de manière mémorable le film : Daphné : "We can't get married at all" Osgood : "Why not ? " Daphné : "Well, in the first place, I'm not a natural blonde ! ". Osgood : "Doesn't matter..." Daphné : "I smoke. I smoke all the time. ". Osgood : "I don't care. " Daphné : "I have a terrible past. For three years now, I've been living with a saxophone player. ". Osgood : "I forgive you. " Daphné : "I can never have children". Osgood : "We can adopt some" Daphné en ôtant sa perruque : "You don't understand, Osgood, I'm a man ! ". Osgood : "Well.. nobody's perfect ! " (– Nous ne pouvons pas nous marier. – Pourquoi pas ? – Ben, premièrement parce que je ne suis pas une vraie blonde. – M'est égal... – Je fume. Je fume tout le temps. – Je m'en fiche. – Je traîne un horrible passé. Je viens de vivre trois ans avec un joueur de saxophone. – Je te pardonne. – Je ne peux pas avoir d'enfants. – On peut en adopter. – Tu ne comprends pas, Osgood, je suis un homme ! – Eh bien... personne n'est parfait ! ) Note de contenu : * Pour le rôle finalement tenu par Jack Lemmon, Billy Wilder avait initialement choisi Frank Sinatra; mais ce dernier ne souhaitait pas être « Daphné », un homme travesti en femme. Quant au rôle de Marilyn Monroe, le premier choix était celui de Mitzi Gaynor : la distribution finale ne correspond donc guère aux choix originaux du réalisateur. * L'adaptation française des dialogues est due à Raymond Queneau. * 1re au générique de son 27e film, Marilyn Monroe interprète le rôle d'une chanteuse et musicienne dans un orchestre de femmes, Sugar Cane, de son vrai nom - polonais - Kowalczyk. Ses séquences sont très nombreuses : o Chez l'impresario Poliakoff, on peut subrepticement apercevoir Marilyn sur une photo de l'orchestre accrochée au mur (14e minute). o Sur le quai de la gare, une Marilyn fabuleusement belle apparaît à la 24e minute, arrivant évidemment la dernière pour prendre le train. o Dans le train : Marilyn se fait surprendre par Tony Curtis et Jack Lemmon dans les WC en train de boire de l'alcool. Puis l'orchestre répète et Marilyn joue du ukulélé et chante. La bouteille de Marilyn tombe et Lemmon ment en prétendant que c'est la sienne. Puis Marilyn se couche, dévoilant un beau décolleté à Lemmon. Quelques instants plus tard, Marilyn rejoint Lemmon pour "la" remercier. Elles ne vont pas rester seules longtemps... Marilyn et Curtis peuvent discuter un moment entre elles. o En Floride, à l'hôtel : arrivant à l'hôtel avec Curtis et Lemmon, à la réception et dans la chambre de ces derniers. À la plage en maillot de bain. Quelques instants plus tard, elle fait connaissance et tombe sous le charme d'un Tony Curtis grimé en millionnaire. Retour rapide à l'hôtel avec Lemmon qui désire confondre Curtis. o La soirée : Marilyn interprète une chanson. Puis elle se rend à son rendez-vous en robe moulante et quelque peu transparente. Sur le bateau, une longue scène de séduction entre Marilyn et Curtis, agrémentée de nombreux baisers. Avant d'aller se coucher, elle rend visite à Curtis et Lemmon. o Le lendemain matin, une Marilyn triste reçoit un appel de Curtis. Pour noyer son chagrin, elle va chercher de l'alcool chez ses deux copines. o Marilyn chante une dernière fois sur scène avant de se faire embrasser par... Joséphine ! Elle prend la fuite et rejoint Tony Curtis en Joe sur la vedette du millionnaire. * Marilyn interprète les chansons suivantes : Running Wild, I'm Through With Love et I Wanna Be Loved By You. * Les références aux films de gangsters des années trente sont nombreuses, par exemple à propos du massacre de la Saint Valentin dans un garage, ou de George Raft qui fait sauter une piécette comme en 1932, mais l’effet choisi est plutôt burlesque et caricatural. On relève aussi « Les amis de l'opéra italien » qui s'offrent un monumental gâteau d'anniversaire, contenant un tueur et une mitraillette Thompson. * Ce film fait partie de la Liste du BFI des 50 films à voir avant d'avoir 14 ans établie en 2005 par le British Film Institute. Niveau : Secondaire supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302677	19 H.1.04339/8	Dossier pédagogique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Dossier pédagogique de "Douze hommes en colère" / Christine Courme-Thubert

Public ISBD Supplément de 12 hommes en colère / Sidney Lumet Titre : Dossier pédagogique de "Douze hommes en colère" Type de document : texte imprimé Auteurs : Christine Courme-Thubert, Auteur Editeur : Zérodeconduite.net Année de publication : 2007 Importance : 9 pp. Note générale : Douze hommes en colère (12 Angry Men) est un drame judiciaire américain réalisé par Sidney Lumet et sorti en 1957. * Oscars 1958 : Meilleur film, Meilleur réalisateur pour Sidney Lumet et Meilleur scénario adapté pour Reginald Rose. * British Academy Film Awards 1958 : Meilleur film. * Festival International du film de Berlin 1957 : Ours d'or * Festival international du film de Locarno 1957 : Mention spéciale * British Academy Film Awards 1958 : Meilleur acteur étranger pour Henry Fonda * Prix Edgar-Allan-Poe du meilleur scénario pour Reginald Rose * Entrée au National Film Registry en 2007. --- POUR LE COURS DE PHILOSOPHIE --- Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Sciences humaines:Morale/Philosophie/Religion Mots-clés : 12 Angry Men  Douze hommes en colère  Sidney Lumet  Reginald Rose  Robert Markell  Boris Kaufman  Carl Lerner  Kenyon Hopkins  United Artists  Henry Fonda  Claude Perran  Martin Balsam  John Fiedler  Lee J. Cobb  E.G. Marshall  Jack Klugman  Ed Binns  Jack Warden  Joseph Sweeney  Léonce Corne  Ed Begley  Jiri Voskovec  Robert Webber  John Savoca  Rudy Bond  James Kelly  Billy Nelson  Cinéma américain Racisme Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Aux États-Unis, un jury de douze hommes doit statuer, à l'unanimité, sur le sort d'un jeune homme accusé de parricide. S'il est jugé coupable, c'est la chaise électrique qui l'attend. Onze jurés le pensent coupable. Seul le douzième — M. Davis joué par Henri Fonda —, sans être certain de l'innocence de l'accusé, a de sérieux doutes. Il expose fermement ses doutes et les failles de l'enquête, et retourne les autres jurés un par un, situation qui sert de révélateur des motivations et des préjugés de certains. Note de contenu : * Le scénario de Reginald Rose a au départ été écrit pour un téléfilm diffusé en 1954 puis adapté au théâtre l'année suivante. Cette pièce a été créée en France en 1958 au théâtre de la Gaîté-Montparnasse dans une mise en scène de Lars Schmidt. * Sur les 12 jurés du téléfilm d'origine, 2 figurent également dans le film : Joseph Sweeney et George Voskovec. * Au fur et à mesure du tournage, le réalisateur Sidney Lumet utilisa des objectifs de focales croissantes, de sorte que les décors semblent se rapprocher des protagonistes, accroissant le sentiment d'étouffement. * Le film est un huis clos spatialement limité à une salle exigüe à côté de la salle d'audience. Un personnel du tribunal enferme les douze hommes à clef pour la délibération, le ventilateur semble en panne et la chaleur écrasante fait transpirer les jurés. Ces différents éléments contribuent à donner une sensation d'étouffement général qui s'ajoute à la tension entre les jurés qui s'opposent verbalement et physiquement de manière très vive sur la culpabilité du prévenu. Un bref intermède spatial a lieu dans les toilettes contigües à la pièce. * Le film respecte donc la règle classique des trois unités: unité de temps, unité de lieu et unité d'action. * Jusqu'au dernier instant du film, aucun des noms des protagonistes n'est prononcé : les 12 hommes ne s'appellent jamais par leur patronyme. On découvre les noms des deux premiers jurés en faveur de la non culpabilité — M. Davis (Henri Fonda) et M. MacCardle (Joseph Sweeney) — lorsqu'ils quittent le tribunal avant le mot fin. * Dans la série américaine Happy Days (1978), l'épisode 27 de la saison 5 Coupable ou non coupable est clairement une adaptation du film : juré dans une affaire de vol, Fonzie est le seul à croire l'accusé (un motard) non coupable... il va essayer de convaincre les autres jurés de son innocence. * Le scénario du film a également été adapté dans d'autres séries Preuve à l'appui (saison 3, épisode 2, Sans preuve à l'appui), Demain à la une (saison 1, épisode 17 Juré malgré lui) The Dead Zone (saison 1, épisode 5, Coupable) Veronica Mars (saison 2, épisode 10, Une Affaire simple), Monk (saison 4, épisode 16, Monk est juré) Ma famille d'abord, Hancock's Half Hour, Un drôle de shérif, Larry et Balki, The Odd Couple, King of the Hill, Matlock, voire le dessin animé Hé Arnold !. À noter qu'un remake par la série 7 à la maison (saison 4, épisode 17, Douze jurés en colère) où le personnage principal, Eric Camden tente de convaincre de la culpabilité de l'accusé, ce qui est l'inverse du film de Lumet. * Dans Les Simpsons , l'épisode 20 de la saison 5, intitulé Le Garçon qui en savait trop fait référence à Douze hommes en colère : Homer, désigné comme juré, est seul à voter non coupable. * Dans le manga L'Ara aux sept couleurs, épisode 21 (qui porte le nom de l'œuvre d'origine, Douze hommes en colère), l'intrigue est inversée et l'Ara cherche à prouver la culpabilité de l'accusé. Niveau : Secondaire supérieur Supplément de 12 hommes en colère / Sidney Lumet Dossier pédagogique de "Douze hommes en colère" [texte imprimé] / Christine Courme-Thubert, Auteur . - [S.l.] : Zérodeconduite.net, 2007 . - 9 pp. Douze hommes en colère (12 Angry Men) est un drame judiciaire américain réalisé par Sidney Lumet et sorti en 1957. * Oscars 1958 : Meilleur film, Meilleur réalisateur pour Sidney Lumet et Meilleur scénario adapté pour Reginald Rose. * British Academy Film Awards 1958 : Meilleur film. * Festival International du film de Berlin 1957 : Ours d'or * Festival international du film de Locarno 1957 : Mention spéciale * British Academy Film Awards 1958 : Meilleur acteur étranger pour Henry Fonda * Prix Edgar-Allan-Poe du meilleur scénario pour Reginald Rose * Entrée au National Film Registry en 2007. --- POUR LE COURS DE PHILOSOPHIE --- Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Sciences humaines:Morale/Philosophie/Religion Mots-clés : 12 Angry Men  Douze hommes en colère  Sidney Lumet  Reginald Rose  Robert Markell  Boris Kaufman  Carl Lerner  Kenyon Hopkins  United Artists  Henry Fonda  Claude Perran  Martin Balsam  John Fiedler  Lee J. Cobb  E.G. Marshall  Jack Klugman  Ed Binns  Jack Warden  Joseph Sweeney  Léonce Corne  Ed Begley  Jiri Voskovec  Robert Webber  John Savoca  Rudy Bond  James Kelly  Billy Nelson  Cinéma américain Racisme Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Aux États-Unis, un jury de douze hommes doit statuer, à l'unanimité, sur le sort d'un jeune homme accusé de parricide. S'il est jugé coupable, c'est la chaise électrique qui l'attend. Onze jurés le pensent coupable. Seul le douzième — M. Davis joué par Henri Fonda —, sans être certain de l'innocence de l'accusé, a de sérieux doutes. Il expose fermement ses doutes et les failles de l'enquête, et retourne les autres jurés un par un, situation qui sert de révélateur des motivations et des préjugés de certains. Note de contenu : * Le scénario de Reginald Rose a au départ été écrit pour un téléfilm diffusé en 1954 puis adapté au théâtre l'année suivante. Cette pièce a été créée en France en 1958 au théâtre de la Gaîté-Montparnasse dans une mise en scène de Lars Schmidt. * Sur les 12 jurés du téléfilm d'origine, 2 figurent également dans le film : Joseph Sweeney et George Voskovec. * Au fur et à mesure du tournage, le réalisateur Sidney Lumet utilisa des objectifs de focales croissantes, de sorte que les décors semblent se rapprocher des protagonistes, accroissant le sentiment d'étouffement. * Le film est un huis clos spatialement limité à une salle exigüe à côté de la salle d'audience. Un personnel du tribunal enferme les douze hommes à clef pour la délibération, le ventilateur semble en panne et la chaleur écrasante fait transpirer les jurés. Ces différents éléments contribuent à donner une sensation d'étouffement général qui s'ajoute à la tension entre les jurés qui s'opposent verbalement et physiquement de manière très vive sur la culpabilité du prévenu. Un bref intermède spatial a lieu dans les toilettes contigües à la pièce. * Le film respecte donc la règle classique des trois unités: unité de temps, unité de lieu et unité d'action. * Jusqu'au dernier instant du film, aucun des noms des protagonistes n'est prononcé : les 12 hommes ne s'appellent jamais par leur patronyme. On découvre les noms des deux premiers jurés en faveur de la non culpabilité — M. Davis (Henri Fonda) et M. MacCardle (Joseph Sweeney) — lorsqu'ils quittent le tribunal avant le mot fin. * Dans la série américaine Happy Days (1978), l'épisode 27 de la saison 5 Coupable ou non coupable est clairement une adaptation du film : juré dans une affaire de vol, Fonzie est le seul à croire l'accusé (un motard) non coupable... il va essayer de convaincre les autres jurés de son innocence. * Le scénario du film a également été adapté dans d'autres séries Preuve à l'appui (saison 3, épisode 2, Sans preuve à l'appui), Demain à la une (saison 1, épisode 17 Juré malgré lui) The Dead Zone (saison 1, épisode 5, Coupable) Veronica Mars (saison 2, épisode 10, Une Affaire simple), Monk (saison 4, épisode 16, Monk est juré) Ma famille d'abord, Hancock's Half Hour, Un drôle de shérif, Larry et Balki, The Odd Couple, King of the Hill, Matlock, voire le dessin animé Hé Arnold !. À noter qu'un remake par la série 7 à la maison (saison 4, épisode 17, Douze jurés en colère) où le personnage principal, Eric Camden tente de convaincre de la culpabilité de l'accusé, ce qui est l'inverse du film de Lumet. * Dans Les Simpsons , l'épisode 20 de la saison 5, intitulé Le Garçon qui en savait trop fait référence à Douze hommes en colère : Homer, désigné comme juré, est seul à voter non coupable. * Dans le manga L'Ara aux sept couleurs, épisode 21 (qui porte le nom de l'œuvre d'origine, Douze hommes en colère), l'intrigue est inversée et l'Ara cherche à prouver la culpabilité de l'accusé. Niveau : Secondaire supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
303677	19 H.1.04339/4	Dossier pédagogique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Dossier pédagogique de "La famille Tenenbaum" / Vincent Malausa

Public ISBD Supplément de La famille Tenenbaum / Wes Anderson Titre : Dossier pédagogique de "La famille Tenenbaum" Type de document : texte imprimé Auteurs : Vincent Malausa, Auteur Editeur : Paris : CNC Année de publication : 2008 Autre Editeur : Paris : Cahiers du Cinéma Importance : 22 pp. Note générale : La Famille Tenenbaum (The Royal Tenenbaums) est un film américain réalisé par Wes Anderson et écrit par Wes Anderson et Owen Wilson, sorti en salles en 2001. Récompenses : Le film a été nommé à vingt-huit prix et en a obtenu neuf: * BAFTA 2002 o Nommé au BAFTA du meilleur scénario original pour Wes Anderson et Owen Wilson * Berlinale 2002 o Nommé à l'Ours d'Or du Meilleur film pour Wes Anderson * Oscars du cinéma 2002 o Nommé à l'Oscar du meilleur scénario original pour Wes Anderson et Owen Wilson * Prix de la critique o Prix de la National Society of Film Critics 2002 + Prix NSFC pour Gene Hackman. o Prix de la Online Film Critics Society 2002 + Nommé au meilleur ensemble + Nommé au meilleur scénario original pour Wes Anderson et Owen Wilson. * Prix d'associations de professionnels du cinéma o Arts Directors Guild + Nommé à l'Excellence in Production Design Award Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Wes Anderson  Barry Mendel  Scott Rudin  Touchstone Pictures  Carl Sprague  Robert D. Yeoman  David Wasco  Daniel R. Padgett  Dylan Tichenor  Mark Mothersbaugh  Nick Drake  Van Morrison  Lou Reed  The Rolling Stones  The Beatles  Ramones  The Clash  Elliott Smith  Maurice Ravel  Erik Satie  Antonio Vivaldi  Gene Hackman  Jacques Richard  Anjelica Huston  Monique Thierry  Gwyneth Paltrow  Barbara Kelsch  Ben Stiller  Maurice Decoster  Luke Wilson  Patrick Mancini  Owen Wilson  Éric Legrand  Danny Glover  Richard Darbois  Bill Murray  Gabriel Le Doze  Alec Baldwin  Hervé Jolly  Seymour Cassel  Cinéma américain Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Pour rassembler sa famille, Royal Tenenbaum fait croire à son ex-femme et à ses enfants qu'il est atteint d'un mal incurable et qu'il ne lui reste que quelques semaines à vivre. Les enfants Tenenbaum sont tous des êtres exceptionnellement intelligents. Dès son plus jeune âge, Chas est une pointure dans le monde de la finance, Richie est un champion de tennis et Margot, leur sœur adoptive, est une brillante dramaturge lauréate du prix Pulitzer. Traversant une période difficile, tous les enfants Tenenbaum repartent s'installer chez leur mère : Chas ne se remet pas de la mort de son épouse, Margot déprime dans sa baignoire, incomprise par son mari Raleigh, plus âgé, qu'elle trompe avec Eli Cash, et n'écrit plus de pièces depuis des années, et Richie, qui a tout abandonné pour partir seul en bateau autour du monde, est depuis toujours désespérément amoureux de Margot. Petit à petit, les personnages en viennent à comprendre ce qui les trouble les uns les autres, et les secrets sont dévoilés : Raleigh découvre les infidélités de Margot, la famille découvre que Royal n'est pas malade, Margot rompt avec Eli, qui se drogue, et Richie tente de se suicider puis avoue son amour à Margot qui l'aime également. Royal finit par signer son divorce, permettant ainsi à Etheline de se remarier avec son collègue. Royal parvient à créer une relation avec ses enfants et petits enfants, Eli suit une cure de désintoxication, Richie devient professeur de tennis et Margot sort une nouvelle pièce. Quand plus tard, Royal meurt d'une crise cardiaque, il est réconcilié avec toute sa famille. Note de contenu : Les scènes extérieures sont toutes filmées à New York. Tout a pourtant été fait pour que cela ne paraisse pas. Par exemple, en cachant la Statue de la Liberté en plaçant les acteurs devant. À l'origine, le réalisateur Wes Anderson souhaitait ouvrir le film avec le célèbre Hey Jude des Beatles. La mort du guitariste George Harrison l'empêcha de négocier les droits du morceau. Il songea alors à Elliott Smith pour enregistrer une reprise du morceau. Malheureusement, les problèmes de drogue et la dépression, dont souffraient le chanteur en 2001, contraignirent le réalisateur à confier la reprise à Mutato Muzika Orchestra. Elliott Smith marque toutefois la bande originale du film par son Needle in the Hay, qui figurait sur son second album solo éponyme. On entend ce titre lorsque Richie Tenenbaum s'ouvre les veines dans la salle de bain. Ironie du sort, Elliott Smith, selon la version actuelle des faits, s'est suicidé de coups de couteau dans la poitrine en 2003, suite à une dispute avec sa petite amie, qui s'était elle-même enfermée dans la salle de bains. Les destins dramatiques se bousculent sur la bande originale, puisqu'on trouve également les titres : 1. Fly, du chanteur folk Nick Drake, mort d'une overdose d'un anti-dépresseur, bien que l'on n'ait jamais pu déterminer si celle-ci fut accidentelle ou non. 2. These Days et The Fairest Of The Seasons de Nico, égérie du Velvet Underground. Héroïnomane souffrant du syndrome d'Asperger, elle mourut d'un banal accident de vélo sur l'île d'Ibiza. Niveau : secondaire supérieur Supplément de La famille Tenenbaum / Wes Anderson Dossier pédagogique de "La famille Tenenbaum" [texte imprimé] / Vincent Malausa, Auteur . - Paris : CNC : Paris : Cahiers du Cinéma, 2008 . - 22 pp. La Famille Tenenbaum (The Royal Tenenbaums) est un film américain réalisé par Wes Anderson et écrit par Wes Anderson et Owen Wilson, sorti en salles en 2001. Récompenses : Le film a été nommé à vingt-huit prix et en a obtenu neuf: * BAFTA 2002 o Nommé au BAFTA du meilleur scénario original pour Wes Anderson et Owen Wilson * Berlinale 2002 o Nommé à l'Ours d'Or du Meilleur film pour Wes Anderson * Oscars du cinéma 2002 o Nommé à l'Oscar du meilleur scénario original pour Wes Anderson et Owen Wilson * Prix de la critique o Prix de la National Society of Film Critics 2002 + Prix NSFC pour Gene Hackman. o Prix de la Online Film Critics Society 2002 + Nommé au meilleur ensemble + Nommé au meilleur scénario original pour Wes Anderson et Owen Wilson. * Prix d'associations de professionnels du cinéma o Arts Directors Guild + Nommé à l'Excellence in Production Design Award Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Wes Anderson  Barry Mendel  Scott Rudin  Touchstone Pictures  Carl Sprague  Robert D. Yeoman  David Wasco  Daniel R. Padgett  Dylan Tichenor  Mark Mothersbaugh  Nick Drake  Van Morrison  Lou Reed  The Rolling Stones  The Beatles  Ramones  The Clash  Elliott Smith  Maurice Ravel  Erik Satie  Antonio Vivaldi  Gene Hackman  Jacques Richard  Anjelica Huston  Monique Thierry  Gwyneth Paltrow  Barbara Kelsch  Ben Stiller  Maurice Decoster  Luke Wilson  Patrick Mancini  Owen Wilson  Éric Legrand  Danny Glover  Richard Darbois  Bill Murray  Gabriel Le Doze  Alec Baldwin  Hervé Jolly  Seymour Cassel  Cinéma américain Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Pour rassembler sa famille, Royal Tenenbaum fait croire à son ex-femme et à ses enfants qu'il est atteint d'un mal incurable et qu'il ne lui reste que quelques semaines à vivre. Les enfants Tenenbaum sont tous des êtres exceptionnellement intelligents. Dès son plus jeune âge, Chas est une pointure dans le monde de la finance, Richie est un champion de tennis et Margot, leur sœur adoptive, est une brillante dramaturge lauréate du prix Pulitzer. Traversant une période difficile, tous les enfants Tenenbaum repartent s'installer chez leur mère : Chas ne se remet pas de la mort de son épouse, Margot déprime dans sa baignoire, incomprise par son mari Raleigh, plus âgé, qu'elle trompe avec Eli Cash, et n'écrit plus de pièces depuis des années, et Richie, qui a tout abandonné pour partir seul en bateau autour du monde, est depuis toujours désespérément amoureux de Margot. Petit à petit, les personnages en viennent à comprendre ce qui les trouble les uns les autres, et les secrets sont dévoilés : Raleigh découvre les infidélités de Margot, la famille découvre que Royal n'est pas malade, Margot rompt avec Eli, qui se drogue, et Richie tente de se suicider puis avoue son amour à Margot qui l'aime également. Royal finit par signer son divorce, permettant ainsi à Etheline de se remarier avec son collègue. Royal parvient à créer une relation avec ses enfants et petits enfants, Eli suit une cure de désintoxication, Richie devient professeur de tennis et Margot sort une nouvelle pièce. Quand plus tard, Royal meurt d'une crise cardiaque, il est réconcilié avec toute sa famille. Note de contenu : Les scènes extérieures sont toutes filmées à New York. Tout a pourtant été fait pour que cela ne paraisse pas. Par exemple, en cachant la Statue de la Liberté en plaçant les acteurs devant. À l'origine, le réalisateur Wes Anderson souhaitait ouvrir le film avec le célèbre Hey Jude des Beatles. La mort du guitariste George Harrison l'empêcha de négocier les droits du morceau. Il songea alors à Elliott Smith pour enregistrer une reprise du morceau. Malheureusement, les problèmes de drogue et la dépression, dont souffraient le chanteur en 2001, contraignirent le réalisateur à confier la reprise à Mutato Muzika Orchestra. Elliott Smith marque toutefois la bande originale du film par son Needle in the Hay, qui figurait sur son second album solo éponyme. On entend ce titre lorsque Richie Tenenbaum s'ouvre les veines dans la salle de bain. Ironie du sort, Elliott Smith, selon la version actuelle des faits, s'est suicidé de coups de couteau dans la poitrine en 2003, suite à une dispute avec sa petite amie, qui s'était elle-même enfermée dans la salle de bains. Les destins dramatiques se bousculent sur la bande originale, puisqu'on trouve également les titres : 1. Fly, du chanteur folk Nick Drake, mort d'une overdose d'un anti-dépresseur, bien que l'on n'ait jamais pu déterminer si celle-ci fut accidentelle ou non. 2. These Days et The Fairest Of The Seasons de Nico, égérie du Velvet Underground. Héroïnomane souffrant du syndrome d'Asperger, elle mourut d'un banal accident de vélo sur l'île d'Ibiza. Niveau : secondaire supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
303678	19 H.1.04339/5	Dossier pédagogique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Dossier pédagogique de "Le guépard" / Florence Salé

Public ISBD Accompagne Le guépard / Luchino Visconti Titre : Dossier pédagogique de "Le guépard" Type de document : texte imprimé Auteurs : Florence Salé, Auteur Editeur : Zérodeconduite.net Année de publication : 2007 Importance : 7 pp. Note générale : Le Guépard (Il Gattopardo) est un film franco-italien de Luchino Visconti sorti en 1963 et adapté du roman homonyme de Giuseppe Tomasi di Lampedusa. * Palme d'or au Festival de Cannes 1963. * Sélection de la version restaurée au festival de Cannes 2010 dans la catégorie Cannes Classics. --- POUR LE COURS DE FRANÇAIS --- Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Langues:Français Mots-clés : Il Gattopardo  Le Guépard  The Leopard  Luchino Visconti  Suso Cecchi D'Amico  Pasquale Festa Campanile  Enrico Medioli  Massimo Franciosa  Giuseppe Tomasi di Lampedusa  René Barjavel  Mario Garbuglia  Piero Tosi  Giuseppe Rotunno  Mario Serandrei  Mario Messina  Nino Rota  Giuseppe Verdi  Franco Ferrara  Alberto Testa  Goffredo Lombardo  Pietro Notarianni  Titanus  Pathé Cinéma  Burt Lancaster  Jean Martinelli  Alain Delon  Claudia Cardinale  Paolo Stoppa  Alfred Pasquali  Rina Morelli  Jacqueline Ferrière  Romolo Valli  Robert Marcy  Mario Girotti  Pierre Clémenti  Ottavia Piccolo  Serge Reggiani  Giuliano Gemma  Cinéma italien  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : L'action se passe en Sicile, dans les années 1860-1863. Lors du débarquement de l'armée révolutionnaire de Garibaldi à Marsala, qui vise à annexer le royaume des Bourbons à l'Italie du Nord, le prince Fabrizio Corbera de Salina quitte son domaine avec sa famille, pour son palais de villégiature dans le village de Donnafugata. Comprenant que les jours de la féodalité sont passés, il assure le mariage de son neveu Tancredi avec Angelica, la fille du riche maire libéral de Donnafugata, Don Calogero. Note de contenu : Visconti déclare : « J'épouse le point de vue de Lampedusa, et disons aussi de son personnage, le prince Fabrizio. Le pessimisme du prince Salina l'amène à regretter la chute d'un ordre qui, pour immobile qu'il ait été, était quand même un ordre. Mais, notre pessimisme se charge de volonté et, au lieu de regretter l'ordre féodal et bourbonien, il vise à établir un ordre nouveau. »[réf. nécessaire] Le film décrit la gestion de crise de l'aristocratie italienne, dont la scène du bal (qui dure 45 minutes) donne la clé. Celle-ci fut tournée au palais Valguarnera-Gangi, à Palerme, mais l'essentiel du film est tourné au palais Chigi (it) d'Ariccia près de Rome[1]. Très impliqué dans l'écriture du personnage du prince Fabrizio, Visconti a choisi l'acteur américain Burt Lancaster pour l'incarner. Le choix surprit, mais se révéla remarquablement pertinent. L'osmose se répétera pour un autre rôle sur lequel Visconti se projetait tout autant, Violence et Passion en 1974. Niveau : Secondaire supérieur Accompagne Le guépard / Luchino Visconti Dossier pédagogique de "Le guépard" [texte imprimé] / Florence Salé, Auteur . - [S.l.] : Zérodeconduite.net, 2007 . - 7 pp. Le Guépard (Il Gattopardo) est un film franco-italien de Luchino Visconti sorti en 1963 et adapté du roman homonyme de Giuseppe Tomasi di Lampedusa. * Palme d'or au Festival de Cannes 1963. * Sélection de la version restaurée au festival de Cannes 2010 dans la catégorie Cannes Classics. --- POUR LE COURS DE FRANÇAIS --- Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Langues:Français Mots-clés : Il Gattopardo  Le Guépard  The Leopard  Luchino Visconti  Suso Cecchi D'Amico  Pasquale Festa Campanile  Enrico Medioli  Massimo Franciosa  Giuseppe Tomasi di Lampedusa  René Barjavel  Mario Garbuglia  Piero Tosi  Giuseppe Rotunno  Mario Serandrei  Mario Messina  Nino Rota  Giuseppe Verdi  Franco Ferrara  Alberto Testa  Goffredo Lombardo  Pietro Notarianni  Titanus  Pathé Cinéma  Burt Lancaster  Jean Martinelli  Alain Delon  Claudia Cardinale  Paolo Stoppa  Alfred Pasquali  Rina Morelli  Jacqueline Ferrière  Romolo Valli  Robert Marcy  Mario Girotti  Pierre Clémenti  Ottavia Piccolo  Serge Reggiani  Giuliano Gemma  Cinéma italien  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : L'action se passe en Sicile, dans les années 1860-1863. Lors du débarquement de l'armée révolutionnaire de Garibaldi à Marsala, qui vise à annexer le royaume des Bourbons à l'Italie du Nord, le prince Fabrizio Corbera de Salina quitte son domaine avec sa famille, pour son palais de villégiature dans le village de Donnafugata. Comprenant que les jours de la féodalité sont passés, il assure le mariage de son neveu Tancredi avec Angelica, la fille du riche maire libéral de Donnafugata, Don Calogero. Note de contenu : Visconti déclare : « J'épouse le point de vue de Lampedusa, et disons aussi de son personnage, le prince Fabrizio. Le pessimisme du prince Salina l'amène à regretter la chute d'un ordre qui, pour immobile qu'il ait été, était quand même un ordre. Mais, notre pessimisme se charge de volonté et, au lieu de regretter l'ordre féodal et bourbonien, il vise à établir un ordre nouveau. »[réf. nécessaire] Le film décrit la gestion de crise de l'aristocratie italienne, dont la scène du bal (qui dure 45 minutes) donne la clé. Celle-ci fut tournée au palais Valguarnera-Gangi, à Palerme, mais l'essentiel du film est tourné au palais Chigi (it) d'Ariccia près de Rome[1]. Très impliqué dans l'écriture du personnage du prince Fabrizio, Visconti a choisi l'acteur américain Burt Lancaster pour l'incarner. Le choix surprit, mais se révéla remarquablement pertinent. L'osmose se répétera pour un autre rôle sur lequel Visconti se projetait tout autant, Violence et Passion en 1974. Niveau : Secondaire supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
303687	19 H.1.04339/16	Dossier pédagogique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Dossier pédagogique de "Lettres d'Iwo Jima" / Francis Larran

Public ISBD Supplément de Lettres d'Iwo Jima / Clint Eastwood Titre : Dossier pédagogique de "Lettres d'Iwo Jima" Type de document : texte imprimé Auteurs : Francis Larran, Auteur Editeur : Zérodeconduite.net Autre Editeur : [Neuilly-sur-Seine] : Warner Bros France éd., distrib. Importance : 10 pp. Note générale : --- POUR LE COURS D'HISTOIRE --- Lettres d'Iwo Jima (titre original japonais : jima kara no tegami - titre américain : Letters from Iwo Jima, précédemment Red Sun, Black Sand) est un film de guerre réalisé par Clint Eastwood et sorti au Japon le 9 décembre 2006. Il relate la bataille d'Iwo Jima du point de vue japonais. Ce film a eu une sortie limitée aux États-Unis le 20 décembre et est sorti le 21 février 2007 en France. Basé sur le livre Picture Letters from Commander in Chief du général Tadamichi Kuribayashi, joué à l'écran par Ken Watanabe, Lettres d'Iwo Jima vient en complément de "Mémoires de nos pères", également réalisé par Clint Eastwood. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias Education aux médias:Cinéma Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Sciences humaines:Histoire Education par les médias:Sciences humaines:Histoire:Epoque contemporaine (1789 à nos jours) Education par les médias:Sciences humaines:Histoire:Epoque contemporaine (1789 à nos jours):Guerre 40-45 Mots-clés : Lettres d'Iwo Jima  jima kara no tegami  Clint Eastwood  Iris Yamashita  Iris Yamashita  Paul Haggis  Picture Letters from Commander in Chief  Tadamichi Kuribayashi  Kiko Ireton  Taishiro Noizumi  Tom Minder  Quay Terry  Kyle Eastwood  Michael Stevens  Lennie Niehaus  Henry Bumstead  James J. Murakami  Gary Fettis  Michael Muscarella  Deborah Hopper  Tania McComas  Carol A. O'Connell  Tom Stern  Charles Maynes  Steven Riley  Michael Owens  Digital Domain  Buddy Van Horn  Joel Cox  Gary D. Roach  Avid  Alan Robert Murray  Bub Asman  Don Harris  Dave Arnold  Warner Bros Pictures  Dreamworks Pictures  Malpaso  Amblin Entertainment  Clint Eastwood  Steven Spielberg  Robert Lorenz  Paul Haggis  Tim Moore  Ken Watanabe  Kazunari Ninomiya  Tsuyoshi Ihara  Ryo Kase  Shidou Nakamura  Cinéma américain  Cinéma japonais  Guerre  Iwo Jima  Seconde Guerre mondial Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : « Les corps de 12 000 soldats japonais non identifiés reposent encore à Iwo Jima. Je pense qu'ils méritent un certain respect, au même titre que les soldats américains » Clint Eastwood. Le film suit l'histoire de deux bons amis servant du côté japonais lors de la bataille d'Iwo Jima, durant la Seconde Guerre mondiale. La bataille est ainsi dépeinte du côté japonais, quand le film Mémoires de nos pères présente la même bataille vue du côté américain. L'ouverture du film passée, montrant de nos jours des archéologues japonais effectuant des fouilles dans les cavernes, la transition s'effectue sur l'arrivée en 1945 du nouveau général chargé de la défense de l'île en prévision de son invasion prochaine, l'US Navy concentrant ses forces à Saipan (îles Mariannes). Lorsqu'il atterrit, les soldats sont en train de creuser des tranchées dans le sable volcanique le long des plages de l'île, improbables refuges face à la puissance de feu adverse sur le point de se déchaîner. Le lieutenant général Kuribayashi n'apprend que tardivement, de la bouche du baron Nishi, la ruine de la flotte impériale japonaise à la bataille du golfe de Leyte, ce que le Mikado a soigneusement évité d'ébruiter en cherchant à minimiser le défaitisme parmi les rangs : les deux hommes perçoivent alors, que tous les moyens de contre-attaque sont anéantis, et que la défense de l'île appelle au sacrifice de tous. Évaluant les possibilités de défense, Kuribayashi se trouve confronté à des officiers obtus qui parfois refusent ses ordres ou ne les comprennent pas : alors qu'il prône une défense des reliefs de l'île, ils préparent des tranchées sur les plages dans l'espoir de contenir le débarquement dès les premières heures. Ce n'est que lorsque la métropole demande le rapatriement des avions pour la défense ultérieure de la métropole que les officiers prennent conscience de la lutte à mort qui s'annonce, et de la vanité des préparatifs qu'ils ont engagés. Ces impressions se confirment lors de l'arrivée des navires, les Japonais estimant l'effectif des troupes débarquées à 20 000 alors que les États-Unis ont concentré sur cette opération les plus importantes forces des campagnes du Pacifique (100 000 Marines embarqués sur 880 navires). Note de contenu : Alors que le film symétrique Mémoires de nos pères était formé d'allers-retours incessants des combats sur l'île aux vies des soldats en Amérique après la guerre, Lettres d'Iwo Jima utilise une structure linéaire ; les seuls moments qui rompent cette linéarité sont les réminiscences des soldats, montrées par des séquences qui évoquent la façon dont ils ressentent le conflit contre les Américains. Le tout s'appuie sur une musique de piano. Outre leur structure, les deux films de Clint Eastwood sur Iwo Jima se distinguent par le message qu'ils font passer. * le premier montrait l'avènement d'une stratégie de propagande « en cours de constitution » basée sur l'exploitation par le politique de la photo des marines hissant le drapeau sur le mont Suribachi. Le contraste consistait pour Eastwood à faire apparaître le désarroi vécu par les protagonistes, provenant du décalage entre l'épreuve du feu lors de la prise de l'île et les témoignages de bravoure qui leur sont demandés au pays afin de susciter une levée de fonds par souscription populaire pour financer la guerre. * le second montre, chez les individus japonais civils comme militaires, l'effet qu'a produit une propagande « déjà installée » et orchestrée par l'État sur plusieurs années, basée sur le nationalisme, l'exaltation impériale et le sentiment de supériorité. Ces éléments réductibles au gimmick « la victoire ou la mort » prennent un sens prégnant à la veille de l'arrivée des envahisseurs sur le sol national, sens tout à fait précis dans le contexte culturel japonais : il appelle au sacrifice personnel par seppuku ou tout autre moyen pour éviter la honte de n'avoir su défendre sa position. Cette fois, sur le plan individuel des protagonistes, le conflit est aussi intérieur puisqu'ils doivent se situer par rapport à ce poids collectif sollicitant leur suicide ou une charge à l'ennemi droit sur une mort certaine ; peu surmontent la honte de la reddition afin de tenter de survivre à ces instants critiques. La mise en scène de deux films donnant les perspectives adverses sur le plan subjectif est sans précédent parmi les productions hollywoodiennes ; la critique a d'ailleurs encensé la démarche en avançant qu'Eastwood avait réalisé le film sur l'Histoire du Japon que le cinéma japonais n'avait jamais osé faire. Le point de jonction des deux films a bien sûr lieu au moment de tension lors de la scène clé du débarquement, lorsqu'au bout des jumelles du général Kuribayashi retranché, c'est l'autre film qui se déroule. Le développement des deux personnages, le général Kuribayashi et le baron Nishi, par le biais de leurs histoires antérieures, illustre la vanité de cette situation de guerre qui va les voir périr. Tous deux ont eu des liens étroits avec les États-Unis : l'un lors des rapprochements des deux états-majors de part et d'autre du Pacifique dans les années trente, l'autre à l'occasion de sa participation aux J.O. de Los Angeles de 1932, et le souvenir de son cheval de concours hippique, Uranus. Sans renier leur engagement envers l'Empire, ils ne trouvent aucun objectif à cette opposition à leurs amis d'hier. * L'avion qui amène le général Kuribayashi, censé être un modèle japonais, est un avion américain (un Lockheed L-12 Electra). * La musique a été composée par Kyle Eastwood, le fils du réalisateur. * Une comparaison plus judicieuse aurait pu être faite de ce film, comparé à "Sands of Iwo Jima" avec John Wayne. C'est là qu'on voit l'évolution des mentalités, d'une propagande à l'autre. Le tendre combattant japonais du film de Eastwood finit par ressembler aux soldats américains du film de 1950 John Wayne et John Agar. Le méchant, c'est toujours celui d'en face. Mais là, en l’occurrence, ce n'est pas un film japonais qui nous est montré. Niveau : Secondaire supérieur Supplément de Lettres d'Iwo Jima / Clint Eastwood Dossier pédagogique de "Lettres d'Iwo Jima" [texte imprimé] / Francis Larran, Auteur . - [S.l.] : Zérodeconduite.net : [Neuilly-sur-Seine] : Warner Bros France éd., distrib., [s.d.] . - 10 pp. --- POUR LE COURS D'HISTOIRE --- Lettres d'Iwo Jima (titre original japonais : jima kara no tegami - titre américain : Letters from Iwo Jima, précédemment Red Sun, Black Sand) est un film de guerre réalisé par Clint Eastwood et sorti au Japon le 9 décembre 2006. Il relate la bataille d'Iwo Jima du point de vue japonais. Ce film a eu une sortie limitée aux États-Unis le 20 décembre et est sorti le 21 février 2007 en France. Basé sur le livre Picture Letters from Commander in Chief du général Tadamichi Kuribayashi, joué à l'écran par Ken Watanabe, Lettres d'Iwo Jima vient en complément de "Mémoires de nos pères", également réalisé par Clint Eastwood. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias Education aux médias:Cinéma Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Sciences humaines:Histoire Education par les médias:Sciences humaines:Histoire:Epoque contemporaine (1789 à nos jours) Education par les médias:Sciences humaines:Histoire:Epoque contemporaine (1789 à nos jours):Guerre 40-45 Mots-clés : Lettres d'Iwo Jima  jima kara no tegami  Clint Eastwood  Iris Yamashita  Iris Yamashita  Paul Haggis  Picture Letters from Commander in Chief  Tadamichi Kuribayashi  Kiko Ireton  Taishiro Noizumi  Tom Minder  Quay Terry  Kyle Eastwood  Michael Stevens  Lennie Niehaus  Henry Bumstead  James J. Murakami  Gary Fettis  Michael Muscarella  Deborah Hopper  Tania McComas  Carol A. O'Connell  Tom Stern  Charles Maynes  Steven Riley  Michael Owens  Digital Domain  Buddy Van Horn  Joel Cox  Gary D. Roach  Avid  Alan Robert Murray  Bub Asman  Don Harris  Dave Arnold  Warner Bros Pictures  Dreamworks Pictures  Malpaso  Amblin Entertainment  Clint Eastwood  Steven Spielberg  Robert Lorenz  Paul Haggis  Tim Moore  Ken Watanabe  Kazunari Ninomiya  Tsuyoshi Ihara  Ryo Kase  Shidou Nakamura  Cinéma américain  Cinéma japonais  Guerre  Iwo Jima  Seconde Guerre mondial Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : « Les corps de 12 000 soldats japonais non identifiés reposent encore à Iwo Jima. Je pense qu'ils méritent un certain respect, au même titre que les soldats américains » Clint Eastwood. Le film suit l'histoire de deux bons amis servant du côté japonais lors de la bataille d'Iwo Jima, durant la Seconde Guerre mondiale. La bataille est ainsi dépeinte du côté japonais, quand le film Mémoires de nos pères présente la même bataille vue du côté américain. L'ouverture du film passée, montrant de nos jours des archéologues japonais effectuant des fouilles dans les cavernes, la transition s'effectue sur l'arrivée en 1945 du nouveau général chargé de la défense de l'île en prévision de son invasion prochaine, l'US Navy concentrant ses forces à Saipan (îles Mariannes). Lorsqu'il atterrit, les soldats sont en train de creuser des tranchées dans le sable volcanique le long des plages de l'île, improbables refuges face à la puissance de feu adverse sur le point de se déchaîner. Le lieutenant général Kuribayashi n'apprend que tardivement, de la bouche du baron Nishi, la ruine de la flotte impériale japonaise à la bataille du golfe de Leyte, ce que le Mikado a soigneusement évité d'ébruiter en cherchant à minimiser le défaitisme parmi les rangs : les deux hommes perçoivent alors, que tous les moyens de contre-attaque sont anéantis, et que la défense de l'île appelle au sacrifice de tous. Évaluant les possibilités de défense, Kuribayashi se trouve confronté à des officiers obtus qui parfois refusent ses ordres ou ne les comprennent pas : alors qu'il prône une défense des reliefs de l'île, ils préparent des tranchées sur les plages dans l'espoir de contenir le débarquement dès les premières heures. Ce n'est que lorsque la métropole demande le rapatriement des avions pour la défense ultérieure de la métropole que les officiers prennent conscience de la lutte à mort qui s'annonce, et de la vanité des préparatifs qu'ils ont engagés. Ces impressions se confirment lors de l'arrivée des navires, les Japonais estimant l'effectif des troupes débarquées à 20 000 alors que les États-Unis ont concentré sur cette opération les plus importantes forces des campagnes du Pacifique (100 000 Marines embarqués sur 880 navires). Note de contenu : Alors que le film symétrique Mémoires de nos pères était formé d'allers-retours incessants des combats sur l'île aux vies des soldats en Amérique après la guerre, Lettres d'Iwo Jima utilise une structure linéaire ; les seuls moments qui rompent cette linéarité sont les réminiscences des soldats, montrées par des séquences qui évoquent la façon dont ils ressentent le conflit contre les Américains. Le tout s'appuie sur une musique de piano. Outre leur structure, les deux films de Clint Eastwood sur Iwo Jima se distinguent par le message qu'ils font passer. * le premier montrait l'avènement d'une stratégie de propagande « en cours de constitution » basée sur l'exploitation par le politique de la photo des marines hissant le drapeau sur le mont Suribachi. Le contraste consistait pour Eastwood à faire apparaître le désarroi vécu par les protagonistes, provenant du décalage entre l'épreuve du feu lors de la prise de l'île et les témoignages de bravoure qui leur sont demandés au pays afin de susciter une levée de fonds par souscription populaire pour financer la guerre. * le second montre, chez les individus japonais civils comme militaires, l'effet qu'a produit une propagande « déjà installée » et orchestrée par l'État sur plusieurs années, basée sur le nationalisme, l'exaltation impériale et le sentiment de supériorité. Ces éléments réductibles au gimmick « la victoire ou la mort » prennent un sens prégnant à la veille de l'arrivée des envahisseurs sur le sol national, sens tout à fait précis dans le contexte culturel japonais : il appelle au sacrifice personnel par seppuku ou tout autre moyen pour éviter la honte de n'avoir su défendre sa position. Cette fois, sur le plan individuel des protagonistes, le conflit est aussi intérieur puisqu'ils doivent se situer par rapport à ce poids collectif sollicitant leur suicide ou une charge à l'ennemi droit sur une mort certaine ; peu surmontent la honte de la reddition afin de tenter de survivre à ces instants critiques. La mise en scène de deux films donnant les perspectives adverses sur le plan subjectif est sans précédent parmi les productions hollywoodiennes ; la critique a d'ailleurs encensé la démarche en avançant qu'Eastwood avait réalisé le film sur l'Histoire du Japon que le cinéma japonais n'avait jamais osé faire. Le point de jonction des deux films a bien sûr lieu au moment de tension lors de la scène clé du débarquement, lorsqu'au bout des jumelles du général Kuribayashi retranché, c'est l'autre film qui se déroule. Le développement des deux personnages, le général Kuribayashi et le baron Nishi, par le biais de leurs histoires antérieures, illustre la vanité de cette situation de guerre qui va les voir périr. Tous deux ont eu des liens étroits avec les États-Unis : l'un lors des rapprochements des deux états-majors de part et d'autre du Pacifique dans les années trente, l'autre à l'occasion de sa participation aux J.O. de Los Angeles de 1932, et le souvenir de son cheval de concours hippique, Uranus. Sans renier leur engagement envers l'Empire, ils ne trouvent aucun objectif à cette opposition à leurs amis d'hier. * L'avion qui amène le général Kuribayashi, censé être un modèle japonais, est un avion américain (un Lockheed L-12 Electra). * La musique a été composée par Kyle Eastwood, le fils du réalisateur. * Une comparaison plus judicieuse aurait pu être faite de ce film, comparé à "Sands of Iwo Jima" avec John Wayne. C'est là qu'on voit l'évolution des mentalités, d'une propagande à l'autre. Le tendre combattant japonais du film de Eastwood finit par ressembler aux soldats américains du film de 1950 John Wayne et John Agar. Le méchant, c'est toujours celui d'en face. Mais là, en l’occurrence, ce n'est pas un film japonais qui nous est montré. Niveau : Secondaire supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
303694	19 H.1.04339/25	Dossier pédagogique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Dossier pédagogique de "La mort aux trousses" / Jean-Philippe Tessé

Public ISBD Accompagne La mort aux trousses / Alfred Hitchcock Titre : Dossier pédagogique de "La mort aux trousses" Type de document : texte imprimé Auteurs : Jean-Philippe Tessé, Auteur Editeur : Paris : CNC Année de publication : 2008 Importance : 22 pp. Note générale : La Mort aux trousses (North By Northwest) est un film américain réalisé par Alfred Hitchcock et sorti en 1959. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias Education aux médias:Cinéma Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Sciences humaines:Education aux médias Mots-clés : La Mort aux trousses  North by Northwest  Alfred Hitchcock  Ernest Lehman  Bernard Herrmann  William A. Horning  Merrill Pye  Robert Boyle  Henry Grace  Franck McKelvey  William Tuttle  Sydney Guilaroff  Robert Burks  Franklin Milton  A. Arnold Gillespie  Lee LeBlanc  George Tomasini  Herbert Coleman  Metro-Goldwyn-Mayer  Loew's Incorporated  Cary Grant  Michel Roux  Eva Marie Saint  Nelly Benedetti  James Mason  Jacques Dacqmine  Jessie Royce Landis  Hélène Tossy  Leo G. Carroll  Jean-Henri Chambois  Josephine Hutchinson  Philip Ober  Martin Landau  Jacques Plée  Cinéma américain Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Roger Thornhill, un publicitaire new-yorkais, a un rendez-vous d'affaires à l'hôtel Plaza. Mais il y est kidnappé à la suite d'un malentendu : ses ravisseurs le prennent pour un certain George Kaplan. Thornhill est amené dans la somptueuse maison de Mr Townsend. Il fait la rencontre de ce dernier, qui est bien persuadé d'avoir enlevé George Kaplan. Refusant de coopérer avec ses ravisseurs, l'assistant de Mr Townsend, Leonard, fait avaler à Thornhill une bouteille entière de whisky. Puis, aidé d'un autre sbire de Townsend, il met Thornhill dans une voiture volée, et pousse celle-ci en direction d'un ravin afin de faire croire à un accident. Mais Roger Thornhill, qui réussit à reprendre ses esprits, empêche la chute mortelle dans le ravin et roule, jusqu'à ce qu'il se fasse arrêter par la police. En état d'ébriété, il passe la nuit dans une cellule. Le lendemain, personne ne croit à son histoire, pas même sa mère. Les enquêteurs se rendent à la maison de Mr Townsend. La femme de celui-ci les informe que son mari tient l'après-midi même un discours aux Nations-Unies. Les enquêteurs sont alors persuadés que Thornhill ment. Mais le publicitaire, bien déterminé à prouver son innocence, se rend à l'hôtel Plaza dans la chambre de George Kaplan. Après avoir interrogé le personnel, il se rend compte que personne n'avait jamais vu le mystérieux Kaplan. Après avoir réussi une fois de plus à échapper aux sbires de Townsend, Roger Thornhill se rend aux Nations-Unies. Il y demande à rencontrer Mr Townsend, mais quelle n'est pas sa surprise : ce n'est pas le même homme que la veille au soir. Au moment où la vérité saute aux yeux de Thornhill (l'homme qui occupait la maison de Townsend n'était pas Townsend, mais le dangereux malfaiteur Philip Vandamm), le vrai Mr Townsend est poignardé par un sbire de Vandamm et tombe dans les bras de Thornhill, immédiatement accusé. Il s'enfuit à la gare et monte dans un train pour Chicago, poursuivi par la police. Une séduisante blonde l'aide alors à se cacher. Thornhill la retrouve au wagon-restaurant. Elle s'appelle Eve Kendall. Les deux tombent sous le charme. Eve Kendall cache Kaplan dans son compartiment, où elle embrasse Thornhill langoureusement. Mais un petit mot arrivant dans les mains de Vandamm ("Qu'est-ce que je fais de lui demain matin ? Eve") fait comprendre qu'elle est en fait liée aux méchants. Au matin, le train arrive en gare de LaSalle à Chicago. Thornhill, déguisé, va se changer aux toilettes pendant qu'Eve téléphone à George Kaplan pour qu'il prenne rendez-vous avec Thornhill. La jeune femme remet à Thornhill les instructions de Kaplan, que le new-yorkais suit à la lettre pour se retrouver dans une immense prairie peu fréquentée. Mais personne n'est au rendez-vous... C'est alors qu'un petit avion attaque Thornhill, qui se réfugie dans un champ de maïs. L'avion largue alors des produits chimiques sur le champ, et Thornhill est forcé de sortir. Coup de chance, un camion transportant de l'essence passe. Il s'arrête au dernier moment et renverse Thornhill. L'avion percute alors le camion, provoquant une immense explosion. Thornhill vole la voiture de témoins de la scène et retourne vers Chicago. Il se rend à l'Hôtel Ambassador. Mais au lieu d'y trouver Kaplan, il trouve Eve Kendall, qui semble surprise de le voir vivant. Kendall s'échappe pendant que Thornhill fait mine de prendre une douche. Ce dernier avait réussi à récupérer l'adresse d'une salle des ventes, où Eve Kendall est allée. Il la retrouve alors avec Vandamm, et comprend que le malfaiteur s'est servi d'elle pour provoquer sa mort. Mais Vandamm est bien décidé à ne pas laisser partir Thornhill, qui doit donc simuler d'être un dérangé mental pour se faire évacuer par la police. Les policiers reçoivent l'instruction d'emmener Thornhill à l'aéroport, où les attend le Professeur, chef de la CIA. Il révèle à Thornhill qu'Eve Kendall travaille en fait pour le compte de la CIA et est donc un agent double, et que le personnage de George Kaplan est en fait un leurre destiné à tromper Vandamm... Les deux hommes s'envolent pour Rapid City, dans le Dakota. Dans une cafeteria du Mont Rushmore, où Thornhill qui continue à personnifier Kaplan a donné rendez-vous à Vandamm et Kendall, cette-dernière tire sur Thornhill avec un faux pistolet pour enlever les soupçons qui pesaient sur elle. Thornhill et Kendall se retrouvent alors un peu plus loin, dans une forêt, et Thornhill, après s'être excusé, apprend que Eve va accompagner Vandamm dans sa fuite en avion le soir-même. Thornhill se retrouve dans un hôpital, d'où il s'enfuit pour la maison de Vandamm dans le but d'empêcher Eve de partir. Espionnant, il surprend une conversation entre Vandamm et Leonard. Ce-dernier a tout compris : le rôle d'agent double d'Eve et la mise en scène du Mont Rushmore. Vandamm décide de l'emmener quand même avec lui, dans le but de la supprimer au-dessus de l'océan... Thornhill réussit à la prévenir, et au moment de monter dans l'avion, elle s'empare de la statuette qui contient des microfilms que Vandamm trafique, et s'enfuit en voiture avec Thornhill. Mais la grille de la propriété étant fermée, et les sbires de Vandamm étant à leurs trousses, les deux n'ont d'autre choix que de fuir en descendant le monument du Mont Rushmore. Après de périlleuses péripéties et l'arrestation de Vandamm, Thornhill et Kendall rentrent à New-York par le train qu'ils avaient pris à l'aller. Note de contenu : * Caméo : Hitchcock rate son bus, à la deuxième minute du film. * La Mort aux trousses contient quelques scènes d'anthologie, dont la moindre n'est pas celle où Thornhill (Grant) pense avoir rendez-vous avec l'agent fantôme Kaplan en rase campagne. Au lieu de la rencontre qu'il prévoyait, il se retrouve être la proie d'un petit avion dont les occupants finissent par le mitrailler. La séquence entière constitue un condensé de l'art et du génie du réalisateur. * Une petite erreur s'est glissée dans le film : lors de la scène se déroulant dans le restaurant jouxtant le Mont Rushmore, on peut voir un jeune figurant se boucher les oreilles déjà quelques secondes avant que le coup de feu ne soit tiré… (Destination Hitchcock : le "Making of" de La Mort aux Trousses (en bonus dans le DVD) - Turner Entertainement - 2000) Dessin d'une partie de la façade Est de la maison * La maison de Vandamm que l'on voit à la fin du film n'est pas une maison de Frank Lloyd Wright. Elle a été conçue par l'équipe de décorateurs du film à la demande du cinéaste. En effet, suite à une expérience frustrante (il avait demandé 10 % du budget d'un film pour en concevoir les projets architecturaux), Wright refusait de travailler pour le cinéma. La maison n'a jamais existé, il s'agit d'un décor partiel construit dans la campagne près des studios et inséré en matte painting dans les plans de paysages. Une légende tenace veut pourtant que l'on attribue cette maison à Wright qui avait 92 ans au moment du tournage. Elle est néanmoins inspirée de la maison de la cascade. * La séquence ayant pour décors les statues sculptées dans la montagne est censée se dérouler au Mont Rushmore, dans le Dakota du Sud. En fait, la majeure partie a été tournée en studio et les détails des statues ont été reconstitués. (Destination Hitchcock : le "Making of" de La Mort aux Trousses (en bonus dans le DVD) - Turner Entertainement - 2000) * La scène finale, dans laquelle les deux héros se retrouvent dans le train fonçant dans un tunnel et consomment leur amour est une des plus célèbres du cinéma, grâce à l'ultime plan du film symbolisant par une ellipse visuelle l'acte sexuel afin de contourner le code Hays. D'après Bill Krohn, devant l'insistance des producteurs à mettre dans la bouche de Cary Grant / Thornhill une réplique indiquant qu'il allait épouser Eva Marie Saint (Come on, Mrs Thornhill !), Hitchcock, légèrement irrité par ce respect des convenances, décida d'introduire ce plan symbolique — le seul de sa carrière, avoua-t-il à François Truffaut. * Depuis l'année scolaire 2007-2008, la Mort aux Trousses d'Alfred Hitchcock est au programme du Baccalauréat littéraire option cinéma audiovisuel et aux autres Baccalauréats en option Musique. * Le scénario est en partie inspiré d'une histoire vraie : l'affaire dite « Galindez », un professeur enlevé en plein milieu de New York. * Cary Grant ne voulait plus tourner et disait avoir pris sa retraite lorsque Hitchcock le supplia de venir faire le film. Il accepta mais fut quelque peu déboussolé par un tournage qui lui semblait ne pas avoir de sens, et demanda à plusieurs reprises à Hitchcock s'il savait exactement ce qu'il faisait. Après l'immense succès du film, Cary Grant, rencontrant par hasard Hitchcock à la cafétéria des studios MGM, se prosterna à ses pieds devant tout le monde et se répandit en salutations à l'orientale, remerciant ainsi le maître du suspens de lui avoir donné un si beau rôle. Niveau : secondaire supérieur Accompagne La mort aux trousses / Alfred Hitchcock Dossier pédagogique de "La mort aux trousses" [texte imprimé] / Jean-Philippe Tessé, Auteur . - Paris : CNC, 2008 . - 22 pp. La Mort aux trousses (North By Northwest) est un film américain réalisé par Alfred Hitchcock et sorti en 1959. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias Education aux médias:Cinéma Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Sciences humaines:Education aux médias Mots-clés : La Mort aux trousses  North by Northwest  Alfred Hitchcock  Ernest Lehman  Bernard Herrmann  William A. Horning  Merrill Pye  Robert Boyle  Henry Grace  Franck McKelvey  William Tuttle  Sydney Guilaroff  Robert Burks  Franklin Milton  A. Arnold Gillespie  Lee LeBlanc  George Tomasini  Herbert Coleman  Metro-Goldwyn-Mayer  Loew's Incorporated  Cary Grant  Michel Roux  Eva Marie Saint  Nelly Benedetti  James Mason  Jacques Dacqmine  Jessie Royce Landis  Hélène Tossy  Leo G. Carroll  Jean-Henri Chambois  Josephine Hutchinson  Philip Ober  Martin Landau  Jacques Plée  Cinéma américain Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Roger Thornhill, un publicitaire new-yorkais, a un rendez-vous d'affaires à l'hôtel Plaza. Mais il y est kidnappé à la suite d'un malentendu : ses ravisseurs le prennent pour un certain George Kaplan. Thornhill est amené dans la somptueuse maison de Mr Townsend. Il fait la rencontre de ce dernier, qui est bien persuadé d'avoir enlevé George Kaplan. Refusant de coopérer avec ses ravisseurs, l'assistant de Mr Townsend, Leonard, fait avaler à Thornhill une bouteille entière de whisky. Puis, aidé d'un autre sbire de Townsend, il met Thornhill dans une voiture volée, et pousse celle-ci en direction d'un ravin afin de faire croire à un accident. Mais Roger Thornhill, qui réussit à reprendre ses esprits, empêche la chute mortelle dans le ravin et roule, jusqu'à ce qu'il se fasse arrêter par la police. En état d'ébriété, il passe la nuit dans une cellule. Le lendemain, personne ne croit à son histoire, pas même sa mère. Les enquêteurs se rendent à la maison de Mr Townsend. La femme de celui-ci les informe que son mari tient l'après-midi même un discours aux Nations-Unies. Les enquêteurs sont alors persuadés que Thornhill ment. Mais le publicitaire, bien déterminé à prouver son innocence, se rend à l'hôtel Plaza dans la chambre de George Kaplan. Après avoir interrogé le personnel, il se rend compte que personne n'avait jamais vu le mystérieux Kaplan. Après avoir réussi une fois de plus à échapper aux sbires de Townsend, Roger Thornhill se rend aux Nations-Unies. Il y demande à rencontrer Mr Townsend, mais quelle n'est pas sa surprise : ce n'est pas le même homme que la veille au soir. Au moment où la vérité saute aux yeux de Thornhill (l'homme qui occupait la maison de Townsend n'était pas Townsend, mais le dangereux malfaiteur Philip Vandamm), le vrai Mr Townsend est poignardé par un sbire de Vandamm et tombe dans les bras de Thornhill, immédiatement accusé. Il s'enfuit à la gare et monte dans un train pour Chicago, poursuivi par la police. Une séduisante blonde l'aide alors à se cacher. Thornhill la retrouve au wagon-restaurant. Elle s'appelle Eve Kendall. Les deux tombent sous le charme. Eve Kendall cache Kaplan dans son compartiment, où elle embrasse Thornhill langoureusement. Mais un petit mot arrivant dans les mains de Vandamm ("Qu'est-ce que je fais de lui demain matin ? Eve") fait comprendre qu'elle est en fait liée aux méchants. Au matin, le train arrive en gare de LaSalle à Chicago. Thornhill, déguisé, va se changer aux toilettes pendant qu'Eve téléphone à George Kaplan pour qu'il prenne rendez-vous avec Thornhill. La jeune femme remet à Thornhill les instructions de Kaplan, que le new-yorkais suit à la lettre pour se retrouver dans une immense prairie peu fréquentée. Mais personne n'est au rendez-vous... C'est alors qu'un petit avion attaque Thornhill, qui se réfugie dans un champ de maïs. L'avion largue alors des produits chimiques sur le champ, et Thornhill est forcé de sortir. Coup de chance, un camion transportant de l'essence passe. Il s'arrête au dernier moment et renverse Thornhill. L'avion percute alors le camion, provoquant une immense explosion. Thornhill vole la voiture de témoins de la scène et retourne vers Chicago. Il se rend à l'Hôtel Ambassador. Mais au lieu d'y trouver Kaplan, il trouve Eve Kendall, qui semble surprise de le voir vivant. Kendall s'échappe pendant que Thornhill fait mine de prendre une douche. Ce dernier avait réussi à récupérer l'adresse d'une salle des ventes, où Eve Kendall est allée. Il la retrouve alors avec Vandamm, et comprend que le malfaiteur s'est servi d'elle pour provoquer sa mort. Mais Vandamm est bien décidé à ne pas laisser partir Thornhill, qui doit donc simuler d'être un dérangé mental pour se faire évacuer par la police. Les policiers reçoivent l'instruction d'emmener Thornhill à l'aéroport, où les attend le Professeur, chef de la CIA. Il révèle à Thornhill qu'Eve Kendall travaille en fait pour le compte de la CIA et est donc un agent double, et que le personnage de George Kaplan est en fait un leurre destiné à tromper Vandamm... Les deux hommes s'envolent pour Rapid City, dans le Dakota. Dans une cafeteria du Mont Rushmore, où Thornhill qui continue à personnifier Kaplan a donné rendez-vous à Vandamm et Kendall, cette-dernière tire sur Thornhill avec un faux pistolet pour enlever les soupçons qui pesaient sur elle. Thornhill et Kendall se retrouvent alors un peu plus loin, dans une forêt, et Thornhill, après s'être excusé, apprend que Eve va accompagner Vandamm dans sa fuite en avion le soir-même. Thornhill se retrouve dans un hôpital, d'où il s'enfuit pour la maison de Vandamm dans le but d'empêcher Eve de partir. Espionnant, il surprend une conversation entre Vandamm et Leonard. Ce-dernier a tout compris : le rôle d'agent double d'Eve et la mise en scène du Mont Rushmore. Vandamm décide de l'emmener quand même avec lui, dans le but de la supprimer au-dessus de l'océan... Thornhill réussit à la prévenir, et au moment de monter dans l'avion, elle s'empare de la statuette qui contient des microfilms que Vandamm trafique, et s'enfuit en voiture avec Thornhill. Mais la grille de la propriété étant fermée, et les sbires de Vandamm étant à leurs trousses, les deux n'ont d'autre choix que de fuir en descendant le monument du Mont Rushmore. Après de périlleuses péripéties et l'arrestation de Vandamm, Thornhill et Kendall rentrent à New-York par le train qu'ils avaient pris à l'aller. Note de contenu : * Caméo : Hitchcock rate son bus, à la deuxième minute du film. * La Mort aux trousses contient quelques scènes d'anthologie, dont la moindre n'est pas celle où Thornhill (Grant) pense avoir rendez-vous avec l'agent fantôme Kaplan en rase campagne. Au lieu de la rencontre qu'il prévoyait, il se retrouve être la proie d'un petit avion dont les occupants finissent par le mitrailler. La séquence entière constitue un condensé de l'art et du génie du réalisateur. * Une petite erreur s'est glissée dans le film : lors de la scène se déroulant dans le restaurant jouxtant le Mont Rushmore, on peut voir un jeune figurant se boucher les oreilles déjà quelques secondes avant que le coup de feu ne soit tiré… (Destination Hitchcock : le "Making of" de La Mort aux Trousses (en bonus dans le DVD) - Turner Entertainement - 2000) Dessin d'une partie de la façade Est de la maison * La maison de Vandamm que l'on voit à la fin du film n'est pas une maison de Frank Lloyd Wright. Elle a été conçue par l'équipe de décorateurs du film à la demande du cinéaste. En effet, suite à une expérience frustrante (il avait demandé 10 % du budget d'un film pour en concevoir les projets architecturaux), Wright refusait de travailler pour le cinéma. La maison n'a jamais existé, il s'agit d'un décor partiel construit dans la campagne près des studios et inséré en matte painting dans les plans de paysages. Une légende tenace veut pourtant que l'on attribue cette maison à Wright qui avait 92 ans au moment du tournage. Elle est néanmoins inspirée de la maison de la cascade. * La séquence ayant pour décors les statues sculptées dans la montagne est censée se dérouler au Mont Rushmore, dans le Dakota du Sud. En fait, la majeure partie a été tournée en studio et les détails des statues ont été reconstitués. (Destination Hitchcock : le "Making of" de La Mort aux Trousses (en bonus dans le DVD) - Turner Entertainement - 2000) * La scène finale, dans laquelle les deux héros se retrouvent dans le train fonçant dans un tunnel et consomment leur amour est une des plus célèbres du cinéma, grâce à l'ultime plan du film symbolisant par une ellipse visuelle l'acte sexuel afin de contourner le code Hays. D'après Bill Krohn, devant l'insistance des producteurs à mettre dans la bouche de Cary Grant / Thornhill une réplique indiquant qu'il allait épouser Eva Marie Saint (Come on, Mrs Thornhill !), Hitchcock, légèrement irrité par ce respect des convenances, décida d'introduire ce plan symbolique — le seul de sa carrière, avoua-t-il à François Truffaut. * Depuis l'année scolaire 2007-2008, la Mort aux Trousses d'Alfred Hitchcock est au programme du Baccalauréat littéraire option cinéma audiovisuel et aux autres Baccalauréats en option Musique. * Le scénario est en partie inspiré d'une histoire vraie : l'affaire dite « Galindez », un professeur enlevé en plein milieu de New York. * Cary Grant ne voulait plus tourner et disait avoir pris sa retraite lorsque Hitchcock le supplia de venir faire le film. Il accepta mais fut quelque peu déboussolé par un tournage qui lui semblait ne pas avoir de sens, et demanda à plusieurs reprises à Hitchcock s'il savait exactement ce qu'il faisait. Après l'immense succès du film, Cary Grant, rencontrant par hasard Hitchcock à la cafétéria des studios MGM, se prosterna à ses pieds devant tout le monde et se répandit en salutations à l'orientale, remerciant ainsi le maître du suspens de lui avoir donné un si beau rôle. Niveau : secondaire supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
303693	19 H.1.04339/24	Dossier pédagogique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Dossier pédagogique de "Persépolis" / Carole Wrona

Public ISBD Supplément de Persepolis / Marjane Satrapi  Titre : Dossier pédagogique de "Persépolis" Type de document : texte imprimé Auteurs : Carole Wrona, Auteur Editeur : Paris : CNC Année de publication : 2008 Importance : 27 pp. Note générale : Persepolis est un long métrage d'animation français de Vincent Paronnaud et Marjane Satrapi sorti en France le 27 juin 2007. Le film s'inspire de Persepolis, la bande dessinée autobiographique de Marjane Satrapi. Présenté dans la sélection officielle du Festival de Cannes 2007, le film y a obtenu le prix du jury ex æquo avec Lumière silencieuse de Carlos Reygadas. La république islamique d'Iran s'est inquiétée de la sélection de ce film présentant ce qu'elle estime être « un tableau irréel des conséquences et des réussites de la révolution islamique » et en a diffusé une version censurée. Le film a été nommé pour l'Oscar du meilleur film d'animation 2007. Persepolis fut également interdit de diffusion au Liban fin mars 2008 durant un temps, avant que la polémique nationale n'aboutisse à la levée de cette interdiction. Suite à la diffusion du film en Tunisie le 9 octobre 2011, environ 200 salafistes ont tenté de brûler l'immeuble qu'occupe la chaîne de télévision Nessma avant de s'attaquer au domicile de son PDG, Nabil Karoui, quelques jours plus tard. Toutefois une manipulation en provenance des services de sécurité en cette période de campagne électorale n'est pas à exclure. Programmé à la Cinémathèque de Tanger qui accueille les 25 ans de la Fondation Groupama Gan pour le cinéma, un festival de grande qualité, "Persepolis" avait reçu le visa d’exploitation du Centre cinématographique marocain (CCM) – équivalent du CNC français – et devait être projeté à trois reprises en juillet 2012. Toutefois, et sans la moindre explication, la Cinémathèque de Tanger a annulé les projections prévues du film de Marjane Satrapi, le long-métrage est remplacé par « Séminaire du manifeste des voleurs » et « Une vie de chat ». Le film a disparu du site internet de la Cinémathèque de Tanger. Distinctions : * 2007 : Prix spécial du jury du Festival de Cannes 2007 (ex-aequo avec Lumière silencieuse de Carlos Reygadas) * 2007 : Sélection officielle pour la Palme d'or * 2007 : Prix spécial du jury au Cinemanila International Film Festival * 2008 : Prix des auditeurs de l'émission radiophonique Masque et la Plume * 2008 : Meilleur premier film lors de la cérémonie des Césars 2008 * 2008 : César de la Meilleure adaptation lors de la cérémonie des Césars 2008. * 2008 : Nommé aux Oscars du cinéma 2008 dans la catégorie meilleur film d'animation (mais l'oscar est remporté par le film Ratatouille). * 2008 : Palme dog (ex-aequo) pour le chien Yuki. * 2008 : Globes de Cristal meilleur film Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Persepolis  Vincent Paronnaud  Marjane Satrapi  Sylvie Peyrucq  Xavier Rigault  Marc-Antoine Robert  Marisa Musy  Olivier Bernet  Stéphane Roche  Chiara Mastroianni  Catherine Deneuve  Danielle Darrieux  Simon Abkarian  Gabrielle Lopes Benites  François Jerosme  Tilly Mandelbrot  Sean Penn  Gena Rowlands  Iggy Pop  Cinéma animation  Dessin animé  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Téhéran, 1978 : Marjane, huit ans, songe à l'avenir et se rêve en prophète sauvant le monde. Choyée par des parents modernes et cultivés, particulièrement liée à sa grand-mère, elle suit avec exaltation les événements qui vont mener à la révolution et provoquer la chute du régime du Chah. Avec l'instauration de la « République islamique » débute le temps des « commissaires de la révolution » qui contrôlent tenues et comportements. Marjane, qui doit porter le voile, se rêve désormais en révolutionnaire. Bientôt, la guerre contre l'Irak entraîne bombardements, privations, et disparitions de proches. La répression intérieure devient chaque jour plus sévère. Dans un contexte de plus en plus pénible, sa langue bien pendue et ses positions rebelles deviennent problématiques. Ses parents décident alors de l'envoyer en Autriche pour la protéger. À Vienne, Marjane vit à quatorze ans sa deuxième révolution : l'adolescence, la liberté, les vertiges de l'amour mais aussi l'exil, la solitude et la différence. Note de contenu : Interdit par le régime des mollahs en Iran et stupidement censuré au Liban où il s’achète sous le manteau pour 2$, le film d’animation « Persépolis » de Marjane Satrapi perpétue ainsi l’histoire qu’il raconte, celle de l’universalité du comportement des êtres en situation de crise. Comment expliquer un tel succès pour un film d’animation et autobiographique qui raconte l’histoire de Marjane, de petite fille à femme, plongée au cœur des crises qui ont secoué la lointaine et étrangère Iran ? Probablement par cette volonté d’universalité voulue par Marjane Satrapi « le dessin, par son côté abstrait, rend le propos universel » déclare-t-elle avant d’ajouter sans ambages « l’image réelle aurait donné un côté film de bougnoules.» En désincarnant les personnages, en évitant soigneusement le pathos de l’horreur, elle nous fait ainsi grâce de nos propres turpitudes : sans image typée, chacun peut reconnaître une part de lui-même dans Persépolis. Universel également car c’est du particulier, de la singularité que nait l’universalité. L’anecdote vaut ici mille exposés savants qui s’égareraient dans les limbes anecdotiques. Et cette histoire universelle qui nous est conté est celle du choix en situation de crise. Car malgré les bombardements et le million de morts de la guerre Irak - Iran, malgré l’enfermement idéologique imposé par les mollahs, malgré le carcan des gardiens de la révolution, malgré la dépression qui étouffe un temps Marjane, les personnages du film se glissent dans chaque espace de liberté vacant, profitant du moindre souffle de vie. Universel, encore, grâce à la grand-mère, personnage attachant et tellement libre qu’il bouscule les conventions européennes qui nous semblent subitement moralisantes. Pour cette grand-mère, rien n’est grave sinon la mort et lorsque Marjane lui annonce en pleurs qu’elle va divorcer, la réponse de l’Iranienne est cinglante pour le convenu « ce n’est que ça ? » Car les crises nous apparaissent ici comme autant de conventions, d’arbitrages entre volonté et réalité. C’est ainsi que lors d’un long séjour à Vienne à l’abri des bombes, Marjane perd sa liberté en s’enfermant dans la mémoire d’une trahison amoureuse. Il lui faudra paradoxalement retourner en Iran pour retrouver son libre arbitre, même si le film permet de mesurer la force et le courage nécessaire pour regagner cette liberté. Car Persépolis nous rappelle que la liberté n’est pas uniquement le fait d’espaces, mais le fruit de la volonté. C’est ainsi que les personnages européens, une bande de punks, semblent ne plus savoir quoi faire de la liberté qui leur est accordée, se compromettent dans des superficialités qui deviennent autant de prisons : pour l’auteur, ce n’est pas le monde qui fait obstacle à la liberté, ni même la pesanteur du destin, mais soi. Mais ce film qui est tout sauf moraliste donne une limite à cette liberté : l’intégrité. C’est ainsi qu’ayant dénoncé un inconnu pour échapper aux gardiens de la révolution, Marjane se trouve face à sa grand-mère en rage qui lui rappelle toute l’importance de l’intégrité. Marjane qui se défend « Je n’avais pas le choix…» reçoit pour réponse définitive « On a toujours le choix ! » Universel, aussi, lorsque le film ridiculise l’autorité des mollahs et les gardiens de la morale islamique. Sur ce plan les moralistes autoritaires de tous poils, que l’on voit resurgir au détour des crises, peuvent retourner dans le placard qu’ils n’auraient jamais du quitter. Car l’autorité nous est montrée sous le visage de l’absurdité la plus cruelle et Persépolis nous rappelle que la morale d’Etat, fait du roi, confine forcément au ridicule. C’est ainsi qu’il nous est narré que faute de pouvoir tuer une vierge, il est d’usage de la marier de force afin de l’exécuter ensuite : ainsi l’autorité peut s’exercer tout en sauvegardant la morale. Et l’auteur de s’en emparer pour les tourner en dérision. Les mollahs et autres gardiens de la morale ont le pouvoir de faire régner la terreur et de tuer ? Qu’importe, Marjane les résume pour mieux les réduire à leur sombre condition : « Des cons. » Universel enfin, car Persépolis nous rappelle que toute crise, même la plus épouvantable, révèle une part d’opportunité. Ici Marjane, devenue femme, décide de s’approprier la crise pour en sortir grandie. L’instant est important. Il est symbolisé par une promesse faîte sur la tombe de son oncle « Je serai intègre. » Et Marjane Satrapi, l’auteur, de faire de cette crise le prétexte de Persépolis, devenu déjà un classique, qui nous permet à chacun de grandir. Persépolis n’est pas un film, c’est un accomplissement. Résilience oblige. Niveau : Secondaire supérieur Supplément de Persepolis / Marjane Satrapi  Dossier pédagogique de "Persépolis" [texte imprimé] / Carole Wrona, Auteur . - Paris : CNC, 2008 . - 27 pp. Persepolis est un long métrage d'animation français de Vincent Paronnaud et Marjane Satrapi sorti en France le 27 juin 2007. Le film s'inspire de Persepolis, la bande dessinée autobiographique de Marjane Satrapi. Présenté dans la sélection officielle du Festival de Cannes 2007, le film y a obtenu le prix du jury ex æquo avec Lumière silencieuse de Carlos Reygadas. La république islamique d'Iran s'est inquiétée de la sélection de ce film présentant ce qu'elle estime être « un tableau irréel des conséquences et des réussites de la révolution islamique » et en a diffusé une version censurée. Le film a été nommé pour l'Oscar du meilleur film d'animation 2007. Persepolis fut également interdit de diffusion au Liban fin mars 2008 durant un temps, avant que la polémique nationale n'aboutisse à la levée de cette interdiction. Suite à la diffusion du film en Tunisie le 9 octobre 2011, environ 200 salafistes ont tenté de brûler l'immeuble qu'occupe la chaîne de télévision Nessma avant de s'attaquer au domicile de son PDG, Nabil Karoui, quelques jours plus tard. Toutefois une manipulation en provenance des services de sécurité en cette période de campagne électorale n'est pas à exclure. Programmé à la Cinémathèque de Tanger qui accueille les 25 ans de la Fondation Groupama Gan pour le cinéma, un festival de grande qualité, "Persepolis" avait reçu le visa d’exploitation du Centre cinématographique marocain (CCM) – équivalent du CNC français – et devait être projeté à trois reprises en juillet 2012. Toutefois, et sans la moindre explication, la Cinémathèque de Tanger a annulé les projections prévues du film de Marjane Satrapi, le long-métrage est remplacé par « Séminaire du manifeste des voleurs » et « Une vie de chat ». Le film a disparu du site internet de la Cinémathèque de Tanger. Distinctions : * 2007 : Prix spécial du jury du Festival de Cannes 2007 (ex-aequo avec Lumière silencieuse de Carlos Reygadas) * 2007 : Sélection officielle pour la Palme d'or * 2007 : Prix spécial du jury au Cinemanila International Film Festival * 2008 : Prix des auditeurs de l'émission radiophonique Masque et la Plume * 2008 : Meilleur premier film lors de la cérémonie des Césars 2008 * 2008 : César de la Meilleure adaptation lors de la cérémonie des Césars 2008. * 2008 : Nommé aux Oscars du cinéma 2008 dans la catégorie meilleur film d'animation (mais l'oscar est remporté par le film Ratatouille). * 2008 : Palme dog (ex-aequo) pour le chien Yuki. * 2008 : Globes de Cristal meilleur film Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Persepolis  Vincent Paronnaud  Marjane Satrapi  Sylvie Peyrucq  Xavier Rigault  Marc-Antoine Robert  Marisa Musy  Olivier Bernet  Stéphane Roche  Chiara Mastroianni  Catherine Deneuve  Danielle Darrieux  Simon Abkarian  Gabrielle Lopes Benites  François Jerosme  Tilly Mandelbrot  Sean Penn  Gena Rowlands  Iggy Pop  Cinéma animation  Dessin animé  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Téhéran, 1978 : Marjane, huit ans, songe à l'avenir et se rêve en prophète sauvant le monde. Choyée par des parents modernes et cultivés, particulièrement liée à sa grand-mère, elle suit avec exaltation les événements qui vont mener à la révolution et provoquer la chute du régime du Chah. Avec l'instauration de la « République islamique » débute le temps des « commissaires de la révolution » qui contrôlent tenues et comportements. Marjane, qui doit porter le voile, se rêve désormais en révolutionnaire. Bientôt, la guerre contre l'Irak entraîne bombardements, privations, et disparitions de proches. La répression intérieure devient chaque jour plus sévère. Dans un contexte de plus en plus pénible, sa langue bien pendue et ses positions rebelles deviennent problématiques. Ses parents décident alors de l'envoyer en Autriche pour la protéger. À Vienne, Marjane vit à quatorze ans sa deuxième révolution : l'adolescence, la liberté, les vertiges de l'amour mais aussi l'exil, la solitude et la différence. Note de contenu : Interdit par le régime des mollahs en Iran et stupidement censuré au Liban où il s’achète sous le manteau pour 2$, le film d’animation « Persépolis » de Marjane Satrapi perpétue ainsi l’histoire qu’il raconte, celle de l’universalité du comportement des êtres en situation de crise. Comment expliquer un tel succès pour un film d’animation et autobiographique qui raconte l’histoire de Marjane, de petite fille à femme, plongée au cœur des crises qui ont secoué la lointaine et étrangère Iran ? Probablement par cette volonté d’universalité voulue par Marjane Satrapi « le dessin, par son côté abstrait, rend le propos universel » déclare-t-elle avant d’ajouter sans ambages « l’image réelle aurait donné un côté film de bougnoules.» En désincarnant les personnages, en évitant soigneusement le pathos de l’horreur, elle nous fait ainsi grâce de nos propres turpitudes : sans image typée, chacun peut reconnaître une part de lui-même dans Persépolis. Universel également car c’est du particulier, de la singularité que nait l’universalité. L’anecdote vaut ici mille exposés savants qui s’égareraient dans les limbes anecdotiques. Et cette histoire universelle qui nous est conté est celle du choix en situation de crise. Car malgré les bombardements et le million de morts de la guerre Irak - Iran, malgré l’enfermement idéologique imposé par les mollahs, malgré le carcan des gardiens de la révolution, malgré la dépression qui étouffe un temps Marjane, les personnages du film se glissent dans chaque espace de liberté vacant, profitant du moindre souffle de vie. Universel, encore, grâce à la grand-mère, personnage attachant et tellement libre qu’il bouscule les conventions européennes qui nous semblent subitement moralisantes. Pour cette grand-mère, rien n’est grave sinon la mort et lorsque Marjane lui annonce en pleurs qu’elle va divorcer, la réponse de l’Iranienne est cinglante pour le convenu « ce n’est que ça ? » Car les crises nous apparaissent ici comme autant de conventions, d’arbitrages entre volonté et réalité. C’est ainsi que lors d’un long séjour à Vienne à l’abri des bombes, Marjane perd sa liberté en s’enfermant dans la mémoire d’une trahison amoureuse. Il lui faudra paradoxalement retourner en Iran pour retrouver son libre arbitre, même si le film permet de mesurer la force et le courage nécessaire pour regagner cette liberté. Car Persépolis nous rappelle que la liberté n’est pas uniquement le fait d’espaces, mais le fruit de la volonté. C’est ainsi que les personnages européens, une bande de punks, semblent ne plus savoir quoi faire de la liberté qui leur est accordée, se compromettent dans des superficialités qui deviennent autant de prisons : pour l’auteur, ce n’est pas le monde qui fait obstacle à la liberté, ni même la pesanteur du destin, mais soi. Mais ce film qui est tout sauf moraliste donne une limite à cette liberté : l’intégrité. C’est ainsi qu’ayant dénoncé un inconnu pour échapper aux gardiens de la révolution, Marjane se trouve face à sa grand-mère en rage qui lui rappelle toute l’importance de l’intégrité. Marjane qui se défend « Je n’avais pas le choix…» reçoit pour réponse définitive « On a toujours le choix ! » Universel, aussi, lorsque le film ridiculise l’autorité des mollahs et les gardiens de la morale islamique. Sur ce plan les moralistes autoritaires de tous poils, que l’on voit resurgir au détour des crises, peuvent retourner dans le placard qu’ils n’auraient jamais du quitter. Car l’autorité nous est montrée sous le visage de l’absurdité la plus cruelle et Persépolis nous rappelle que la morale d’Etat, fait du roi, confine forcément au ridicule. C’est ainsi qu’il nous est narré que faute de pouvoir tuer une vierge, il est d’usage de la marier de force afin de l’exécuter ensuite : ainsi l’autorité peut s’exercer tout en sauvegardant la morale. Et l’auteur de s’en emparer pour les tourner en dérision. Les mollahs et autres gardiens de la morale ont le pouvoir de faire régner la terreur et de tuer ? Qu’importe, Marjane les résume pour mieux les réduire à leur sombre condition : « Des cons. » Universel enfin, car Persépolis nous rappelle que toute crise, même la plus épouvantable, révèle une part d’opportunité. Ici Marjane, devenue femme, décide de s’approprier la crise pour en sortir grandie. L’instant est important. Il est symbolisé par une promesse faîte sur la tombe de son oncle « Je serai intègre. » Et Marjane Satrapi, l’auteur, de faire de cette crise le prétexte de Persépolis, devenu déjà un classique, qui nous permet à chacun de grandir. Persépolis n’est pas un film, c’est un accomplissement. Résilience oblige. Niveau : Secondaire supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302675	19 H.1.04339/10	Dossier pédagogique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Dossier pédagogique de "Pickpocket" (1959) / Cyril Beghin

Public ISBD Supplément de Pickpocket / Robert Bresson Titre : Dossier pédagogique de "Pickpocket" (1959) Type de document : texte imprimé Auteurs : Cyril Beghin, Auteur Editeur : Paris : CNC Année de publication : 2008 Importance : 22 pp. Note générale : Pickpocket est un film français de Robert Bresson sorti en 1959. --- POUR LE COURS D'ÉDUCATION AUX MÉDIAS --- Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Sciences humaines:Education aux médias Mots-clés : Pickpocket  Robert Bresson  Claude Clément  Michel Clément  Jacques Ballanche  J.B. Lully  F. Oubradous  Marc Lanjean  Éditions Transatlantiques  L.-H. Burel  Henri Raichi  Pierre Charbonnier  Raymond Lamy  G. Falaschi  Antoine Archimbaud  Michel Choquet  Léon Sanz  O. Lemarchand  Martin La Salle  Marika Green  Jean Pelegri  Dolly Scal  Pierre Leymarie  Kassagi  Pierre Etaix  César Gattegno  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Michel se rend au champ de courses et vole un peu d'argent à une spectatrice. En quittant le champ de courses, il est arrêté. Il est rapidement libéré pour manque de preuves. Malgré cela, Michel continue à voler et s'associe avec des complices afin d'être plus efficace. Il refuse l'aide de son ami Jacques qui veut le pousser à trouver un emploi. Se sentant en danger, il fuit la France pour revenir deux ans plus tard retrouver Jeanne, l'ex-aide ménagère de sa mère. Note de contenu : « Ce film n’est pas du style policier. L’auteur s’efforce d’exprimer, par des images et des sons, le cauchemar d’un jeune homme poussé par sa faiblesse dans un aventure de vol à la tire pour laquelle il n’était pas fait. Seulement cette aventure, par des chemins étranges, réunira deux âmes qui, sans elle, ne se seraient peut-être jamais connues. » * Pickpocket (Robert Bresson, 1959) [minute 0.10.00] « — Est-ce qu'on ne peut pas admettre que des hommes capables, intelligents, et à plus forte raison doués de talent ou même de génie — donc indispensables à la société — au lieu de végéter toute leur vie soient dans certains cas libres de désobéir aux lois ? — Cela me paraît difficile, et dangereux. — Pour la société ce serait tout bénéfice. — Et qui distinguera des autres ces hommes supérieurs ? — Eux-mêmes, leurs consciences. » * The Rope (Alfred Hitchcock, 1948) - Cette citation est relativement proche de l'excuse que prennent les deux étudiants pour tuer leur condisciple dans The Rope d'Alfred Hitchcock. On notera cependant que les personnages de The Rope ne sont pas particulièrement attachants, d'une part, et que le film est construit dans le style policier. À l'inverse, Pickpocket de Bresson nous rapproche sensiblement du personnage principal, démarche précisée par l'auteur : « Ce film n'est pas du style policier. L'auteur s'est efforcé d'exprimer par des images et des sons le cauchemar d'un jeune homme poussé par la faiblesse dans une aventure de vol à la tire pour laquelle il n'était pas fait. » * La similitude est également très forte avec Crime et Châtiment de Dostoïevsky : la faute puis la rédemption par la femme, ainsi que les dialogues entre le héros et le policier qui le pourchasse sur le thème des hommes exceptionnels au-dessus des lois. Niveau : Secondaire supérieur Supplément de Pickpocket / Robert Bresson Dossier pédagogique de "Pickpocket" (1959) [texte imprimé] / Cyril Beghin, Auteur . - Paris : CNC, 2008 . - 22 pp. Pickpocket est un film français de Robert Bresson sorti en 1959. --- POUR LE COURS D'ÉDUCATION AUX MÉDIAS --- Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Cinéma et enseignement Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Education par les médias:Sciences humaines:Education aux médias Mots-clés : Pickpocket  Robert Bresson  Claude Clément  Michel Clément  Jacques Ballanche  J.B. Lully  F. Oubradous  Marc Lanjean  Éditions Transatlantiques  L.-H. Burel  Henri Raichi  Pierre Charbonnier  Raymond Lamy  G. Falaschi  Antoine Archimbaud  Michel Choquet  Léon Sanz  O. Lemarchand  Martin La Salle  Marika Green  Jean Pelegri  Dolly Scal  Pierre Leymarie  Kassagi  Pierre Etaix  César Gattegno  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Michel se rend au champ de courses et vole un peu d'argent à une spectatrice. En quittant le champ de courses, il est arrêté. Il est rapidement libéré pour manque de preuves. Malgré cela, Michel continue à voler et s'associe avec des complices afin d'être plus efficace. Il refuse l'aide de son ami Jacques qui veut le pousser à trouver un emploi. Se sentant en danger, il fuit la France pour revenir deux ans plus tard retrouver Jeanne, l'ex-aide ménagère de sa mère. Note de contenu : « Ce film n’est pas du style policier. L’auteur s’efforce d’exprimer, par des images et des sons, le cauchemar d’un jeune homme poussé par sa faiblesse dans un aventure de vol à la tire pour laquelle il n’était pas fait. Seulement cette aventure, par des chemins étranges, réunira deux âmes qui, sans elle, ne se seraient peut-être jamais connues. » * Pickpocket (Robert Bresson, 1959) [minute 0.10.00] « — Est-ce qu'on ne peut pas admettre que des hommes capables, intelligents, et à plus forte raison doués de talent ou même de génie — donc indispensables à la société — au lieu de végéter toute leur vie soient dans certains cas libres de désobéir aux lois ? — Cela me paraît difficile, et dangereux. — Pour la société ce serait tout bénéfice. — Et qui distinguera des autres ces hommes supérieurs ? — Eux-mêmes, leurs consciences. » * The Rope (Alfred Hitchcock, 1948) - Cette citation est relativement proche de l'excuse que prennent les deux étudiants pour tuer leur condisciple dans The Rope d'Alfred Hitchcock. On notera cependant que les personnages de The Rope ne sont pas particulièrement attachants, d'une part, et que le film est construit dans le style policier. À l'inverse, Pickpocket de Bresson nous rapproche sensiblement du personnage principal, démarche précisée par l'auteur : « Ce film n'est pas du style policier. L'auteur s'est efforcé d'exprimer par des images et des sons le cauchemar d'un jeune homme poussé par la faiblesse dans une aventure de vol à la tire pour laquelle il n'était pas fait. » * La similitude est également très forte avec Crime et Châtiment de Dostoïevsky : la faute puis la rédemption par la femme, ainsi que les dialogues entre le héros et le policier qui le pourchasse sur le thème des hommes exceptionnels au-dessus des lois. Niveau : Secondaire supérieur

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302676	19 H.1.04339/21	Dossier pédagogique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Le Film Noir / Noël Simsolo

Public ISBD Titre : Le Film Noir : Vrais et faux cauchemars Type de document : texte imprimé Auteurs : Noël Simsolo (1944-....), Auteur Editeur : Paris : Cahiers du Cinéma Année de publication : 2005 Autre Editeur : Réseau Canopé editions (anciennement SCEREN-CNDP-CRDP) Collection : Essais ISBN/ISSN/EAN : 978-2-86642-402-2 Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Alfred Hitchcock  Fritz Lang  Raoul Walsh  Orson Welles  Samuel Fuller  John Huston  Le grand sommeil  Howard Hawks  Quand la ville dort  John Huston  La Dame de Shanghai  Orson Welles  Règlement de compte  Fritz Lang  Laura  Otto Preminger  l'enquête  John Cromwell  Gilda  Charles Vidor  Mark Dixon Détective  Otto Preminger  Les Passagers de la nuit  Delmer Daves  Humphrey Bogart  Robert Montgomery  James Cagney  Dana Andrews  Edward G. Robinson  Lauren Bacall  Marlene Dietrich  Ida Lupino  Grace Kelly  Gene Tierney  Lana Turner  Rita Hayworth  les icônes  cinéma américain  film noir Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Noël Simsolo porte un regard novateur sur le film noir. D'abord parce qu'il en propose de nouveaux contours grâce à un retour à ses sources littéraires comme le roman naturaliste français, le feuilleton, le hard boiled américain ; à ses sources cinématographiques aussi, dans bon nombre de films de policiers et voleurs du muet, du côté de l'Allemagne et du mouvement expressionniste, du côté de la France et du réalisme poétique pour ne citer que celles-là. Ensuite, parce qu'il désigne, dans le Hollywood des années 30, les signes avant coureurs du film noir qui se manifestent dans les films de gangsters, dans la présence thématique de la psychanalyse et de la propagande liée à la Seconde guerre mondiale. Mais surtout parce qu'il éclaire le film noir d'une étude approfondie de ses rapports avec la littérature américaine (Raymond Chandler, Dashiell Hammett, James Cain, William Irish), des courants esthétiques et des genres qui le traversent, et du contexte historique, social et politique (peur de l'apocalypse atomique, chasse aux sorcières de la guerre froide). Le cœur du livre est un voyage dans LE CYCLE NOIR américain qui vit son apothéose entre 1944 et 1959 mettant en scène des personnages de gangsters et de policiers à la dérive, pétris de contradictions, aux prises avec un mal être existentiel, des beautés vénéneuses et synonymes de danger. Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Raoul Walsh, Orson Welles, Samuel Fuller, John Huston en sont, entre autres, les maîtres. Le grand sommeil en 1956 de Howard Hawks, Quand la ville dort en 1950 de John Huston, La Dame de Shanghai, 1948, d'Orson Welles, Règlement de compte, 1953, de Fritz Lang, Laura, 1944, d'Otto Preminger, En marge de l'enquête, 1947, de John Cromwell, Gilda, 1946, de Charles Vidor, Mark Dixon Détective, 1950, d'Otto Preminger, Les Passagers de la nuit, 1947, de Delmer Daves en sont les chefs-d'œuvre. Humphrey Bogart, Robert Montgomery, James Cagney, Dana Andrews, Edward G. Robinson en sont les héros. Lauren Bacall, Marlene Dietrich, Ida Lupino, Grace Kelly, Gene Tierney, Lana Turner, Rita Hayworth, les icônes. Le Film Noir : Vrais et faux cauchemars [texte imprimé] / Noël Simsolo (1944-....), Auteur . - Cahiers du Cinéma : France : Réseau Canopé editions (anciennement SCEREN-CNDP-CRDP), 2005. - (Essais) . ISBN : 978-2-86642-402-2 Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Alfred Hitchcock  Fritz Lang  Raoul Walsh  Orson Welles  Samuel Fuller  John Huston  Le grand sommeil  Howard Hawks  Quand la ville dort  John Huston  La Dame de Shanghai  Orson Welles  Règlement de compte  Fritz Lang  Laura  Otto Preminger  l'enquête  John Cromwell  Gilda  Charles Vidor  Mark Dixon Détective  Otto Preminger  Les Passagers de la nuit  Delmer Daves  Humphrey Bogart  Robert Montgomery  James Cagney  Dana Andrews  Edward G. Robinson  Lauren Bacall  Marlene Dietrich  Ida Lupino  Grace Kelly  Gene Tierney  Lana Turner  Rita Hayworth  les icônes  cinéma américain  film noir Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Noël Simsolo porte un regard novateur sur le film noir. D'abord parce qu'il en propose de nouveaux contours grâce à un retour à ses sources littéraires comme le roman naturaliste français, le feuilleton, le hard boiled américain ; à ses sources cinématographiques aussi, dans bon nombre de films de policiers et voleurs du muet, du côté de l'Allemagne et du mouvement expressionniste, du côté de la France et du réalisme poétique pour ne citer que celles-là. Ensuite, parce qu'il désigne, dans le Hollywood des années 30, les signes avant coureurs du film noir qui se manifestent dans les films de gangsters, dans la présence thématique de la psychanalyse et de la propagande liée à la Seconde guerre mondiale. Mais surtout parce qu'il éclaire le film noir d'une étude approfondie de ses rapports avec la littérature américaine (Raymond Chandler, Dashiell Hammett, James Cain, William Irish), des courants esthétiques et des genres qui le traversent, et du contexte historique, social et politique (peur de l'apocalypse atomique, chasse aux sorcières de la guerre froide). Le cœur du livre est un voyage dans LE CYCLE NOIR américain qui vit son apothéose entre 1944 et 1959 mettant en scène des personnages de gangsters et de policiers à la dérive, pétris de contradictions, aux prises avec un mal être existentiel, des beautés vénéneuses et synonymes de danger. Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Raoul Walsh, Orson Welles, Samuel Fuller, John Huston en sont, entre autres, les maîtres. Le grand sommeil en 1956 de Howard Hawks, Quand la ville dort en 1950 de John Huston, La Dame de Shanghai, 1948, d'Orson Welles, Règlement de compte, 1953, de Fritz Lang, Laura, 1944, d'Otto Preminger, En marge de l'enquête, 1947, de John Cromwell, Gilda, 1946, de Charles Vidor, Mark Dixon Détective, 1950, d'Otto Preminger, Les Passagers de la nuit, 1947, de Delmer Daves en sont les chefs-d'œuvre. Humphrey Bogart, Robert Montgomery, James Cagney, Dana Andrews, Edward G. Robinson en sont les héros. Lauren Bacall, Marlene Dietrich, Ida Lupino, Grace Kelly, Gene Tierney, Lana Turner, Rita Hayworth, les icônes.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302386	17 H.1.02784	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Les institutions de l'image / Jean-Pierre Bertin-Maghit

Public ISBD Titre : Les institutions de l'image Type de document : texte imprimé Auteurs : Jean-Pierre Bertin-Maghit, Directeur de publication, rédacteur en chef ; Béatrice Fleury, Directeur de publication, rédacteur en chef Editeur : Editions de l'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales Année de publication : 2001 ISBN/ISSN/EAN : 978-2-7132-1373-1 Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Education par les médias:Sciences humaines:Sciences sociales Mots-clés : Marc Ferro  Histoire  Marcel Ophuls  seconde Guerre Mondiale  Mussolini  Europa 51  Roberto Rossellini  Claude Autant-Lara  cinéma russe  Shoah  Algerie Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Réflexion à la croisée de champs théoriques faisant ressortir la réalité des images elles-mêmes : contraintes de fabrication des films, contenus des images, agents de leur production, voies de leur transmission. Cette réalité implique une négociation permanente entre différents pôles institutionnels. L'objectif est de rendre compte de la complexité des images cinématographiques ou télévisuelles. Les institutions de l'image [texte imprimé] / Jean-Pierre Bertin-Maghit, Directeur de publication, rédacteur en chef ; Béatrice Fleury, Directeur de publication, rédacteur en chef . - [S.l.] : Editions de l'Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, 2001. ISBN : 978-2-7132-1373-1 Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Education par les médias:Sciences humaines:Sciences sociales Mots-clés : Marc Ferro  Histoire  Marcel Ophuls  seconde Guerre Mondiale  Mussolini  Europa 51  Roberto Rossellini  Claude Autant-Lara  cinéma russe  Shoah  Algerie Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Réflexion à la croisée de champs théoriques faisant ressortir la réalité des images elles-mêmes : contraintes de fabrication des films, contenus des images, agents de leur production, voies de leur transmission. Cette réalité implique une négociation permanente entre différents pôles institutionnels. L'objectif est de rendre compte de la complexité des images cinématographiques ou télévisuelles.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302404	17 H.1.02456	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Jean Epstein / Pierre Leprohon

Public ISBD Titre : Jean Epstein Type de document : texte imprimé Auteurs : Pierre Leprohon, Auteur ; Jean Epstein, Personne honorée Editeur : Editions Seghers Année de publication : 1964 Collection : Cinéma d'aujourd'hui Note générale : Jean Epstein (Varsovie, 25 mars 1897 - Paris, 3 avril 1953), réalisateur de films, essayiste et romancier français Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Mots-clés : Les Vendanges  Pasteur  La Montagne infidèle  Cœur fidèle  La Belle Nivernaise  L'Auberge rouge  Honoré de Balzac  La Goutte de sang  L'Affiche  Le Lion des Mogols  Le Double Amour  Les Aventures de Robert Macaire  Au pays de George Sand  Mauprat  Six et demi onze  La Glace à trois faces  La Chute de la maison Usher  Sa tête  Finis terrae  Le Pas de la mule  Notre-Dame de Paris  La Mer des corbeaux  Mor vran  L'Or des mers  L'Homme à l'Hispano  La Vie d'un grand journal  La Châtelaine du Liban  Chanson d'Armor  Cuor di vagabondo  La Bretagne  La Bourgogne  Vive la vie  La Femme du bout du monde  La Relève  Eau vive  Les Bâtisseurs  Artères de France  Le Tempestaire  Les Feux de la mer  cinéma français  cinéma muet Index. décimale : 18 Monographies : réalisateurs Résumé : La collection "Cinéma d'aujourd'hui" se propose de situer à leur place les plus grands auteurs de films. Consacrées aux architectes de l'image et du mouvement, à ceux qui inventent chaque jour le langage de notre temps, cette collection ne s'adresse pas seulement aux spécialistes, mais aussi à un vaste public qui s'intéresse de plus en plus à tout ce qui touche à l'art cinématographique. Chaque volume comprend une étude rédigée par un critique qualifié, un important choix de textes du cinéaste considéré, des extraits des découpages des principaux films. Jean Epstein [texte imprimé] / Pierre Leprohon, Auteur ; Jean Epstein, Personne honorée . - Editions Seghers, 1964. - (Cinéma d'aujourd'hui) . Jean Epstein (Varsovie, 25 mars 1897 - Paris, 3 avril 1953), réalisateur de films, essayiste et romancier français Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Mots-clés : Les Vendanges  Pasteur  La Montagne infidèle  Cœur fidèle  La Belle Nivernaise  L'Auberge rouge  Honoré de Balzac  La Goutte de sang  L'Affiche  Le Lion des Mogols  Le Double Amour  Les Aventures de Robert Macaire  Au pays de George Sand  Mauprat  Six et demi onze  La Glace à trois faces  La Chute de la maison Usher  Sa tête  Finis terrae  Le Pas de la mule  Notre-Dame de Paris  La Mer des corbeaux  Mor vran  L'Or des mers  L'Homme à l'Hispano  La Vie d'un grand journal  La Châtelaine du Liban  Chanson d'Armor  Cuor di vagabondo  La Bretagne  La Bourgogne  Vive la vie  La Femme du bout du monde  La Relève  Eau vive  Les Bâtisseurs  Artères de France  Le Tempestaire  Les Feux de la mer  cinéma français  cinéma muet Index. décimale : 18 Monographies : réalisateurs Résumé : La collection "Cinéma d'aujourd'hui" se propose de situer à leur place les plus grands auteurs de films. Consacrées aux architectes de l'image et du mouvement, à ceux qui inventent chaque jour le langage de notre temps, cette collection ne s'adresse pas seulement aux spécialistes, mais aussi à un vaste public qui s'intéresse de plus en plus à tout ce qui touche à l'art cinématographique. Chaque volume comprend une étude rédigée par un critique qualifié, un important choix de textes du cinéaste considéré, des extraits des découpages des principaux films.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302161	18 H.1.00082	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

La mort aux trousses / Stéphane Du Mesnildot 

Public ISBD Accompagne La mort aux trousses / Alfred Hitchcock Titre : La mort aux trousses Type de document : texte imprimé Auteurs : Stéphane Du Mesnildot, Auteur Editeur : Paris : Cahiers du Cinéma Année de publication : 2007 Collection : Les petits cahiers Importance : 95 p. Note générale : La Mort aux trousses (North By Northwest) est un film américain réalisé par Alfred Hitchcock et sorti en 1959. Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : La Mort aux trousses  North by Northwest  Alfred Hitchcock  Ernest Lehman  Bernard Herrmann  William A. Horning  Merrill Pye  Robert Boyle  Henry Grace  Franck McKelvey  William Tuttle  Sydney Guilaroff  Robert Burks  Franklin Milton  A. Arnold Gillespie  Lee LeBlanc  George Tomasini  Herbert Coleman  Metro-Goldwyn-Mayer  Loew's Incorporated  Cary Grant  Michel Roux  Eva Marie Saint  Nelly Benedetti  James Mason  Jacques Dacqmine  Jessie Royce Landis  Hélène Tossy  Leo G. Carroll  Jean-Henri Chambois  Josephine Hutchinson  Philip Ober  Martin Landau  Jacques Plée  Cinéma américain Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Roger Thornhill, un publicitaire new-yorkais, a un rendez-vous d'affaires à l'hôtel Plaza. Mais il y est kidnappé à la suite d'un malentendu : ses ravisseurs le prennent pour un certain George Kaplan. Thornhill est amené dans la somptueuse maison de Mr Townsend. Il fait la rencontre de ce dernier, qui est bien persuadé d'avoir enlevé George Kaplan. Refusant de coopérer avec ses ravisseurs, l'assistant de Mr Townsend, Leonard, fait avaler à Thornhill une bouteille entière de whisky. Puis, aidé d'un autre sbire de Townsend, il met Thornhill dans une voiture volée, et pousse celle-ci en direction d'un ravin afin de faire croire à un accident. Mais Roger Thornhill, qui réussit à reprendre ses esprits, empêche la chute mortelle dans le ravin et roule, jusqu'à ce qu'il se fasse arrêter par la police. En état d'ébriété, il passe la nuit dans une cellule. Le lendemain, personne ne croit à son histoire, pas même sa mère. Les enquêteurs se rendent à la maison de Mr Townsend. La femme de celui-ci les informe que son mari tient l'après-midi même un discours aux Nations-Unies. Les enquêteurs sont alors persuadés que Thornhill ment. Mais le publicitaire, bien déterminé à prouver son innocence, se rend à l'hôtel Plaza dans la chambre de George Kaplan. Après avoir interrogé le personnel, il se rend compte que personne n'avait jamais vu le mystérieux Kaplan. Après avoir réussi une fois de plus à échapper aux sbires de Townsend, Roger Thornhill se rend aux Nations-Unies. Il y demande à rencontrer Mr Townsend, mais quelle n'est pas sa surprise : ce n'est pas le même homme que la veille au soir. Au moment où la vérité saute aux yeux de Thornhill (l'homme qui occupait la maison de Townsend n'était pas Townsend, mais le dangereux malfaiteur Philip Vandamm), le vrai Mr Townsend est poignardé par un sbire de Vandamm et tombe dans les bras de Thornhill, immédiatement accusé. Il s'enfuit à la gare et monte dans un train pour Chicago, poursuivi par la police. Une séduisante blonde l'aide alors à se cacher. Thornhill la retrouve au wagon-restaurant. Elle s'appelle Eve Kendall. Les deux tombent sous le charme. Eve Kendall cache Kaplan dans son compartiment, où elle embrasse Thornhill langoureusement. Mais un petit mot arrivant dans les mains de Vandamm ("Qu'est-ce que je fais de lui demain matin ? Eve") fait comprendre qu'elle est en fait liée aux méchants. Au matin, le train arrive en gare de LaSalle à Chicago. Thornhill, déguisé, va se changer aux toilettes pendant qu'Eve téléphone à George Kaplan pour qu'il prenne rendez-vous avec Thornhill. La jeune femme remet à Thornhill les instructions de Kaplan, que le new-yorkais suit à la lettre pour se retrouver dans une immense prairie peu fréquentée. Mais personne n'est au rendez-vous... C'est alors qu'un petit avion attaque Thornhill, qui se réfugie dans un champ de maïs. L'avion largue alors des produits chimiques sur le champ, et Thornhill est forcé de sortir. Coup de chance, un camion transportant de l'essence passe. Il s'arrête au dernier moment et renverse Thornhill. L'avion percute alors le camion, provoquant une immense explosion. Thornhill vole la voiture de témoins de la scène et retourne vers Chicago. Il se rend à l'Hôtel Ambassador. Mais au lieu d'y trouver Kaplan, il trouve Eve Kendall, qui semble surprise de le voir vivant. Kendall s'échappe pendant que Thornhill fait mine de prendre une douche. Ce dernier avait réussi à récupérer l'adresse d'une salle des ventes, où Eve Kendall est allée. Il la retrouve alors avec Vandamm, et comprend que le malfaiteur s'est servi d'elle pour provoquer sa mort. Mais Vandamm est bien décidé à ne pas laisser partir Thornhill, qui doit donc simuler d'être un dérangé mental pour se faire évacuer par la police. Les policiers reçoivent l'instruction d'emmener Thornhill à l'aéroport, où les attend le Professeur, chef de la CIA. Il révèle à Thornhill qu'Eve Kendall travaille en fait pour le compte de la CIA et est donc un agent double, et que le personnage de George Kaplan est en fait un leurre destiné à tromper Vandamm... Les deux hommes s'envolent pour Rapid City, dans le Dakota. Dans une cafeteria du Mont Rushmore, où Thornhill qui continue à personnifier Kaplan a donné rendez-vous à Vandamm et Kendall, cette-dernière tire sur Thornhill avec un faux pistolet pour enlever les soupçons qui pesaient sur elle. Thornhill et Kendall se retrouvent alors un peu plus loin, dans une forêt, et Thornhill, après s'être excusé, apprend que Eve va accompagner Vandamm dans sa fuite en avion le soir-même. Thornhill se retrouve dans un hôpital, d'où il s'enfuit pour la maison de Vandamm dans le but d'empêcher Eve de partir. Espionnant, il surprend une conversation entre Vandamm et Leonard. Ce-dernier a tout compris : le rôle d'agent double d'Eve et la mise en scène du Mont Rushmore. Vandamm décide de l'emmener quand même avec lui, dans le but de la supprimer au-dessus de l'océan... Thornhill réussit à la prévenir, et au moment de monter dans l'avion, elle s'empare de la statuette qui contient des microfilms que Vandamm trafique, et s'enfuit en voiture avec Thornhill. Mais la grille de la propriété étant fermée, et les sbires de Vandamm étant à leurs trousses, les deux n'ont d'autre choix que de fuir en descendant le monument du Mont Rushmore. Après de périlleuses péripéties et l'arrestation de Vandamm, Thornhill et Kendall rentrent à New-York par le train qu'ils avaient pris à l'aller. Note de contenu : Qui aurait parié à la sortie de La Mort aux trousses en 1959 que ce divertissement grand public serait un jour donné en modèle de l'art cinématographique, chef-d'oeuvre parmi les plus grands de son histoire ? Lorsqu'Hitchcock entreprend La Mort aux trousses, il est le " maître du suspense ". La distribution est sous le signe du charme irrésistible de Cary Grant, au sommet de sa séduction et de ses performances d'homme d'action, et d'Eva Marie Saint, symbole même des héroïnes hitchcockiennes blondes glacées... mais les méchants ne sont pas en reste, particulièrement réussis dans la peau de James Mason ou Martin Landau. Le film est tourné tant en studio que dans des extérieurs naturels à travers les Etats-Unis, et les meilleures techniques des effets spéciaux de l'époque y sont convoquées. Ainsi la séquence de la poursuite de Cary Grant par un avion en plein désert est devenue une scène d'anthologie, exercice de style hitchcockien par excellence. S'ajoute l'une des plus célèbres musiques de film signée du grand compositeur Bernard Hermann. L'enlèvement, la perte d'identité subis ici par le faux espion Roger Thornill font partie des terreurs du monde selon Hitchcock où tout n'est que trucage et manipulation. La comédie devient plus grave, c'est bien des peurs de son époque, celle de la Guerre Froide, et des forces obscures guidant le destin des hommes que nous parle aussi Hitchcock à travers La Mort aux trousses. * Caméo : Hitchcock rate son bus, à la deuxième minute du film. * La Mort aux trousses contient quelques scènes d'anthologie, dont la moindre n'est pas celle où Thornhill (Grant) pense avoir rendez-vous avec l'agent fantôme Kaplan en rase campagne. Au lieu de la rencontre qu'il prévoyait, il se retrouve être la proie d'un petit avion dont les occupants finissent par le mitrailler. La séquence entière constitue un condensé de l'art et du génie du réalisateur. * Une petite erreur s'est glissée dans le film : lors de la scène se déroulant dans le restaurant jouxtant le Mont Rushmore, on peut voir un jeune figurant se boucher les oreilles déjà quelques secondes avant que le coup de feu ne soit tiré… (Destination Hitchcock : le "Making of" de La Mort aux Trousses (en bonus dans le DVD) - Turner Entertainement - 2000) Dessin d'une partie de la façade Est de la maison * La maison de Vandamm que l'on voit à la fin du film n'est pas une maison de Frank Lloyd Wright. Elle a été conçue par l'équipe de décorateurs du film à la demande du cinéaste. En effet, suite à une expérience frustrante (il avait demandé 10 % du budget d'un film pour en concevoir les projets architecturaux), Wright refusait de travailler pour le cinéma. La maison n'a jamais existé, il s'agit d'un décor partiel construit dans la campagne près des studios et inséré en matte painting dans les plans de paysages. Une légende tenace veut pourtant que l'on attribue cette maison à Wright qui avait 92 ans au moment du tournage. Elle est néanmoins inspirée de la maison de la cascade. * La séquence ayant pour décors les statues sculptées dans la montagne est censée se dérouler au Mont Rushmore, dans le Dakota du Sud. En fait, la majeure partie a été tournée en studio et les détails des statues ont été reconstitués. (Destination Hitchcock : le "Making of" de La Mort aux Trousses (en bonus dans le DVD) - Turner Entertainement - 2000) * La scène finale, dans laquelle les deux héros se retrouvent dans le train fonçant dans un tunnel et consomment leur amour est une des plus célèbres du cinéma, grâce à l'ultime plan du film symbolisant par une ellipse visuelle l'acte sexuel afin de contourner le code Hays. D'après Bill Krohn, devant l'insistance des producteurs à mettre dans la bouche de Cary Grant / Thornhill une réplique indiquant qu'il allait épouser Eva Marie Saint (Come on, Mrs Thornhill !), Hitchcock, légèrement irrité par ce respect des convenances, décida d'introduire ce plan symbolique — le seul de sa carrière, avoua-t-il à François Truffaut. * Depuis l'année scolaire 2007-2008, la Mort aux Trousses d'Alfred Hitchcock est au programme du Baccalauréat littéraire option cinéma audiovisuel et aux autres Baccalauréats en option Musique. * Le scénario est en partie inspiré d'une histoire vraie : l'affaire dite « Galindez », un professeur enlevé en plein milieu de New York. * Cary Grant ne voulait plus tourner et disait avoir pris sa retraite lorsque Hitchcock le supplia de venir faire le film. Il accepta mais fut quelque peu déboussolé par un tournage qui lui semblait ne pas avoir de sens, et demanda à plusieurs reprises à Hitchcock s'il savait exactement ce qu'il faisait. Après l'immense succès du film, Cary Grant, rencontrant par hasard Hitchcock à la cafétéria des studios MGM, se prosterna à ses pieds devant tout le monde et se répandit en salutations à l'orientale, remerciant ainsi le maître du suspens de lui avoir donné un si beau rôle. Pays : France Niveau : secondaire supérieur et + Accompagne La mort aux trousses / Alfred Hitchcock La mort aux trousses [texte imprimé] / Stéphane Du Mesnildot, Auteur . - Cahiers du Cinéma, 2007 . - 95 p.. - (Les petits cahiers) . La Mort aux trousses (North By Northwest) est un film américain réalisé par Alfred Hitchcock et sorti en 1959. Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : La Mort aux trousses  North by Northwest  Alfred Hitchcock  Ernest Lehman  Bernard Herrmann  William A. Horning  Merrill Pye  Robert Boyle  Henry Grace  Franck McKelvey  William Tuttle  Sydney Guilaroff  Robert Burks  Franklin Milton  A. Arnold Gillespie  Lee LeBlanc  George Tomasini  Herbert Coleman  Metro-Goldwyn-Mayer  Loew's Incorporated  Cary Grant  Michel Roux  Eva Marie Saint  Nelly Benedetti  James Mason  Jacques Dacqmine  Jessie Royce Landis  Hélène Tossy  Leo G. Carroll  Jean-Henri Chambois  Josephine Hutchinson  Philip Ober  Martin Landau  Jacques Plée  Cinéma américain Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Roger Thornhill, un publicitaire new-yorkais, a un rendez-vous d'affaires à l'hôtel Plaza. Mais il y est kidnappé à la suite d'un malentendu : ses ravisseurs le prennent pour un certain George Kaplan. Thornhill est amené dans la somptueuse maison de Mr Townsend. Il fait la rencontre de ce dernier, qui est bien persuadé d'avoir enlevé George Kaplan. Refusant de coopérer avec ses ravisseurs, l'assistant de Mr Townsend, Leonard, fait avaler à Thornhill une bouteille entière de whisky. Puis, aidé d'un autre sbire de Townsend, il met Thornhill dans une voiture volée, et pousse celle-ci en direction d'un ravin afin de faire croire à un accident. Mais Roger Thornhill, qui réussit à reprendre ses esprits, empêche la chute mortelle dans le ravin et roule, jusqu'à ce qu'il se fasse arrêter par la police. En état d'ébriété, il passe la nuit dans une cellule. Le lendemain, personne ne croit à son histoire, pas même sa mère. Les enquêteurs se rendent à la maison de Mr Townsend. La femme de celui-ci les informe que son mari tient l'après-midi même un discours aux Nations-Unies. Les enquêteurs sont alors persuadés que Thornhill ment. Mais le publicitaire, bien déterminé à prouver son innocence, se rend à l'hôtel Plaza dans la chambre de George Kaplan. Après avoir interrogé le personnel, il se rend compte que personne n'avait jamais vu le mystérieux Kaplan. Après avoir réussi une fois de plus à échapper aux sbires de Townsend, Roger Thornhill se rend aux Nations-Unies. Il y demande à rencontrer Mr Townsend, mais quelle n'est pas sa surprise : ce n'est pas le même homme que la veille au soir. Au moment où la vérité saute aux yeux de Thornhill (l'homme qui occupait la maison de Townsend n'était pas Townsend, mais le dangereux malfaiteur Philip Vandamm), le vrai Mr Townsend est poignardé par un sbire de Vandamm et tombe dans les bras de Thornhill, immédiatement accusé. Il s'enfuit à la gare et monte dans un train pour Chicago, poursuivi par la police. Une séduisante blonde l'aide alors à se cacher. Thornhill la retrouve au wagon-restaurant. Elle s'appelle Eve Kendall. Les deux tombent sous le charme. Eve Kendall cache Kaplan dans son compartiment, où elle embrasse Thornhill langoureusement. Mais un petit mot arrivant dans les mains de Vandamm ("Qu'est-ce que je fais de lui demain matin ? Eve") fait comprendre qu'elle est en fait liée aux méchants. Au matin, le train arrive en gare de LaSalle à Chicago. Thornhill, déguisé, va se changer aux toilettes pendant qu'Eve téléphone à George Kaplan pour qu'il prenne rendez-vous avec Thornhill. La jeune femme remet à Thornhill les instructions de Kaplan, que le new-yorkais suit à la lettre pour se retrouver dans une immense prairie peu fréquentée. Mais personne n'est au rendez-vous... C'est alors qu'un petit avion attaque Thornhill, qui se réfugie dans un champ de maïs. L'avion largue alors des produits chimiques sur le champ, et Thornhill est forcé de sortir. Coup de chance, un camion transportant de l'essence passe. Il s'arrête au dernier moment et renverse Thornhill. L'avion percute alors le camion, provoquant une immense explosion. Thornhill vole la voiture de témoins de la scène et retourne vers Chicago. Il se rend à l'Hôtel Ambassador. Mais au lieu d'y trouver Kaplan, il trouve Eve Kendall, qui semble surprise de le voir vivant. Kendall s'échappe pendant que Thornhill fait mine de prendre une douche. Ce dernier avait réussi à récupérer l'adresse d'une salle des ventes, où Eve Kendall est allée. Il la retrouve alors avec Vandamm, et comprend que le malfaiteur s'est servi d'elle pour provoquer sa mort. Mais Vandamm est bien décidé à ne pas laisser partir Thornhill, qui doit donc simuler d'être un dérangé mental pour se faire évacuer par la police. Les policiers reçoivent l'instruction d'emmener Thornhill à l'aéroport, où les attend le Professeur, chef de la CIA. Il révèle à Thornhill qu'Eve Kendall travaille en fait pour le compte de la CIA et est donc un agent double, et que le personnage de George Kaplan est en fait un leurre destiné à tromper Vandamm... Les deux hommes s'envolent pour Rapid City, dans le Dakota. Dans une cafeteria du Mont Rushmore, où Thornhill qui continue à personnifier Kaplan a donné rendez-vous à Vandamm et Kendall, cette-dernière tire sur Thornhill avec un faux pistolet pour enlever les soupçons qui pesaient sur elle. Thornhill et Kendall se retrouvent alors un peu plus loin, dans une forêt, et Thornhill, après s'être excusé, apprend que Eve va accompagner Vandamm dans sa fuite en avion le soir-même. Thornhill se retrouve dans un hôpital, d'où il s'enfuit pour la maison de Vandamm dans le but d'empêcher Eve de partir. Espionnant, il surprend une conversation entre Vandamm et Leonard. Ce-dernier a tout compris : le rôle d'agent double d'Eve et la mise en scène du Mont Rushmore. Vandamm décide de l'emmener quand même avec lui, dans le but de la supprimer au-dessus de l'océan... Thornhill réussit à la prévenir, et au moment de monter dans l'avion, elle s'empare de la statuette qui contient des microfilms que Vandamm trafique, et s'enfuit en voiture avec Thornhill. Mais la grille de la propriété étant fermée, et les sbires de Vandamm étant à leurs trousses, les deux n'ont d'autre choix que de fuir en descendant le monument du Mont Rushmore. Après de périlleuses péripéties et l'arrestation de Vandamm, Thornhill et Kendall rentrent à New-York par le train qu'ils avaient pris à l'aller. Note de contenu : Qui aurait parié à la sortie de La Mort aux trousses en 1959 que ce divertissement grand public serait un jour donné en modèle de l'art cinématographique, chef-d'oeuvre parmi les plus grands de son histoire ? Lorsqu'Hitchcock entreprend La Mort aux trousses, il est le " maître du suspense ". La distribution est sous le signe du charme irrésistible de Cary Grant, au sommet de sa séduction et de ses performances d'homme d'action, et d'Eva Marie Saint, symbole même des héroïnes hitchcockiennes blondes glacées... mais les méchants ne sont pas en reste, particulièrement réussis dans la peau de James Mason ou Martin Landau. Le film est tourné tant en studio que dans des extérieurs naturels à travers les Etats-Unis, et les meilleures techniques des effets spéciaux de l'époque y sont convoquées. Ainsi la séquence de la poursuite de Cary Grant par un avion en plein désert est devenue une scène d'anthologie, exercice de style hitchcockien par excellence. S'ajoute l'une des plus célèbres musiques de film signée du grand compositeur Bernard Hermann. L'enlèvement, la perte d'identité subis ici par le faux espion Roger Thornill font partie des terreurs du monde selon Hitchcock où tout n'est que trucage et manipulation. La comédie devient plus grave, c'est bien des peurs de son époque, celle de la Guerre Froide, et des forces obscures guidant le destin des hommes que nous parle aussi Hitchcock à travers La Mort aux trousses. * Caméo : Hitchcock rate son bus, à la deuxième minute du film. * La Mort aux trousses contient quelques scènes d'anthologie, dont la moindre n'est pas celle où Thornhill (Grant) pense avoir rendez-vous avec l'agent fantôme Kaplan en rase campagne. Au lieu de la rencontre qu'il prévoyait, il se retrouve être la proie d'un petit avion dont les occupants finissent par le mitrailler. La séquence entière constitue un condensé de l'art et du génie du réalisateur. * Une petite erreur s'est glissée dans le film : lors de la scène se déroulant dans le restaurant jouxtant le Mont Rushmore, on peut voir un jeune figurant se boucher les oreilles déjà quelques secondes avant que le coup de feu ne soit tiré… (Destination Hitchcock : le "Making of" de La Mort aux Trousses (en bonus dans le DVD) - Turner Entertainement - 2000) Dessin d'une partie de la façade Est de la maison * La maison de Vandamm que l'on voit à la fin du film n'est pas une maison de Frank Lloyd Wright. Elle a été conçue par l'équipe de décorateurs du film à la demande du cinéaste. En effet, suite à une expérience frustrante (il avait demandé 10 % du budget d'un film pour en concevoir les projets architecturaux), Wright refusait de travailler pour le cinéma. La maison n'a jamais existé, il s'agit d'un décor partiel construit dans la campagne près des studios et inséré en matte painting dans les plans de paysages. Une légende tenace veut pourtant que l'on attribue cette maison à Wright qui avait 92 ans au moment du tournage. Elle est néanmoins inspirée de la maison de la cascade. * La séquence ayant pour décors les statues sculptées dans la montagne est censée se dérouler au Mont Rushmore, dans le Dakota du Sud. En fait, la majeure partie a été tournée en studio et les détails des statues ont été reconstitués. (Destination Hitchcock : le "Making of" de La Mort aux Trousses (en bonus dans le DVD) - Turner Entertainement - 2000) * La scène finale, dans laquelle les deux héros se retrouvent dans le train fonçant dans un tunnel et consomment leur amour est une des plus célèbres du cinéma, grâce à l'ultime plan du film symbolisant par une ellipse visuelle l'acte sexuel afin de contourner le code Hays. D'après Bill Krohn, devant l'insistance des producteurs à mettre dans la bouche de Cary Grant / Thornhill une réplique indiquant qu'il allait épouser Eva Marie Saint (Come on, Mrs Thornhill !), Hitchcock, légèrement irrité par ce respect des convenances, décida d'introduire ce plan symbolique — le seul de sa carrière, avoua-t-il à François Truffaut. * Depuis l'année scolaire 2007-2008, la Mort aux Trousses d'Alfred Hitchcock est au programme du Baccalauréat littéraire option cinéma audiovisuel et aux autres Baccalauréats en option Musique. * Le scénario est en partie inspiré d'une histoire vraie : l'affaire dite « Galindez », un professeur enlevé en plein milieu de New York. * Cary Grant ne voulait plus tourner et disait avoir pris sa retraite lorsque Hitchcock le supplia de venir faire le film. Il accepta mais fut quelque peu déboussolé par un tournage qui lui semblait ne pas avoir de sens, et demanda à plusieurs reprises à Hitchcock s'il savait exactement ce qu'il faisait. Après l'immense succès du film, Cary Grant, rencontrant par hasard Hitchcock à la cafétéria des studios MGM, se prosterna à ses pieds devant tout le monde et se répandit en salutations à l'orientale, remerciant ainsi le maître du suspens de lui avoir donné un si beau rôle. Pays : France Niveau : secondaire supérieur et +

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
301270	19 H.1.04022	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Documents numériques

La_mort_aux_trousses URL

La politique des auteurs / Jean-Luc Godard

Public ISBD Titre : La politique des auteurs Type de document : texte imprimé Auteurs : Jean-Luc Godard (1930-....), Auteur ; André Bazin, Auteur ; Claude Chabrol ; François Truffaut ; Jacques Rivette Editeur : Paris : Ramsay Année de publication : 1972 ISBN/ISSN/EAN : 978-2-85956-903-7 Note générale : Initialement publié en 1972, ce livre regroupe des entretiens réalisés entre 1954 et 1965 avec ceux qui incarnent exemplairement cette notion d'auteur : Fritz Lang, Jean Renoir, Roberto Rosselini, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Luis Bunuel, Orson Welles, Carl T. Dreyer, Robert Bresson, Michelangelo Antonioni. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Mots-clés : Fritz Lang  Jean Renoir  Roberto Rosselini  Howard Hawks  Alfred Hitchcock  Luis Bunuel  Orson Welles  Carl T. Dreyer  Robert Bresson  Michelangelo Antonioni  Claude Chabrol  Jean-Luc Godard  Jacques Rivette  Eric Rohmer  François Truffaut  Nouvelle Vague  cinéma français  cinéma allemand  cinéma américain  cinéma italien  cinéma anglais  cinéma suédois  Cahiers du Cinéma Index. décimale : 18 Monographies : réalisateurs Résumé : Au début des années 50, les jeunes collaborateurs des Cahiers du Cinéma, et parmi eux Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer, François Truffaut, la future Nouvelle Vague engagent la bataille de LA POLITIQUE DES AUTEURS. Contre un ordre établi, la qualité française et une histoire du cinéma jugée trop officielle, ils affirment passionnément leurs préférences, et n'hésitent pas à présenter des cinéastes comme Alfred Hitchcock et Howard Hawks comme des auteurs à par entière. Note de contenu : Entretiens avec Fritz Lang, Jean Renoir, Roberto Rosselini, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Luis Bunuel, Orson Welles, Carl T. Dreyer, Robert Bresson, Michelangelo Antonioni La politique des auteurs [texte imprimé] / Jean-Luc Godard (1930-....), Auteur ; André Bazin, Auteur ; Claude Chabrol ; François Truffaut ; Jacques Rivette . - Paris : Ramsay, 1972. ISBN : 978-2-85956-903-7 Initialement publié en 1972, ce livre regroupe des entretiens réalisés entre 1954 et 1965 avec ceux qui incarnent exemplairement cette notion d'auteur : Fritz Lang, Jean Renoir, Roberto Rosselini, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Luis Bunuel, Orson Welles, Carl T. Dreyer, Robert Bresson, Michelangelo Antonioni. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Mots-clés : Fritz Lang  Jean Renoir  Roberto Rosselini  Howard Hawks  Alfred Hitchcock  Luis Bunuel  Orson Welles  Carl T. Dreyer  Robert Bresson  Michelangelo Antonioni  Claude Chabrol  Jean-Luc Godard  Jacques Rivette  Eric Rohmer  François Truffaut  Nouvelle Vague  cinéma français  cinéma allemand  cinéma américain  cinéma italien  cinéma anglais  cinéma suédois  Cahiers du Cinéma Index. décimale : 18 Monographies : réalisateurs Résumé : Au début des années 50, les jeunes collaborateurs des Cahiers du Cinéma, et parmi eux Claude Chabrol, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer, François Truffaut, la future Nouvelle Vague engagent la bataille de LA POLITIQUE DES AUTEURS. Contre un ordre établi, la qualité française et une histoire du cinéma jugée trop officielle, ils affirment passionnément leurs préférences, et n'hésitent pas à présenter des cinéastes comme Alfred Hitchcock et Howard Hawks comme des auteurs à par entière. Note de contenu : Entretiens avec Fritz Lang, Jean Renoir, Roberto Rosselini, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Luis Bunuel, Orson Welles, Carl T. Dreyer, Robert Bresson, Michelangelo Antonioni

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302143	18 H.1.00927	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Le procès / Jean-Philippe Trias

Public ISBD Accompagne DVD 3. Le Procès / Orson Welles Le Procès / Orson Welles Titre : Le procès : Dossier pédagogique Type de document : texte imprimé Auteurs : Jean-Philippe Trias, Auteur Editeur : Paris : Cahiers du Cinéma Année de publication : 2005 Autre Editeur : Réseau Canopé editions (anciennement SCEREN-CNDP-CRDP) Collection : Les petits cahiers Note générale : Le Procès est une coproduction européenne réalisée par Orson Welles et sortie en 1962. Il s'agit d'une adaptation cinématographique du roman éponyme de Franz Kafka. Prix Méliès en 1962. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Le Procès  The Trial  Il Processo  Der Prozess  Orson Welles  Franz Kafka  Pierre Cholot  Jean Ledrut  Albinoni de Remo Giazotto  Edmond Richard  Adolphe Charlet  Robert Fraisse  Marc Maurette  Paul Seban  Sophie Becker  Roger Corbeau  Jean Mandaroux  Guy Villette  Julien Coutellier  Hélène Thibault  Louis Dor  Marie-Josée Kling  Yvonne Martin  Frederick Muller  Yves Laplanche  Alexander Salkind  Michael Salkind  Robert Florat  Mercury Productions  Paris Europa Productions  FICIT  Hisa Films GmbH  UFA  Universum Film Aktien Gesellschaft  COMACICO  Compagnie Marocaine Cinématographique et Commerciale  Anthony Perkins  Pierre Vaneck  Orson Welles  Jean Topart  Romy Schneider  Jeanne Moreau  Elsa Martinelli  Madeleine Robinson  Suzanne Flon  Akim Tamiroff  Arnoldo Foa  Fernand Ledoux  Jess Hahn  Maurice Teynac  Michael Lonsdale  Cinéma français  Cinéma allemand  Cinéma italien Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : « Cette histoire est contée dans un roman : Le Procès par Franz Kafka » (Orson Welles à la fin du film). Un matin, K est réveillé dans son lit par l’entrée impromptue d’inspecteurs dans son appartement. Il est rapidement submergé de questions et de remarques incongrues. Il finit par comprendre qu’il est inculpé, mais ne sait pas de quoi il est accusé. Sa vie bascule dès lors dans les méandres d’une instance judiciaire dont il ne comprend pas les règles. Laissé libre de ses mouvements, il court désespérément à la recherche de réponses, essaye de percer le mur infranchissable qui le sépare de la Loi. Note de contenu : On a beaucoup parlé à la sortie du Procès de l'infidélité supposée de Welles vis-à-vis de Kafka. Cet ouvrage entend réunir les pièces du dossier pour montrer que le procès du Procès n'est qu'un faux procès, et que le film est un véritable cas d'école pour comprendre ce qu'est l'adaptation d'un roman au cinéma, le cheminement nécessaire d'un créateur à l'autre, d'un art dans un autre. Alors que tout semble opposer au premier abord Welles et Kafka, des parentés singulières relient en réalité leurs œuvres : inachèvement, théâtralité, rapport de l'individu à la Loi et à la Vérité, impossible quête du sens... A l'encontre du point de vue généralement adopté par les historiens du cinéma selon lequel Le Procès, film de commande, serait un produit commercial mal identifié, l'auteur considère ce film comme l'un des plus libres et aboutis de Welles. Du roman de Kafka, Welles est resté fidèle non seulement à la lettre, mais aussi à l'esprit qu'il raccroche à ses propres préoccupations éthiques et politiques sur le monde contemporain. Le style de l'écrivain a cependant été métamorphosé par la vision du cinéaste. Cette transformation révèle l'ambition du film : donner une interprétation du roman qui explicite le contenu onirique et la portée politique toujours actuelle de Kafka. Avec Le Procès, Welles a bien fait un film de Welles et non du " Kafka illustré ". Dans cette adaptation du roman écrit par Franz Kafka, et paru en 1926 (à titre posthume), Orson Welles décrit par des plans tous plus oppressants, l'enfermement du jeune Joseph K. lors de son accusation non fondée. Une critique d'un régime totalitaire inconnu. * Les scènes d'intérieur furent essentiellement tournées à Paris dans la gare d'Orsay durant sa désaffectation, avant qu'elle ne devienne un musée (plus quelques scènes extérieures près de la cathédrale Notre-Dame de Paris). * Les autres scènes d'extérieur ont été tournées à Zagreb. * Le passage de l'apologue de La Porte de la loi utilise le procédé de l'écran d'épingles, mis au point par Alexandre Alexeïeff. * Le réalisateur (Orson Welles) interprète lui-même le rôle de l'avocat. Accompagne DVD 3. Le Procès / Orson Welles Le Procès / Orson Welles Le procès : Dossier pédagogique [texte imprimé] / Jean-Philippe Trias, Auteur . - Cahiers du Cinéma : France : Réseau Canopé editions (anciennement SCEREN-CNDP-CRDP), 2005. - (Les petits cahiers) . Le Procès est une coproduction européenne réalisée par Orson Welles et sortie en 1962. Il s'agit d'une adaptation cinématographique du roman éponyme de Franz Kafka. Prix Méliès en 1962. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Le Procès  The Trial  Il Processo  Der Prozess  Orson Welles  Franz Kafka  Pierre Cholot  Jean Ledrut  Albinoni de Remo Giazotto  Edmond Richard  Adolphe Charlet  Robert Fraisse  Marc Maurette  Paul Seban  Sophie Becker  Roger Corbeau  Jean Mandaroux  Guy Villette  Julien Coutellier  Hélène Thibault  Louis Dor  Marie-Josée Kling  Yvonne Martin  Frederick Muller  Yves Laplanche  Alexander Salkind  Michael Salkind  Robert Florat  Mercury Productions  Paris Europa Productions  FICIT  Hisa Films GmbH  UFA  Universum Film Aktien Gesellschaft  COMACICO  Compagnie Marocaine Cinématographique et Commerciale  Anthony Perkins  Pierre Vaneck  Orson Welles  Jean Topart  Romy Schneider  Jeanne Moreau  Elsa Martinelli  Madeleine Robinson  Suzanne Flon  Akim Tamiroff  Arnoldo Foa  Fernand Ledoux  Jess Hahn  Maurice Teynac  Michael Lonsdale  Cinéma français  Cinéma allemand  Cinéma italien Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : « Cette histoire est contée dans un roman : Le Procès par Franz Kafka » (Orson Welles à la fin du film). Un matin, K est réveillé dans son lit par l’entrée impromptue d’inspecteurs dans son appartement. Il est rapidement submergé de questions et de remarques incongrues. Il finit par comprendre qu’il est inculpé, mais ne sait pas de quoi il est accusé. Sa vie bascule dès lors dans les méandres d’une instance judiciaire dont il ne comprend pas les règles. Laissé libre de ses mouvements, il court désespérément à la recherche de réponses, essaye de percer le mur infranchissable qui le sépare de la Loi. Note de contenu : On a beaucoup parlé à la sortie du Procès de l'infidélité supposée de Welles vis-à-vis de Kafka. Cet ouvrage entend réunir les pièces du dossier pour montrer que le procès du Procès n'est qu'un faux procès, et que le film est un véritable cas d'école pour comprendre ce qu'est l'adaptation d'un roman au cinéma, le cheminement nécessaire d'un créateur à l'autre, d'un art dans un autre. Alors que tout semble opposer au premier abord Welles et Kafka, des parentés singulières relient en réalité leurs œuvres : inachèvement, théâtralité, rapport de l'individu à la Loi et à la Vérité, impossible quête du sens... A l'encontre du point de vue généralement adopté par les historiens du cinéma selon lequel Le Procès, film de commande, serait un produit commercial mal identifié, l'auteur considère ce film comme l'un des plus libres et aboutis de Welles. Du roman de Kafka, Welles est resté fidèle non seulement à la lettre, mais aussi à l'esprit qu'il raccroche à ses propres préoccupations éthiques et politiques sur le monde contemporain. Le style de l'écrivain a cependant été métamorphosé par la vision du cinéaste. Cette transformation révèle l'ambition du film : donner une interprétation du roman qui explicite le contenu onirique et la portée politique toujours actuelle de Kafka. Avec Le Procès, Welles a bien fait un film de Welles et non du " Kafka illustré ". Dans cette adaptation du roman écrit par Franz Kafka, et paru en 1926 (à titre posthume), Orson Welles décrit par des plans tous plus oppressants, l'enfermement du jeune Joseph K. lors de son accusation non fondée. Une critique d'un régime totalitaire inconnu. * Les scènes d'intérieur furent essentiellement tournées à Paris dans la gare d'Orsay durant sa désaffectation, avant qu'elle ne devienne un musée (plus quelques scènes extérieures près de la cathédrale Notre-Dame de Paris). * Les autres scènes d'extérieur ont été tournées à Zagreb. * Le passage de l'apologue de La Porte de la loi utilise le procédé de l'écran d'épingles, mis au point par Alexandre Alexeïeff. * Le réalisateur (Orson Welles) interprète lui-même le rôle de l'avocat.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302235	19 H.1.2678	Dossier pédagogique	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

The american cinema / Collectif

Public ISBD Titre : The american cinema Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : Voice of America Année de publication : 1973 Collection : Forum series Importance : 420 p. Présentation : ill., couv. ill. en coul. Note générale : Livre en anglais sur le cinéma américain. Langues : Anglais (eng) Langues originales : Anglais (eng) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Thomas Edison  David Wark Griffith  Lillian Gish  Josef von Sternberg  Frank Capra  Robert Mamoulian  Don Siegel Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : L'histoire du cinéma américain. Note de contenu : Les chapitres : 1 - Perspective on the American Cinema. 2 - Hale's tours-Ultrarealism in the pre 1910 motion Picture 3 - The Edison Motion Pictures-Early Days. 4 - The David Wark griffith Years. 5 - Lillian Gish : Reflections. 6 - The Schematized Vision of Josef von Sternberg. "Blonde Venus". 7 - The Preservation of America's Film Heritage. 8 - Four Great Comedians of the Silent Cinema. 9 - Frank Capra : The Ideal and the Real. 10 - Griffith to Eisenstein and Back-Soviet Reciprocity. 11 - Documentary Film and Government. 12 - Film and Reality. 13 - Father of the American Documentary. 14 - The Americain Experimental Film. 15 - Our Space in Our Time : The New American Cinema. 16 - The Gangter Film. 17 - The Studio Years. 18 - Rouben Mamoulian : The Artistic Innovator. 19 - Hollywood's Political Blacklist. 20 - The Newsreel on the American Screens. 21 - Postwar Cinema-the Italian War Bride. 22 - The Western. 23 - The Montion Picture in U.S. Education. 24 - The New Wave Washes the American Screen. 25 - The State of Cinema Criticism in the U.S. 26 - Don Siegel : Speaking Frankly. 27 - U.S. Contemporary Cinema Scene. The american cinema [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - Voice of America, 1973 . - 420 p. : ill., couv. ill. en coul.. - (Forum series) . Livre en anglais sur le cinéma américain. Langues : Anglais (eng) Langues originales : Anglais (eng) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Thomas Edison  David Wark Griffith  Lillian Gish  Josef von Sternberg  Frank Capra  Robert Mamoulian  Don Siegel Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : L'histoire du cinéma américain. Note de contenu : Les chapitres : 1 - Perspective on the American Cinema. 2 - Hale's tours-Ultrarealism in the pre 1910 motion Picture 3 - The Edison Motion Pictures-Early Days. 4 - The David Wark griffith Years. 5 - Lillian Gish : Reflections. 6 - The Schematized Vision of Josef von Sternberg. "Blonde Venus". 7 - The Preservation of America's Film Heritage. 8 - Four Great Comedians of the Silent Cinema. 9 - Frank Capra : The Ideal and the Real. 10 - Griffith to Eisenstein and Back-Soviet Reciprocity. 11 - Documentary Film and Government. 12 - Film and Reality. 13 - Father of the American Documentary. 14 - The Americain Experimental Film. 15 - Our Space in Our Time : The New American Cinema. 16 - The Gangter Film. 17 - The Studio Years. 18 - Rouben Mamoulian : The Artistic Innovator. 19 - Hollywood's Political Blacklist. 20 - The Newsreel on the American Screens. 21 - Postwar Cinema-the Italian War Bride. 22 - The Western. 23 - The Montion Picture in U.S. Education. 24 - The New Wave Washes the American Screen. 25 - The State of Cinema Criticism in the U.S. 26 - Don Siegel : Speaking Frankly. 27 - U.S. Contemporary Cinema Scene.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302265	17 H.1.00057	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

L'avant-scène cinéma, 105-106. Spécial Pagnol / Collectif

Public ISBD Titre de série : L'avant-scène cinéma, 105-106 Titre : Spécial Pagnol : Le schpountz Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : L'avant-scène cinéma Année de publication : 1970 Note générale : Le Schpountz est un film français réalisé par Marcel Pagnol, sorti en 1938. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Le Schpountz  La Fausse Vocation  Marcel Pagnol  Willy Faktorovitch  Roger Ledru  Henri Daries  Marius Brouquier  Marcel Levoignat  Jean Lecoq  Suzanne de Troye  Suzanne Cabon  Jeannette Ginestet  Casimir Oberfeld  Je n'ai jamais compris l'amour  Jean Manse  Charles Pons  Les Films Marcel Pagnol  Pierre Brasseur  Fernandel  Orane Demazis  Léon Belières  Robert Vattier  Fernand Charpin  Jean Castan  Odette Roger  cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Le naïf Irénée Fabre rêve d'être une vedette du grand écran. De passage dans son village, une troupe de cinéma lui fait signer un contrat mirobolant. Il s'agit d'une farce, mais Irénée n'en prend pas conscience et se rend à Paris pour tourner ce qu'il croit être son premier film en tant que vedette principale. C'est alors qu'il s'aperçoit qu'on s'est joué de lui et qu'il n'est en fait qu'un « schpountz », un fada, un simple d'esprit. L'avant-scène cinéma, 105-106. Spécial Pagnol : Le schpountz [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - [S.l.] : L'avant-scène cinéma, 1970. Le Schpountz est un film français réalisé par Marcel Pagnol, sorti en 1938. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Le Schpountz  La Fausse Vocation  Marcel Pagnol  Willy Faktorovitch  Roger Ledru  Henri Daries  Marius Brouquier  Marcel Levoignat  Jean Lecoq  Suzanne de Troye  Suzanne Cabon  Jeannette Ginestet  Casimir Oberfeld  Je n'ai jamais compris l'amour  Jean Manse  Charles Pons  Les Films Marcel Pagnol  Pierre Brasseur  Fernandel  Orane Demazis  Léon Belières  Robert Vattier  Fernand Charpin  Jean Castan  Odette Roger  cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Le naïf Irénée Fabre rêve d'être une vedette du grand écran. De passage dans son village, une troupe de cinéma lui fait signer un contrat mirobolant. Il s'agit d'une farce, mais Irénée n'en prend pas conscience et se rend à Paris pour tourner ce qu'il croit être son premier film en tant que vedette principale. C'est alors qu'il s'aperçoit qu'on s'est joué de lui et qu'il n'est en fait qu'un « schpountz », un fada, un simple d'esprit.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302207	19 H.1.01439	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

L'avant-scène cinéma, 108. Charles mort ou vif (d'Alain Tanner) / Collectif

Public ISBD Titre de série : L'avant-scène cinéma, 108 Titre : Charles mort ou vif (d'Alain Tanner) Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : L'avant-scène cinéma Année de publication : 1970 Note générale : Charles mort ou vif est un film suisse réalisé par Alain Tanner, sorti en 1970. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Charles mort ou vif  Alain Tanner  Groupe 5  Jacques Olivier  Renato Berta  Silva Bachmann  François Simon  Marcel Robert  Marie-Claire Dufour  André Schmidt  Maya Simon  Michéle Martel  Jo Excoffier  Walter Schochli  Jean-Pierre Moriaud  Jean-Luc Bideau  Francis Reusser  cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Charles Dé, quinquagénaire, dirige une petite entreprise familiale, une fabrique de pièces de montres qu'il a hérité de son père et de son grand-père. S'il a accepté cette succession quand il avait 20 ans, c'est pour des raisons familiales alors qu'il rêvait d'un autre avenir. Mais, arrivé au bilan de sa vie, sa réussite lui parait dérisoire, c'est une véritable compromission. Il a laissé sa vie, triste et vide, il n'a pas pris le temps de vivre, de s'épanouir. Charles décide alors de rompre avec cette vie qu'il mène et de choisir la liberté, sa liberté. Il plaque tout, la famille, l'entreprise et va loger dans un hôtel. Un peu plus tard, il se liera d'amitié avec un jeune couple (Paul et Adeline) et ira partager leur vie de bohème, en s'installant chez eux. Il changera de nom, Charles s'appellera Carlo. Si sa fille, Marianne, le comprend dans sa démarche, son fils Pierre, mobilise contre lui avocat et détective. Bien qu'on tente de le faire taire et de l'enfermer dans une clinique psychiatrique, Carlo s'obstine. L'avant-scène cinéma, 108. Charles mort ou vif (d'Alain Tanner) [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - [S.l.] : L'avant-scène cinéma, 1970. Charles mort ou vif est un film suisse réalisé par Alain Tanner, sorti en 1970. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Charles mort ou vif  Alain Tanner  Groupe 5  Jacques Olivier  Renato Berta  Silva Bachmann  François Simon  Marcel Robert  Marie-Claire Dufour  André Schmidt  Maya Simon  Michéle Martel  Jo Excoffier  Walter Schochli  Jean-Pierre Moriaud  Jean-Luc Bideau  Francis Reusser  cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Charles Dé, quinquagénaire, dirige une petite entreprise familiale, une fabrique de pièces de montres qu'il a hérité de son père et de son grand-père. S'il a accepté cette succession quand il avait 20 ans, c'est pour des raisons familiales alors qu'il rêvait d'un autre avenir. Mais, arrivé au bilan de sa vie, sa réussite lui parait dérisoire, c'est une véritable compromission. Il a laissé sa vie, triste et vide, il n'a pas pris le temps de vivre, de s'épanouir. Charles décide alors de rompre avec cette vie qu'il mène et de choisir la liberté, sa liberté. Il plaque tout, la famille, l'entreprise et va loger dans un hôtel. Un peu plus tard, il se liera d'amitié avec un jeune couple (Paul et Adeline) et ira partager leur vie de bohème, en s'installant chez eux. Il changera de nom, Charles s'appellera Carlo. Si sa fille, Marianne, le comprend dans sa démarche, son fils Pierre, mobilise contre lui avocat et détective. Bien qu'on tente de le faire taire et de l'enfermer dans une clinique psychiatrique, Carlo s'obstine.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302206	19 H.1.01440	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

L'avant-scène cinéma, 117. Easy rider (de Dennis Hopper) / Collectif

Public ISBD Accompagne Easy Rider / Dennis Hopper Titre de série : L'avant-scène cinéma, 117 Titre : Easy rider (de Dennis Hopper) Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : L'avant-scène cinéma Année de publication : 1971 Note générale : Easy Rider est un film américain réalisé par Dennis Hopper en 1969. Le film est répertorié par le National Film Registry en 1998 pour son apport significatif au cinéma américain et à la culture américaine. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Easy rider  Dennis Hopper  Peter Fonda  Terry Southern  Laszlo Kovacs  Donn Cambern  Roger McGuinn  Peter Fonda  William Hayward  Columbia Pictures Corporation  Pando Company Inc.  Rayber Productions  Columbia Pictures  Bernard Tiphaine  Pierre Trabaud  Jack Nicholson  Michel Roux  Phil Spector  Mac Mashourian  Luke Askew  Paul-Émile Deiber  Karen Black  Nelly Vignon  Toni Basil  Antonio Mendoza  Warren Finnerty  Tita Colorado  Luana Anders  Anne Jolivet  Sabrina Scharf  Robert Walker Jr.  Robert Walker  Sandy Brown Wyeth  Hayward Robilard  Claude Bertrand  Arnold Hess  Gérard Hernandez  George Fowler Jr.  contre culture  cinéma américain  road movie Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Ce film est un road movie qui est devenu un emblème de la génération hippie des années 1960-1970. Il raconte le voyage de deux jeunes motards, Wyatt et Billy, qui après avoir vendu une grosse quantité de drogue, décident de quitter Los Angeles avec l'argent gagné afin d'aller participer à la célébration du carnaval de la Nouvelle-Orléans. Durant leur traversée des États-Unis, les protagonistes rencontrent une communauté hippie et découvrent leur mode de vie. Accusés abusivement de participer illégalement à un défilé, ils se retrouvent rapidement en prison où ils rencontrent George Hanson, avocat défenseur des droits civiques. Il se joint à eux pour la suite du périple. Les trois compères sont confrontés à l'Amérique profonde, raciste et conservatrice, qui refuse l'évolution des années 1960. Accompagne Easy Rider / Dennis Hopper L'avant-scène cinéma, 117. Easy rider (de Dennis Hopper) [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - [S.l.] : L'avant-scène cinéma, 1971. Easy Rider est un film américain réalisé par Dennis Hopper en 1969. Le film est répertorié par le National Film Registry en 1998 pour son apport significatif au cinéma américain et à la culture américaine. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Easy rider  Dennis Hopper  Peter Fonda  Terry Southern  Laszlo Kovacs  Donn Cambern  Roger McGuinn  Peter Fonda  William Hayward  Columbia Pictures Corporation  Pando Company Inc.  Rayber Productions  Columbia Pictures  Bernard Tiphaine  Pierre Trabaud  Jack Nicholson  Michel Roux  Phil Spector  Mac Mashourian  Luke Askew  Paul-Émile Deiber  Karen Black  Nelly Vignon  Toni Basil  Antonio Mendoza  Warren Finnerty  Tita Colorado  Luana Anders  Anne Jolivet  Sabrina Scharf  Robert Walker Jr.  Robert Walker  Sandy Brown Wyeth  Hayward Robilard  Claude Bertrand  Arnold Hess  Gérard Hernandez  George Fowler Jr.  contre culture  cinéma américain  road movie Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Ce film est un road movie qui est devenu un emblème de la génération hippie des années 1960-1970. Il raconte le voyage de deux jeunes motards, Wyatt et Billy, qui après avoir vendu une grosse quantité de drogue, décident de quitter Los Angeles avec l'argent gagné afin d'aller participer à la célébration du carnaval de la Nouvelle-Orléans. Durant leur traversée des États-Unis, les protagonistes rencontrent une communauté hippie et découvrent leur mode de vie. Accusés abusivement de participer illégalement à un défilé, ils se retrouvent rapidement en prison où ils rencontrent George Hanson, avocat défenseur des droits civiques. Il se joint à eux pour la suite du périple. Les trois compères sont confrontés à l'Amérique profonde, raciste et conservatrice, qui refuse l'évolution des années 1960.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302201	19 H.1.01447	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

L'avant-scène cinéma, 119. If... (de Lindsay Anderson et David Sherwin) / Collectif

Public ISBD Titre de série : L'avant-scène cinéma, 119 Titre : If... (de Lindsay Anderson et David Sherwin) Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : L'avant-scène cinéma Année de publication : 1971 Note générale : If.... est un film britannique réalisé par Lindsay Anderson, sorti en 1968. Il est le premier d'une trilogie ayant pour protagoniste Michael Travis, interprété par McDowell, et qui se compose de : "If...", "Le Meilleur des mondes possible" et "Britannia Hospital". Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : If....  Lindsay Anderson  David Sherwin  John Howlett  Miroslav Ondrícek  Marc Wilkinson  Missa Luba  Roy Baird  Michael Medwin  Malcolm McDowell  David Wood  Richard Warwick  Christine Noonan  Rupert Webster  Robert Swann  Hugh Thomas  Michael Cadman  Peter Sproule  Peter Jeffrey Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Dans une "public school" britannique (type Eton), des élèves se rebellent contre l'autorité. Note de contenu : Le film mélangeant images en noir et blanc et couleurs, imprégné de l'esprit « hippie » de l'époque. En plus de remettre en cause le système éducatif britannique en évitant tout manichéisme (à l'inverse du Cercle des poètes disparus), Anderson y traite de l'éveil de l'homosexualité chez le jeune adolescent, des rapports sado-masochistes, et n'épargne ni la religion ni l'armée. L'avant-scène cinéma, 119. If... (de Lindsay Anderson et David Sherwin) [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - [S.l.] : L'avant-scène cinéma, 1971. If.... est un film britannique réalisé par Lindsay Anderson, sorti en 1968. Il est le premier d'une trilogie ayant pour protagoniste Michael Travis, interprété par McDowell, et qui se compose de : "If...", "Le Meilleur des mondes possible" et "Britannia Hospital". Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : If....  Lindsay Anderson  David Sherwin  John Howlett  Miroslav Ondrícek  Marc Wilkinson  Missa Luba  Roy Baird  Michael Medwin  Malcolm McDowell  David Wood  Richard Warwick  Christine Noonan  Rupert Webster  Robert Swann  Hugh Thomas  Michael Cadman  Peter Sproule  Peter Jeffrey Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Dans une "public school" britannique (type Eton), des élèves se rebellent contre l'autorité. Note de contenu : Le film mélangeant images en noir et blanc et couleurs, imprégné de l'esprit « hippie » de l'époque. En plus de remettre en cause le système éducatif britannique en évitant tout manichéisme (à l'inverse du Cercle des poètes disparus), Anderson y traite de l'éveil de l'homosexualité chez le jeune adolescent, des rapports sado-masochistes, et n'épargne ni la religion ni l'armée.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302199	19 H.1.01449	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

L'avant-scène cinéma, 32-33. Le guépard (de Luchino Visconti) / Collectif

Public ISBD Accompagne Le guépard / Luchino Visconti Titre de série : L'avant-scène cinéma, 32-33 Titre : Le guépard (de Luchino Visconti) Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : L'avant-scène cinéma Année de publication : 1963 Note générale : Le Guépard (Il Gattopardo) est un film franco-italien de Luchino Visconti sorti en 1963 et adapté du roman homonyme de Giuseppe Tomasi di Lampedusa. * Palme d'or au Festival de Cannes 1963. * Sélection de la version restaurée au festival de Cannes 2010 dans la catégorie Cannes Classics. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Il Gattopardo  Le Guépard  The Leopard  Luchino Visconti  Suso Cecchi D'Amico  Pasquale Festa Campanile  Enrico Medioli  Massimo Franciosa  Giuseppe Tomasi di Lampedusa  René Barjavel  Mario Garbuglia  Piero Tosi  Giuseppe Rotunno  Mario Serandrei  Mario Messina  Nino Rota  Giuseppe Verdi  Franco Ferrara  Alberto Testa  Goffredo Lombardo  Pietro Notarianni  Titanus  Pathé Cinéma  Burt Lancaster  Jean Martinelli  Alain Delon  Claudia Cardinale  Paolo Stoppa  Alfred Pasquali  Rina Morelli  Jacqueline Ferrière  Romolo Valli  Robert Marcy  Mario Girotti  Pierre Clémenti  Ottavia Piccolo  Serge Reggiani  Giuliano Gemma  Cinéma italien  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : L'action se passe en Sicile, dans les années 1860-1863. Lors du débarquement de l'armée révolutionnaire de Garibaldi à Marsala, qui vise à annexer le royaume des Bourbons à l'Italie du Nord, le prince Fabrizio Corbera de Salina quitte son domaine avec sa famille, pour son palais de villégiature dans le village de Donnafugata. Comprenant que les jours de la féodalité sont passés, il assure le mariage de son neveu Tancredi avec Angelica, la fille du riche maire libéral de Donnafugata, Don Calogero. Note de contenu : Visconti déclare : « J'épouse le point de vue de Lampedusa, et disons aussi de son personnage, le prince Fabrizio. Le pessimisme du prince Salina l'amène à regretter la chute d'un ordre qui, pour immobile qu'il ait été, était quand même un ordre. Mais, notre pessimisme se charge de volonté et, au lieu de regretter l'ordre féodal et bourbonien, il vise à établir un ordre nouveau. »[réf. nécessaire] Le film décrit la gestion de crise de l'aristocratie italienne, dont la scène du bal (qui dure 45 minutes) donne la clé. Celle-ci fut tournée au palais Valguarnera-Gangi, à Palerme, mais l'essentiel du film est tourné au palais Chigi (it) d'Ariccia près de Rome[1]. Très impliqué dans l'écriture du personnage du prince Fabrizio, Visconti a choisi l'acteur américain Burt Lancaster pour l'incarner. Le choix surprit, mais se révéla remarquablement pertinent. L'osmose se répétera pour un autre rôle sur lequel Visconti se projetait tout autant, Violence et Passion en 1974. Accompagne Le guépard / Luchino Visconti L'avant-scène cinéma, 32-33. Le guépard (de Luchino Visconti) [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - [S.l.] : L'avant-scène cinéma, 1963. Le Guépard (Il Gattopardo) est un film franco-italien de Luchino Visconti sorti en 1963 et adapté du roman homonyme de Giuseppe Tomasi di Lampedusa. * Palme d'or au Festival de Cannes 1963. * Sélection de la version restaurée au festival de Cannes 2010 dans la catégorie Cannes Classics. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Il Gattopardo  Le Guépard  The Leopard  Luchino Visconti  Suso Cecchi D'Amico  Pasquale Festa Campanile  Enrico Medioli  Massimo Franciosa  Giuseppe Tomasi di Lampedusa  René Barjavel  Mario Garbuglia  Piero Tosi  Giuseppe Rotunno  Mario Serandrei  Mario Messina  Nino Rota  Giuseppe Verdi  Franco Ferrara  Alberto Testa  Goffredo Lombardo  Pietro Notarianni  Titanus  Pathé Cinéma  Burt Lancaster  Jean Martinelli  Alain Delon  Claudia Cardinale  Paolo Stoppa  Alfred Pasquali  Rina Morelli  Jacqueline Ferrière  Romolo Valli  Robert Marcy  Mario Girotti  Pierre Clémenti  Ottavia Piccolo  Serge Reggiani  Giuliano Gemma  Cinéma italien  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : L'action se passe en Sicile, dans les années 1860-1863. Lors du débarquement de l'armée révolutionnaire de Garibaldi à Marsala, qui vise à annexer le royaume des Bourbons à l'Italie du Nord, le prince Fabrizio Corbera de Salina quitte son domaine avec sa famille, pour son palais de villégiature dans le village de Donnafugata. Comprenant que les jours de la féodalité sont passés, il assure le mariage de son neveu Tancredi avec Angelica, la fille du riche maire libéral de Donnafugata, Don Calogero. Note de contenu : Visconti déclare : « J'épouse le point de vue de Lampedusa, et disons aussi de son personnage, le prince Fabrizio. Le pessimisme du prince Salina l'amène à regretter la chute d'un ordre qui, pour immobile qu'il ait été, était quand même un ordre. Mais, notre pessimisme se charge de volonté et, au lieu de regretter l'ordre féodal et bourbonien, il vise à établir un ordre nouveau. »[réf. nécessaire] Le film décrit la gestion de crise de l'aristocratie italienne, dont la scène du bal (qui dure 45 minutes) donne la clé. Celle-ci fut tournée au palais Valguarnera-Gangi, à Palerme, mais l'essentiel du film est tourné au palais Chigi (it) d'Ariccia près de Rome[1]. Très impliqué dans l'écriture du personnage du prince Fabrizio, Visconti a choisi l'acteur américain Burt Lancaster pour l'incarner. Le choix surprit, mais se révéla remarquablement pertinent. L'osmose se répétera pour un autre rôle sur lequel Visconti se projetait tout autant, Violence et Passion en 1974.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302225	19 H.1.01419	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

L'avant-scène cinéma, 80. Mouchette (de Robert Bresson) / Collectif

Public ISBD Accompagne Mouchette / Robert Bresson Titre de série : L'avant-scène cinéma, 80 Titre : Mouchette (de Robert Bresson) Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : L'avant-scène cinéma Année de publication : 1968 Note générale : Mouchette est un film français de Robert Bresson, sorti en 1967. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Mouchette  Robert Bresson  Georges Bernanos  Ghislain Cloquet  Pierre Guffroy  Jacques Carrère  Séverin Frankiel  Daniel Couteau  Odette Le Barbenchon  Jean Wiener  Raymond Lamy  Magnificat de Claudio Monteverdi  Les Chanteurs de Saint-Eustache  Anatole Dauman  Parc Films  Argos Films  ORTF  Nadine Nortier  Jean-Claude Guilbert  Marie Cardinal  Paul Hébert  Jean Vimenet  Marie Susini  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Mouchette (on ne saura jamais son vrai nom) est une adolescente taciturne ; son père est un contrebandier alcoolique et sa mère est gravement malade. Elle vit, solitaire, dans un petit village (le village n'est jamais nommé, non plus que la région où il se trouve). Un soir d'orage, alors qu'elle rentre de l'école, elle s'égare dans la forêt. Elle accepte l'hospitalité d'un braconnier, Monsieur Arsène, le premier habitant du village à lui témoigner un peu de compassion. Mais il finit par abuser d'elle. En rentrant chez elle, Mouchette assiste à la mort de sa mère, sans avoir le temps de se confier à elle... Au matin, se heurtant à l'hostilité méprisante de sa famille et de tout son village, Mouchette trouve provisoirement refuge chez une vieille « qui aime les morts ». La vieille dame donne à Mouchette, avant qu'elle ne reparte, une robe blanche, qui semble une robe de mariée. Écrasée de désespoir, Mouchette s'enroule dans la robe/linceul et va se noyer dans un étang, accompagnée par une musique de Monteverdi. Note de contenu : Robert Bresson a tourné dans le Vaucluse, mais plusieurs allusions (l'apéritif au genièvre, la contrebande avec la Belgique) rappellent plutôt le Nord-Pas-de-Calais. Accompagne Mouchette / Robert Bresson L'avant-scène cinéma, 80. Mouchette (de Robert Bresson) [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - [S.l.] : L'avant-scène cinéma, 1968. Mouchette est un film français de Robert Bresson, sorti en 1967. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Mouchette  Robert Bresson  Georges Bernanos  Ghislain Cloquet  Pierre Guffroy  Jacques Carrère  Séverin Frankiel  Daniel Couteau  Odette Le Barbenchon  Jean Wiener  Raymond Lamy  Magnificat de Claudio Monteverdi  Les Chanteurs de Saint-Eustache  Anatole Dauman  Parc Films  Argos Films  ORTF  Nadine Nortier  Jean-Claude Guilbert  Marie Cardinal  Paul Hébert  Jean Vimenet  Marie Susini  Cinéma français Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Mouchette (on ne saura jamais son vrai nom) est une adolescente taciturne ; son père est un contrebandier alcoolique et sa mère est gravement malade. Elle vit, solitaire, dans un petit village (le village n'est jamais nommé, non plus que la région où il se trouve). Un soir d'orage, alors qu'elle rentre de l'école, elle s'égare dans la forêt. Elle accepte l'hospitalité d'un braconnier, Monsieur Arsène, le premier habitant du village à lui témoigner un peu de compassion. Mais il finit par abuser d'elle. En rentrant chez elle, Mouchette assiste à la mort de sa mère, sans avoir le temps de se confier à elle... Au matin, se heurtant à l'hostilité méprisante de sa famille et de tout son village, Mouchette trouve provisoirement refuge chez une vieille « qui aime les morts ». La vieille dame donne à Mouchette, avant qu'elle ne reparte, une robe blanche, qui semble une robe de mariée. Écrasée de désespoir, Mouchette s'enroule dans la robe/linceul et va se noyer dans un étang, accompagnée par une musique de Monteverdi. Note de contenu : Robert Bresson a tourné dans le Vaucluse, mais plusieurs allusions (l'apéritif au genièvre, la contrebande avec la Belgique) rappellent plutôt le Nord-Pas-de-Calais.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302219	19 H.1.01426	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

L'avant-scène cinéma, 93. Cérémonie secrète (de Joseph Losey) / Collectif

Public ISBD Accompagne Cérémonie secrète / Joseph Losey Titre de série : L'avant-scène cinéma, 93 Titre : Cérémonie secrète (de Joseph Losey) Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : L'avant-scène cinéma Année de publication : 1969 Note générale : Cérémonie secrète (Secret Ceremony) est un film britannique, réalisé par Joseph Losey, sorti en 1968. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Cérémonie secrète  Secret Ceremony  Joseph Losey  George Tabori  Ceremonia secreta  Marco Denevi  John Heyman  Norman Priggen  Universal Pictures  World Film Services  Richard Rodney Bennett  Reginald Beck  Richard MacDonald  Sue Yelland  Elizabeth Taylor  Mia Farrow  Robert Mitchum  Peggy Ashcroft  Pamela Brown Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Leonora, prostituée à Londres, est abordée, lors d'une visite dans un cimetière, par Cenci, jeune et riche héritière qui semble la prendre pour sa mère. Invitée par Cenci dans sa superbe demeure où elle vit seule, Leonora, accepte d'endosser le rôle de Margaret, la mère de Cenci. Les deux femmes, dont l'une a perdu sa fille et l'autre n'accepte pas la mort de sa mère, vont alors jouer à un jeu dangereux aux confins de la folie. Accompagne Cérémonie secrète / Joseph Losey L'avant-scène cinéma, 93. Cérémonie secrète (de Joseph Losey) [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - [S.l.] : L'avant-scène cinéma, 1969. Cérémonie secrète (Secret Ceremony) est un film britannique, réalisé par Joseph Losey, sorti en 1968. Langues : Français (fre) Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : films Mots-clés : Cérémonie secrète  Secret Ceremony  Joseph Losey  George Tabori  Ceremonia secreta  Marco Denevi  John Heyman  Norman Priggen  Universal Pictures  World Film Services  Richard Rodney Bennett  Reginald Beck  Richard MacDonald  Sue Yelland  Elizabeth Taylor  Mia Farrow  Robert Mitchum  Peggy Ashcroft  Pamela Brown Index. décimale : 19 Monographies : films Résumé : Leonora, prostituée à Londres, est abordée, lors d'une visite dans un cimetière, par Cenci, jeune et riche héritière qui semble la prendre pour sa mère. Invitée par Cenci dans sa superbe demeure où elle vit seule, Leonora, accepte d'endosser le rôle de Margaret, la mère de Cenci. Les deux femmes, dont l'une a perdu sa fille et l'autre n'accepte pas la mort de sa mère, vont alors jouer à un jeu dangereux aux confins de la folie.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302213	19 H.1.01432	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Dossiers du cinéma, 3. Cinéastes 3 / Collectif

Public ISBD Titre de série : Dossiers du cinéma, 3 Titre : Cinéastes 3 : Antonioni, Bergman, Bertolucci, Rouch, Rosselini,... Type de document : texte imprimé Auteurs : Collectif, Auteur Editeur : Paris : Casterman Année de publication : s.d. Importance : 1 recueil de fiches Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Mots-clés : seif  boorman  bresson  browning  capra  chenal  clouzot  cukor  curtiz  daquin  delvaux  de sica  toth  dwan  epstein  fellini  ferreri  fields  fleischer  gance  gréville  hathaway  kon  kast  kazan  masaki  kubrick  lewin  medvedkine  oliveira  pabst  pollack  protazanov  resnais  saleh  sidney  sirk  staudte  tashlin  tati  nilsson  tourneur  vadim  vigo  walters  wellman  wise  zurlini  feuillade Index. décimale : 18 Monographies : réalisateurs Résumé : Depuis la Sortie des usines Lumière en 1895, l'histoire de l'art cinématographique s'écrit au fil des innovations techniques ou formelles de cinéastes d'exception: les truquages de Georges Méliès, l'invention de Hollywood par Cecil B. De Mille, les recherches formelles des expressionnistes allemands (Murnau, Pabst), le triomphe du western avec Ford ou celui du film noir avec Hawks, le néoréalisme de Rossellini, la Nouvelle Vague inaugurée par Godard et Truffaut. Enfin, des portraits qui montrent les cinéastes à l'œuvre et illustrent ainsi cette mythologie du septième art dont les grands réalisateurs sont, autant que les stars, les représentants. Dossiers du cinéma, 3. Cinéastes 3 : Antonioni, Bergman, Bertolucci, Rouch, Rosselini,... [texte imprimé] / Collectif, Auteur . - Paris : Casterman, s.d. . - 1 recueil de fiches. Catégories : Education aux médias:Cinéma:Monographies : réalisateurs Mots-clés : seif  boorman  bresson  browning  capra  chenal  clouzot  cukor  curtiz  daquin  delvaux  de sica  toth  dwan  epstein  fellini  ferreri  fields  fleischer  gance  gréville  hathaway  kon  kast  kazan  masaki  kubrick  lewin  medvedkine  oliveira  pabst  pollack  protazanov  resnais  saleh  sidney  sirk  staudte  tashlin  tati  nilsson  tourneur  vadim  vigo  walters  wellman  wise  zurlini  feuillade Index. décimale : 18 Monographies : réalisateurs Résumé : Depuis la Sortie des usines Lumière en 1895, l'histoire de l'art cinématographique s'écrit au fil des innovations techniques ou formelles de cinéastes d'exception: les truquages de Georges Méliès, l'invention de Hollywood par Cecil B. De Mille, les recherches formelles des expressionnistes allemands (Murnau, Pabst), le triomphe du western avec Ford ou celui du film noir avec Hawks, le néoréalisme de Rossellini, la Nouvelle Vague inaugurée par Godard et Truffaut. Enfin, des portraits qui montrent les cinéastes à l'œuvre et illustrent ainsi cette mythologie du septième art dont les grands réalisateurs sont, autant que les stars, les représentants.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302121	18 H.1.01230	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Petite anthologie des Cahiers du cinéma, I. Le goût de l'Amérique / Antoine de Baecque

Public ISBD Titre de série : Petite anthologie des Cahiers du cinéma, I Titre : Le goût de l'Amérique : 50 ans de cinéma américain dans les Cahiers du cinéma Type de document : texte imprimé Auteurs : Antoine de Baecque (1962-....), Directeur de publication, rédacteur en chef Editeur : Paris : Cahiers du Cinéma Année de publication : 2001 ISBN/ISSN/EAN : 978-2-86642-290-5 Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Howard Hawks  Humphrey Bogart  Orson Welles  Samuel Fuller  Francis Ford Coppola  John Carpenter  Clint Eastwood  Martin Scorsese  David Miller  Nicolas Ray  John Ford  Monte Hellman  George Lucas  Stanley Kubrick  Steven Spielberg  Michael Cimino  John Cassavetes  Robert Kramer  David Cronenberg  Brian De Palma  John Carpenter  David Lynch  Tim Burton  Joel Coen  Ethan Coen  Le masque arraché  Johnny Guitare  Frontière chinoise  Macadam à deux voies  La guerre des étoiles  Apocalypse Now  Shining  Les Aventuriers de l'arche perdue  Made in USA  E.T. l'extra-terrestre  L'Année du Dragon  Love Streams  Route One USA  Scanners  Pulsions  Invasion Los Angeles  Honkytonk Man  Blue Velvet  Batman  Miller's Crossing Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Textes réunis et présentés par Antoine de Baecque Avec la collaboration de Gabrielle Lucantonio - Petite anthologie des Cahiers du cinéma. A l’occasion des cinquante ans de la revue, la "Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma" présente une série spéciale : "La petite anthologie des Cahiers du cinéma". Le parti pris de cette série d’anthologies (neuf ouvrages au total), au sein de la « Petite Bibliothèque des Cahiers du cinéma », est de choisir sur la durée de l’histoire de la revue une sélection de textes regroupés selon de grandes thématiques qui illustrent les idées force de la revue, ses grands choix critiques et esthétiques, représentant un large éventail de signatures. Note de contenu : Petite anthologie des Cahiers du cinéma. Petite anthologie des Cahiers du cinéma, I. Le goût de l'Amérique : 50 ans de cinéma américain dans les Cahiers du cinéma [texte imprimé] / Antoine de Baecque (1962-....), Directeur de publication, rédacteur en chef . - Paris : Cahiers du Cinéma, 2001. ISBN : 978-2-86642-290-5 Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Howard Hawks  Humphrey Bogart  Orson Welles  Samuel Fuller  Francis Ford Coppola  John Carpenter  Clint Eastwood  Martin Scorsese  David Miller  Nicolas Ray  John Ford  Monte Hellman  George Lucas  Stanley Kubrick  Steven Spielberg  Michael Cimino  John Cassavetes  Robert Kramer  David Cronenberg  Brian De Palma  John Carpenter  David Lynch  Tim Burton  Joel Coen  Ethan Coen  Le masque arraché  Johnny Guitare  Frontière chinoise  Macadam à deux voies  La guerre des étoiles  Apocalypse Now  Shining  Les Aventuriers de l'arche perdue  Made in USA  E.T. l'extra-terrestre  L'Année du Dragon  Love Streams  Route One USA  Scanners  Pulsions  Invasion Los Angeles  Honkytonk Man  Blue Velvet  Batman  Miller's Crossing Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Textes réunis et présentés par Antoine de Baecque Avec la collaboration de Gabrielle Lucantonio - Petite anthologie des Cahiers du cinéma. A l’occasion des cinquante ans de la revue, la "Petite bibliothèque des Cahiers du cinéma" présente une série spéciale : "La petite anthologie des Cahiers du cinéma". Le parti pris de cette série d’anthologies (neuf ouvrages au total), au sein de la « Petite Bibliothèque des Cahiers du cinéma », est de choisir sur la durée de l’histoire de la revue une sélection de textes regroupés selon de grandes thématiques qui illustrent les idées force de la revue, ses grands choix critiques et esthétiques, représentant un large éventail de signatures. Note de contenu : Petite anthologie des Cahiers du cinéma.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302373	17 H.1.01918	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Petite anthologie des Cahiers du cinéma, II. Vive le cinéma français! / Antoine de Baecque

Public ISBD Titre de série : Petite anthologie des Cahiers du cinéma, II Titre : Vive le cinéma français! : 50 ans de cinéma français dans les Cahiers du cinéma Type de document : texte imprimé Auteurs : Antoine de Baecque (1962-....), Directeur de publication, rédacteur en chef Editeur : Paris : Cahiers du Cinéma Année de publication : 2001 ISBN/ISSN/EAN : 978-2-86642-289-9 Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Jean Renoir  Robert Bresson  Leos Carex  Arnaud Desplechin  Jacques Tati  Alain Resnais  Maurice Pialat  Cahiers du cinéma Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Les textes réunis et présentés par Antoine de Baecque avec la collaboration de Gabrielle Lucantonio Jean Renoir, Robert Bresson, Leos Carax, Arnaud Desplechin, Jacques Tati, Alain Resnais, Maurice Pialat Les cahiers du cinéma cultivent depuis leurs origines un rapport polémique au cinéma français, sévèrement critique et méfiant à l’égard d’un cinéma considéré dans sa globalité comme médiocre, mais au sein duquel la revue distingue le travail de certains auteurs qui deviennent les compagnons de route de la revue. En 1954, le célèbre texte de François Truffaut "Une certaine tendance du cinéma français", engage le combat de la revue contre la qualité française et s’achève sur la défense de Jean Renoir, Robert Bresson, Jean Cocteau, Jacques Becker, Sacha Guitry, Abel Gance, Jacques Tati. Bientôt la rédaction recherchera dans la Nouvelle Vague une proposition alternative au sein du cinéma français, et le rôle des anciens rédacteurs des Cahiers devenus cinéastes y restera crucial jusqu’à aujourd’hui. Ces cinéastes ont réussi avec le temps à construire un dispositif d’indépendance qui les place à la fois au centre et à la marge du cinéma français, et leurs expériences vont dès lors compter dans la vie de la revue. Aujourd’hui, l’identité du cinéma français dans les Cahiers tourne autour de quelques questions récurrentes : comment être un jeune cinéaste sans être écrasé par le poids de la nouvelle vague ? Comment garder son âme en travaillant au coeur du système ? Petite anthologie des Cahiers du cinéma, II. Vive le cinéma français! : 50 ans de cinéma français dans les Cahiers du cinéma [texte imprimé] / Antoine de Baecque (1962-....), Directeur de publication, rédacteur en chef . - Paris : Cahiers du Cinéma, 2001. ISBN : 978-2-86642-289-9 Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Jean Renoir  Robert Bresson  Leos Carex  Arnaud Desplechin  Jacques Tati  Alain Resnais  Maurice Pialat  Cahiers du cinéma Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Les textes réunis et présentés par Antoine de Baecque avec la collaboration de Gabrielle Lucantonio Jean Renoir, Robert Bresson, Leos Carax, Arnaud Desplechin, Jacques Tati, Alain Resnais, Maurice Pialat Les cahiers du cinéma cultivent depuis leurs origines un rapport polémique au cinéma français, sévèrement critique et méfiant à l’égard d’un cinéma considéré dans sa globalité comme médiocre, mais au sein duquel la revue distingue le travail de certains auteurs qui deviennent les compagnons de route de la revue. En 1954, le célèbre texte de François Truffaut "Une certaine tendance du cinéma français", engage le combat de la revue contre la qualité française et s’achève sur la défense de Jean Renoir, Robert Bresson, Jean Cocteau, Jacques Becker, Sacha Guitry, Abel Gance, Jacques Tati. Bientôt la rédaction recherchera dans la Nouvelle Vague une proposition alternative au sein du cinéma français, et le rôle des anciens rédacteurs des Cahiers devenus cinéastes y restera crucial jusqu’à aujourd’hui. Ces cinéastes ont réussi avec le temps à construire un dispositif d’indépendance qui les place à la fois au centre et à la marge du cinéma français, et leurs expériences vont dès lors compter dans la vie de la revue. Aujourd’hui, l’identité du cinéma français dans les Cahiers tourne autour de quelques questions récurrentes : comment être un jeune cinéaste sans être écrasé par le poids de la nouvelle vague ? Comment garder son âme en travaillant au coeur du système ?

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302374	17 H.1.01919	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Petite anthologie des Cahiers du cinéma, IV. La politique des auteurs / Antoine de Baecque

Public ISBD Titre de série : Petite anthologie des Cahiers du cinéma, IV Titre : La politique des auteurs : Les textes Type de document : texte imprimé Auteurs : Antoine de Baecque (1962-....), Directeur de publication, rédacteur en chef Editeur : Paris : Cahiers du Cinéma Année de publication : 2001 ISBN/ISSN/EAN : 978-2-86642-287-5 Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Ingmar Bergman  Abel Gance  Howard Hawks  Fritz Lang  Kenji Mizoguchi  Roberto Rossellini  Cahiers du cinéma  Le faux coupable  La captive aux yeux clairs  Les Indomptables  L'Amour fou  Peau d'Ane  Quatre nuit d'un rêveur Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Les textes réunis et présentés par Antoine de Baecque avec la collaboration de Gabrielle Lucantonio La politique des auteurs est sans doute l’idée critique la plus célèbre de l’histoire du cinéma. Quel critique n’en a pas usé ? L’expression est passée dans le langage courant de la critique et le concept semble avoir triomphé, mais n’en conserve pas moins ses ambiguïtés. Retracer la Politique des auteurs par les textes des Cahiers du cinéma, c’est en raconter la genèse, ses remises en causes et ses contradictions. C’est d’abord remonter à la source, aller à la rencontre de la personnalité critique de son inventeur, François Truffaut chez qui l’amour des metteurs en scène s’accompagne d’une bonne dose de provocation : c’est une construction théorique indissociable d’une politique d’intervention. Elle constitue les premières pages du roman des Cahiers, d’emblée promis au succès. A rendre jaloux tout directeur de revue, à complexer tout critique qui s’aventure sur le terrain. Elle marquera toutes les générations critiques qui vont se succéder aux Cahiers. Et sans nul doute encore aujourd’hui se pose la question pour un critique du bon usage, d’un "usage critique", de la politique des auteurs, savoir discerner ses apports provocateurs et ses intérêts féconds autant que ses jeux de masque et ses effets pervers. Petite anthologie des Cahiers du cinéma, IV. La politique des auteurs : Les textes [texte imprimé] / Antoine de Baecque (1962-....), Directeur de publication, rédacteur en chef . - Paris : Cahiers du Cinéma, 2001. ISBN : 978-2-86642-287-5 Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Ingmar Bergman  Abel Gance  Howard Hawks  Fritz Lang  Kenji Mizoguchi  Roberto Rossellini  Cahiers du cinéma  Le faux coupable  La captive aux yeux clairs  Les Indomptables  L'Amour fou  Peau d'Ane  Quatre nuit d'un rêveur Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Les textes réunis et présentés par Antoine de Baecque avec la collaboration de Gabrielle Lucantonio La politique des auteurs est sans doute l’idée critique la plus célèbre de l’histoire du cinéma. Quel critique n’en a pas usé ? L’expression est passée dans le langage courant de la critique et le concept semble avoir triomphé, mais n’en conserve pas moins ses ambiguïtés. Retracer la Politique des auteurs par les textes des Cahiers du cinéma, c’est en raconter la genèse, ses remises en causes et ses contradictions. C’est d’abord remonter à la source, aller à la rencontre de la personnalité critique de son inventeur, François Truffaut chez qui l’amour des metteurs en scène s’accompagne d’une bonne dose de provocation : c’est une construction théorique indissociable d’une politique d’intervention. Elle constitue les premières pages du roman des Cahiers, d’emblée promis au succès. A rendre jaloux tout directeur de revue, à complexer tout critique qui s’aventure sur le terrain. Elle marquera toutes les générations critiques qui vont se succéder aux Cahiers. Et sans nul doute encore aujourd’hui se pose la question pour un critique du bon usage, d’un "usage critique", de la politique des auteurs, savoir discerner ses apports provocateurs et ses intérêts féconds autant que ses jeux de masque et ses effets pervers.

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302376	17 H.1.01921	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible

Petite anthologie des Cahiers du cinéma, V. La politique des auteurs / Antoine de Baecque

Public ISBD Titre de série : Petite anthologie des Cahiers du cinéma, V Titre : La politique des auteurs : Les entretiens Type de document : texte imprimé Auteurs : Antoine de Baecque (1962-....), Directeur de publication, rédacteur en chef Editeur : Paris : Cahiers du Cinéma Année de publication : 2001 ISBN/ISSN/EAN : 978-2-86642-273-8 Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Jean Renoir  Roberto Rossellini  Fritz Lang  Howard Hawks  Alfred Hitchcock  Luis Bunuel  Orson Welles  Carl T. Dreyer  Robert Bresson  Michelangelo Antonioni  Cahiers du cinéma Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Les textes réunis et présentés par Antoine de Baecque avec la collaboration de Gabrielle Lucantonio Entretiens : Jean Renoir, Roberto Rossellini, Fritz Lang, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Luis Bunuel, Orson Welles, Carl T. Dreyer, Robert Bresson, Michelangelo Antonioni. La politique des auteurs est sans doute l’idée critique la plus célèbre de l’histoire du cinéma. Quel critique n’en a pas usé ? L’expression est passée dans le langage courant de la critique et le concept semble avoir triomphé, mais n’en conserve pas moins ses ambiguïtés. Retracer la Politique des auteurs par les textes des Cahiers du cinéma, c’est en raconter la genèse, ses remises en causes et ses contradictions. C’est d’abord remonter à la source, aller à la rencontre de la personnalité critique de son inventeur, François Truffaut chez qui l’amour des metteurs en scène s’accompagne d’une bonne dose de provocation : c’est une construction théorique indissociable d’une politique d’intervention. Elle constitue les premières pages du roman des Cahiers, d’emblée promis au succès. A rendre jaloux tout directeur de revue, à complexer tout critique qui s’aventure sur le terrain. Elle marquera toutes les générations critiques qui vont se succéder aux Cahiers. Et sans nul doute encore aujourd’hui se pose la question pour un critique du bon usage, d’un "usage critique", de la politique des auteurs, savoir discerner ses apports provocateurs et ses intérêts féconds autant que ses jeux de masque et ses effets pervers. Note de contenu : Entretiens : Jean Renoir, Roberto Rossellini, Fritz Lang, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Luis Bunuel, Orson Welles, Carl T. Dreyer, Robert Bresson, Michelangelo Antonioni. Niveau : secondaire supérieur, enseignement supérieur et universitaire Petite anthologie des Cahiers du cinéma, V. La politique des auteurs : Les entretiens [texte imprimé] / Antoine de Baecque (1962-....), Directeur de publication, rédacteur en chef . - Paris : Cahiers du Cinéma, 2001. ISBN : 978-2-86642-273-8 Catégories : Education aux médias:Cinéma:Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Mots-clés : Jean Renoir  Roberto Rossellini  Fritz Lang  Howard Hawks  Alfred Hitchcock  Luis Bunuel  Orson Welles  Carl T. Dreyer  Robert Bresson  Michelangelo Antonioni  Cahiers du cinéma Index. décimale : 17 Histoire du cinéma et aspects socio-économiques Résumé : Les textes réunis et présentés par Antoine de Baecque avec la collaboration de Gabrielle Lucantonio Entretiens : Jean Renoir, Roberto Rossellini, Fritz Lang, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Luis Bunuel, Orson Welles, Carl T. Dreyer, Robert Bresson, Michelangelo Antonioni. La politique des auteurs est sans doute l’idée critique la plus célèbre de l’histoire du cinéma. Quel critique n’en a pas usé ? L’expression est passée dans le langage courant de la critique et le concept semble avoir triomphé, mais n’en conserve pas moins ses ambiguïtés. Retracer la Politique des auteurs par les textes des Cahiers du cinéma, c’est en raconter la genèse, ses remises en causes et ses contradictions. C’est d’abord remonter à la source, aller à la rencontre de la personnalité critique de son inventeur, François Truffaut chez qui l’amour des metteurs en scène s’accompagne d’une bonne dose de provocation : c’est une construction théorique indissociable d’une politique d’intervention. Elle constitue les premières pages du roman des Cahiers, d’emblée promis au succès. A rendre jaloux tout directeur de revue, à complexer tout critique qui s’aventure sur le terrain. Elle marquera toutes les générations critiques qui vont se succéder aux Cahiers. Et sans nul doute encore aujourd’hui se pose la question pour un critique du bon usage, d’un "usage critique", de la politique des auteurs, savoir discerner ses apports provocateurs et ses intérêts féconds autant que ses jeux de masque et ses effets pervers. Note de contenu : Entretiens : Jean Renoir, Roberto Rossellini, Fritz Lang, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Luis Bunuel, Orson Welles, Carl T. Dreyer, Robert Bresson, Michelangelo Antonioni. Niveau : secondaire supérieur, enseignement supérieur et universitaire

Exemplaires

Code-barres	Cote	Support	Localisation	Section	Disponibilité
302377	17 H.1.01922	Livre	Médiathèque CAV Liège	Rayon Livres	Disponible